L’area Self del Salone del Libro di Torino continua a crescere, quest’anno erano presenti 350 autori e l’incasso delle vendite dei libri è triplicato rispetto all’edizione 2025. Ma la responsabile del Progetto Sara Speciani pensa ai miglioramenti per la prossima edizione, ad esempio sistemare meglio la libreria. E gli autori cosa pensano? Anche loro sono soddisfatti, Sara Cipriani, Edy Tassi e Amedeo Mettifogo hanno evidenziato i punti di forza e suggerito qualche cambiamento per il 2027.

Sara Cipriani nel 2026 ha vinto il Premio Self Publishing indetto dal Festival del Romance e fatto il suo esordio in libreria. È alla seconda esperienza nell’area Self Publisher. La prima volta è stata emozionante, ma tornare il secondo anno le ha permesso di vivere l’evento con ancora più intensità e serenità, anche grazie all’esperienza maturata e al supporto dell’organizzazione

Anche Amedeo Mettifogo, autore self di narrativa fantasy, ha partecipato al Salone del libro di Torino per due anni consecutivi, esponendo i suoi romanzi nella Libreria Self.
Mentre Edy Tassi è alla sua prima esperienza nell’area Self. Ha al suo attivo sette romanzi rosa e ha tradotto più di ottanta titoli per le maggiori case editrici italiane come Harlequin Mondadori, Piemme, Sperling & Kupfer e Always Publishing.

Tutti ritengono che partecipare sia molto utile, in particolare Cipriani pensa che per un autore indie sia un’opportunità preziosa, perché permette di incontrare dal vivo i lettori che magari non conoscono il mondo dell’editoria indipendente. Inoltre, condividere lo spazio e l’esperienza con altri autori, confrontarsi, scambiare idee sul percorso scelto, è un arricchimento. Senza contare che il Salone del Libro è uno degli eventi più importanti del settore editoriale e che poterne far parte rappresenta un onore e una grande soddisfazione personale e professionale.

Per Mettifogo la Libreria Self può essere una grande opportunità sotto molti punti di vista. Grazie a questa iniziativa anche gli autori Self possono partecipare alla fiera del libro più grande d’Italia, hanno una vetrina dove poter mostrare le loro opere ma, soprattutto, hanno la possibilità di instaurare rapporti e amicizie con nuovi lettori e colleghi.

Per Tassi tutte le occasioni di visibilità sono utili e il Salone è una palestra particolarmente intensa. È un contesto affollato e stimolante dove si impara a collaborare, a non vedere soltanto il proprio libro e, allo stesso tempo, a superare quella naturale timidezza e a compiere i primi passi verso il lettore. Però va considerato l’investimento economico. Oltre alla quota di partecipazione e all’acquisto delle copie da mettere in vendita, occorre tener conto dei costi della trasferta. Decidere se e come partecipare, quindi, impone di fare importanti valutazioni economiche e strategiche.

Per quanto concerne i cambiamenti, Sara Cipriani non ha particolari suggerimenti, solo l’auspicio di una crescita con spazi sempre più ampi e magari con un maggior numero di panel dedicati agli autori. Sempre più lettori comprendono che essere autori indipendenti è una scelta consapevole, un percorso editoriale che merita lo stesso rispetto di quello tradizionale.

Per Amedeo Mettifogo la Libreria Self è un progetto relativamente giovane, quindi non è perfetta, ma si può migliorare. Anche se apprezza il lavoro fatto da parte dello staff, pensa che ci vorrebbe una selezione dei libri più severa e meno autori. E poi si sofferma sull’esigenza di creare turni di lavoro al banco. Ma spera di tornare al SalTo perché ogni volta ritrova con un carico di emozioni e di incontri.

Edy Tassi suggerisce di mettere i libri in ordine alfabetico nella libreria dell’area per rendere la consultazione più intuitiva. Infine, consiglia una gestione che permetta agli autori una maggiore presenza ai tavoli. Il contatto diretto con i lettori è molto stimolante e rende l’esperienza ancora più efficace e gratificante per chi decide di partecipare.

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La noticia de la muerte de David Hockney me ha sentado como la muerte de un amigo. No lo conocí personalmente nunca, pero he estado siempre muy unido a su obra, desde que yo era muy joven. Por eso lo conozco profundamente y su visión me ha afectado directamente. Hockney siempre fue un hombre luminoso que abrió muchos nuevos caminos en el arte. Él estableció la transición entre el mundo de la abstracción y la figuración, creó un puente del que toda mi generación ha bebido de una manera muy profunda. Y yo más que nadie.

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© Luke MacGregor (Reuters)

Lluís Pasqual, uno de los fundadores del Teatre Lliure y su nombre más reconocido e internacional, no estará presente en la programación del 50 aniversario del colectivo, presentada hoy junto con el resto de la temporada. El Lliure ha descabalgado a Pasqual pese a que estaba comprometida su presencia como director de un espectáculo, y lo ha hecho aduciendo una grabación falsa de unas palabras de Montserrat Caballé que se emitieron en la gala de homenaje a la soprano en 2019 en el Liceo, según desveló recientemente la humorista Judit Martín, verdadera autora de la grabación.

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© Carles Ribas

Figura fundamental do movimento Pop Art na década de 1960 faleceu esta quinta-feira aos 88 anos. O artista britânico David Hockney, uma das figuras mais influentes da arte contemporânea, morreu na quinta-feira, na sua residência, em Londres, aos 88 anos, anunciou esta sexta-feira a sua assessoria de imprensa. Considerado um dos artistas britânicos mais influentes dos séculos XX e XXI, que trabalhou praticamente até ao fim da vida, Hockney foi uma figura fundamental do movimento Pop Art na década de 1960. As suas pinturas de piscinas a brilhar sob o sol de Los Angeles tornaram-se ícones da arte do século

El palacete de Cortiguera, una pieza singular del paisaje urbano santanderino relegada durante décadas a la degradación, ha encontrado en Okuda San Miguel un inesperado salvavidas. Donde las administraciones no han logrado consensuar un uso, el artista plantea convertirlo en el Museo del Kolor, un proyecto que ya ha logrado lo que parecía imposible: devolver el foco sobre un edificio olvidado.

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© Eva García (EFE)

David Hockney è morto all’età di 88 anni. A dare la notizia è stata la sua agente Erica Bolton, che ha spiegato come il pittore si sia spento serenamente nella sua casa di Londra, a poche settimane dal suo 89esimo compleanno. Bolton lo ha definito “una delle figure più importanti dell’arte contemporanea nel XX e XXI secolo”.

Dalla pop art degli anni Sessanta fino ai disegni realizzati su iPad negli ultimi anni della sua vita, Hockney ha attraversato mode, movimenti e rivoluzioni tecnologiche continuando a sperimentare e a sorprendere. Tra le iconiche piscine californiane, i paesaggi dello Yorkshire e quelli della Normandia, le sue opere sono diventate simbolo di un linguaggio artistico immediatamente riconoscibile grazie all’uso di colori brillanti, luce intensa e una continua ricerca sul modo di rappresentare lo spazio e la percezione.

Nato a Bradford nel 1937, Hockney si trasferì a Los Angeles nel 1964. Fu una svolta decisiva. Per un ragazzo cresciuto nell’Inghilterra del dopoguerra, la California rappresentava quasi una visione: sole, acqua, giardini e un modo completamente diverso di osservare il mondo. La luce della West Coast, le piscine e l’architettura modernista diventarono così i protagonisti di opere entrate nella storia dell’arte contemporanea come A Bigger Splash e Portrait of an Artist (Pool with Two Figures). Quest’ultima venne venduta nel 2018 per oltre 90 milioni di dollari, stabilendo all’epoca il record per un artista vivente.

Nel corso della sua carriera Hockney ha esplorato fotografia, collage, scenografia, fax, computer, smartphone e tablet, dimostrando una curiosità rara anche tra gli artisti della sua generazione. Quando molti suoi contemporanei difendevano il passato, lui continuava a inseguire il futuro.

Tra i primi artisti britannici della sua generazione a vivere apertamente la propria omosessualità quando era ancora un reato in Inghilterra, Hockney affrontò il tema in opere come We Two Boys Together Clinging, del 1961.

Nonostante i problemi di salute degli ultimi anni, ha continuato a lavorare quotidianamente. Nel 2025 ha partecipato alla grande retrospettiva organizzata dalla Fondation Louis Vuitton a Parigi, la più ampia mai dedicata alla sua opera, accolta da un’affluenza record.

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El artista siempre rechazó la etiqueta de artista pop aunque él fue uno de los grandes difusores de este estilo Leer

El reputado y reconocido artista británico David Hockney ha fallecido a los 88 años en su residencia, según ha confirmado su publicista. Considerado una de las figuras más influyentes e iconoclastas del arte contemporáneo de los siglos XX y XXI, el artista británico deja un legado imborrable definido por su vibrante uso del color, la luz de California y su constante experimentación técnica. Aunque siempre rechazó ser considerado como tal, lo cierto es que Hockney fue uno de los mayores representantes del arte Pop, pues a través de sus obras plasmaba su realidad contemporánea, desde un prisma superficial a la vez que atento a la sensibilidad de los matices.

Nacido en Bradford, Inglaterra, en 1937, Hockney desarrolló sus estudios en la Universidad de Arte de Bradford y en el Royal College of Art en Londres, cultivando por tanto durante toda su vida una pasión artística que basó en la audacia del color y las formas. Las grandes inspiraciones en su obra fueron Dubuffet y Picasso, así como conoció a Warhol en los años 60. Además, pronto se ganó la imagen de "enfant terrible" de la escena pop británica, dado su perfil inconfundible: pelo rubio, gafas de pasta y absoluta libertad a la hora de mostrar su profunda personalidad.

Sus famosísimas piscinas construyen gran parte de su imaginario visual, llegando a definir una estética singular, y destacando obras como "A bigger splash" o "Portrait of an artist (pool with two figures)". Ambas escenas que aluden al amor, a la lujuria y a la pérdida bajo el cielo de la gran ciudad. Una época que se complementa con sus ambiciosos retratos, para los que utilizaba el fotomontaje, así como la pintura abstracta de paisajes o, en sus últimos años, las obras de arte creadas a partir de la tecnología 3D.

De hecho, en los años recientes Hockney experimentó en diversos campos, incluyendo el diseño de escenografía y vestuarios para óperas y ballets. Su arte llegó a implementar herramientas tales como el iPad, con el que creó gran cantidad de pinturas digitales que envió a amigos y conocidos por correo electrónico. "En realidad, sólo me interesa la tecnología relacionada con las imágenes. Me interesa todo aquello que permita crear una imagen", explicó en 2013 durante una entrevista con la revista "Interview".

Más allá de una arrolladora personalidad creativa, el artista también hizo historia en el mercado del arte: en 2018 se alzó en Christie's de Nueva York con una venta de su "Portrait of an artist (pool with two figures)" por la cifra de 90,3 millones de dólares, convirtiéndose entonces en el artista vivo más cotizado del planeta. Asimismo, Hockney ha sido distinguido con la Orden del Mérito del Reino Unido y el Premio Shakespeare.

A pocas semanas de cumplir 89 años, fallece un artista con una gigante trayectoria, de prolífica y rica producción creativa. Si bien gran parte de su mito se fraguó entre los rascaciones de Londres y el sol de Los Ángeles, el creador pasó sus últimos años en Normandía, rodeado de la propia naturaleza que cultivó en sus cuadros. Ahora, su legado pictórico se seguirá ofreciendo a los espectadores en las colecciones de la Tate Modern de Londres o el MOMA de Nueva York -en España, el Thyssen Bornemisza, el Reina Sofía y el Guggenheim cuentan con obras suyas-, consolidándose, una vez más, su figura como un hombre que redefinió las leyes del arte contemporáneo.

© AP

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Hockney, "uma das figuras mais importantes da arte contemporânea" dos últimos dois séculos, morreu "pacificamente em sua casa", em Londres, a um mês do seu 89.º aniversário.

© Getty Images

Hockney, "uma das figuras mais importantes da arte contemporânea" dos últimos dois séculos, morreu "pacificamente em sua casa", em Londres, a um mês do seu 89.º aniversário.

© Getty Images

“Curioso como uma pintura permite recuar no tempo, ir à memória e sentir aquele espaço como nosso”. A emoção "pintada" por Joan Guerra não deixa indiferente a responsável do Museu de Pintura Naïf.

“Curioso como uma pintura permite recuar no tempo, ir à memória e sentir aquele espaço como nosso”. A emoção "pintada" por Joan Guerra não deixa indiferente a responsável do Museu de Pintura Naïf.

"Copo branco belleza dos objectos" (1915-1916) pertenceu à família do artista e esteve no Grand Palais em 2016. O leilão é a 24 de junho, na Veritas.

© DR

“A mí me gusta más pintar que exponer”, ha manifestado Miquel Barceló este jueves en la galería Artur Ramon de Barcelona, donde ha presentado una exposición de grabados realizados entre 2010 y 2026 en el taller de Joan Roma y Takeshi Motomiya, que se inaugura este viernes y se podrá ver hasta el 9 de octubre. Su presencia en la ciudad, justo un día después que el Papa bendijera la Torre de Jesús de la Sagrada Familia, ha generado expectación entre la prensa porque es uno de los candidatos a decorar la fachada de la Gloria del templo, todavía incompleta y por la que se postulan dos artistas más, Cristina Iglesias y Javier Marín. “No sé nada que vosotros no sepáis”, ha afirmado Barceló, que ha contado que acababa de llegar a Barcelona y no estuvo ayer en la Sagrada Familia.

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© Enric Fontcuberta (EFE)

Hasta hace unos días, Alcalá de Henares y Azul, una ciudad argentina a casi 10.500 kilómetros de distancia, eran localidades hermanas cuya unión se consumaba en dos pinturas murales a un lado y otro del océano. El dibujante y caricaturista argentino Miguel Rep fue el responsable de materializar el vínculo entre estas dos tierras lejanas que se habían acercado, por casualidad, a través de la figura de Miguel de Cervantes: la primera vio nacer al escritor y en la segunda se conserva una de las colecciones de ejemplares de El Quijote más importantes de América y la más grande de Argentina. En julio de 2011 se inauguró el primero de los murales, el de Alcalá, que Rep pintó durante semanas bajo el sol del verano en la pared lateral de la Casa Tapón y pocos meses después, en noviembre, hizo lo mismo bajo el cielo encapotado de la primavera argentina. Mientras el de Azul se conserva, el de Alcalá ya no existe por decisión del ayuntamiento.

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La Sagrada Familia ha raggiunto un nuovo traguardo simbolico con l’inaugurazione della Torre di Gesù Cristo, il punto più alto della basilica progettata da Antoni Gaudí. A Barcellona la cerimonia è stata accompagnata da uno spettacolo di luci e droni che ha trasformato il cielo della città in una scenografia dedicata all’architetto catalano. L’evento si è svolto alla presenza di Papa Leone XIV, che ha benedetto la nuova torre e completato così un passaggio fondamentale nella costruzione del tempio espiatorio. Con questa aggiunta, la Sagrada Familia diventa di fatto la chiesa più alta del mondo.

Il momento più suggestivo della serata è arrivato al termine della cerimonia, quando sul profilo della collina di Montjuïc è stato proiettato il volto di Gaudí, realizzato attraverso un sistema di droni e giochi di luce. L’immagine, rivolta simbolicamente verso la basilica, ha richiamato una delle frasi più note attribuite all’architetto: “Prima l’amore, dopo la tecnica”.

La scelta di Montjuïc non è stata casuale: la collina, alta circa 173 metri, supera di poco la Torre di Gesù, che raggiunge i 172,5 metri. Un dettaglio che richiama direttamente la visione dello stesso Gaudí, secondo cui nessuna opera dell’uomo avrebbe dovuto superare in altezza la natura.

La luce del futuro nel segno di Gaudí

L’illuminazione interna e strutturale utilizza un sistema composto da decine di fasci di luce distribuiti lungo gli elementi architettonici della croce e delle navate. Secondo i dati forniti, il nuovo impianto LED ad alta efficienza consente anche un significativo risparmio energetico rispetto alle tecnologie precedenti, e riduce i consumi e l’impatto ambientale complessivo della struttura.

Lo spettacolo di luci e droni ha chiuso una giornata destinata a entrare nella storia della Sagrada Familia. Ancora una volta l’eredità di Gaudí è tornata a dominare la scena e ha ricordato la sua idea di un’architettura pensata come prolungamento della natura e non come sua contrapposizione.

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Martim Sousa Tavares escondia o apelido para provar o seu valor, agora está em paz com a herança familiar. O diretor artístico do Festival de Sintra elogia a descentralização das escolas artísticas.

Isabelino Coelho, um dos principais pintores portugueses de arte Naïf, destaca-se pela diferença ao romper com o Realismo. Recorre ao imaginário e inspira-se na arte antiga para dar vida às obras.

Luanda, 11 jun (Prensa Latina) La Feria de Arte de Luanda marca desde hoy una cita con las artes plásticas de Angola, a la cual asisten invitados de distintas provincias y de países vecinos como Namibia y República Democrática del Congo.

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A praia e as ruas do centro do Carvoeiro vão transformar-se, no dia 20 de Junho, numa gigantesca celebração ao ar livre, com música, arte e muita animação no programa da 12ª Noite Black & White, anunciou o município de Lagoa.

Com vários palcos e cenários de animação espalhados por diferentes zonas do Carvoeiro, o evento, que decorre das 20h30 às 3h00 da madrugada do dia seguinte, apresenta um programa diversificado que cruza diferentes estilos musicais e expressões artísticas.

Nesta edição, sobem ao palco, entre outros, os mexicanos Mariachi Mezcal, a cantora brasileira Lidia Brandão, os portugueses Six Irish Men e os DJ nacionais Francisco Gil, Pedro Carrilho e Christian F, que prometem contagiar o público com ritmos que atravessam décadas — dos clássicos dos anos 70, 80 e 90 aos grandes sucessos da dance music atual.

«Mais do que a primeira grande festa de verão do Algarve, o Carvoeiro Noite Black & White consolidou-se, ao longo dos últimos 12 anos, como uma das maiores festas de verão realizadas em Portugal, reunindo mais de 30 mil pessoas numa única noite», sublinha a organização, a cargo do município de Lagoa.

O branco e o preto assumem-se como elementos centrais de toda a experiência, inspirando a decoração, os espetáculos, a animação de rua e a energia vibrante que invade cada recanto da vila.

Com entrada livre e transportes gratuitos assegurados pelo município, entre os parques de estacionamento de apoio e o centro de Carvoeiro, o evento «convida residentes e visitantes a celebrar o início do verão numa noite memorável junto ao mar».

Pode consultar o programa completo aqui ou na imagem em baixo.

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