A brasilidade expressada sob cores da bandeira, adereços do vestuário e elementos da cultura é captada, misturada e transformada em identidade sonora pela cantora e compositora pernambucana Letícia Bastos em novo single lançado às vésperas da Copa do Mundo. O Brasil Tá em Alta mescla a tendência internacional atual de admiração pela estética e essência do país - batizada até nas passarelas como Brazil Core - com toques do pop nordestino para alargar a vitrine de exaltação com aspectos da regionalidade.

A música chegou às plataformas digitais na sexta-feira (11) e, de carona no São João, reafirma o vigor do forró, do fole e da sanfona para fortalecer o diálogo do local com o universal.

“Escrevi O Brasil Tá em Alta a partir do que comecei a perceber nos últimos anos. De repente, o mundo inteiro começou a olhar para o Brasil de um jeito diferente. A gente vê estrangeiros usando camisa da seleção, usando sandálias Havaianas, ouvindo música brasileira, dançando os nossos ritmos, querendo conhecer a nossa cultura. E isso me fez pensar: será que a gente está percebendo o quanto o Brasil está em alta?”, observa a cantora.

A música combina a sonoridade da tríade forrozeira formada por sanfona, zabumba e triângulo com guitarra, baixo e elaborações eletrônicas para entrosar tradição e contemporaneidade. A verve conciliatória também se espraia pela letra através de versos com referências à índole extrovertida do brasileiro, a itens típicos da gastronomia, à capacidade criativa e à arte consagrada mundialmente - sem, claro, descuidar da atmosfera do futebol onipresente em época de copa. “Aqui toca forró o ano inteiro / Então chega pra cá que o Brasil tá em alta / E olha a ola aí, oleeee / Olha a ola lá, olaaaa / Olha a ola aí, vem que tá massa”, diz um dos trechos.

“Quando olho para o Nordeste, sinto isso ainda mais forte. As nossas praias, a nossa música, o São João, o forró, a nossa forma de falar, de receber as pessoas... Tudo isso começou a despertar a curiosidade e o encanto de gente do mundo inteiro. É uma celebração daquilo que nós temos de mais valioso: a nossa cultura, a nossa alegria e a nossa identidade. Porque eu acredito que, no Brasil, felicidade não tem data. E talvez seja exatamente isso que faz tanta gente querer estar aqui”, observa Letícia. O bordão “sou brasileiro com muito orgulho” nunca fez tanto sentido - aqui e lá fora.

QUEM É

A cantora e compositora Letícia Bastos é um dos novos nomes de destaque da cena musical pernambucana. A artista despontou para o cenário nacional depois de uma participação impactante no The Voice Brazil, apresentado pela Globo.

A projeção no programa abriu portas para uma trajetória exitosa de apresentações, álbuns, sigles e releituras virais. Letícia lançou os EP Let’s (em 2021) e Meu Oxente (em 2025) - a obra mais recente expressa uma guinada na carreira com a incursão pelo pop nordestino e pela identidade sonora ancorada na junção do regional com o universal. A cantora fez versões de clássicos como Feira de Mangaio e Madeira que Cupim Não Rói e obteve centenas de milhares de visualizações nas redes sociais e plataformas de vídeo.

© divulgação

En un panorama musical donde parece que cada portal de Malasaña esconde un local de ensayo surge una pregunta recurrente, ¿realmente necesitamos otro grupo más? Los integrantes de La Milagrosa lo tienen claro. Germán Ges, Jesús, Gonzalo y Marina decidieron que "no había suficientes bandas en España y queríamos hacer una más".

Lo que comenzó hace casi tres años se ha convertido en una mezcla de ambición, objetivos definidos, dedicación y la ternura de quien "cuida un bebé". Estos cuatro artistas tienen claro que, con el lanzamiento de su nuevo disco y los escenarios que les esperan, quieren ser escuchados y sentirse arropados por quienes estén dispuestos a brindarles una atención genuina.

El proceso creativo

Lejos del mito de la banda que improvisa en los ensayos hasta encontrar la canción perfecta, el proceso creativo de La Milagrosa parte del trabajo en solitario. Marina bromea al respecto asegurando que en realidad se "odian" y que "cada uno escribe por su cuenta y luego la IA decide qué canciones salen".

Lejos de cualquier distopía en la que la inteligencia artificial hace el trabajo por ellos, hay parte de verdad en las palabras de Marina, componen de manera individual. Escriben por separado y después, comparten sus ideas con el resto del grupo, donde cada miembro "añade un engranaje más a eso que le falta a una persona". Una vez construidos los cimientos de la canción, el proceso avanza de manera colectiva.

Otra de las piezas fundamentales de su método creativo son "los findes rurales". Marina, Jesús, Gonzalo y Germán destacan que esos aislamientos en casas rurales durante el fin de semana se han convertido en la piedra angular de su último trabajo.

"Al final hacemos un poco de detox de estímulos ajenos a algo que no sea currar en escribir canciones y nos centramos solo en eso durante unos días", confiesan. De hecho, aseguran que la gran mayoría de las canciones del nuevo disco han nacido en ese "aislamiento".

Pepe Viyuela y la sátira a los 'criptobros'

Aunque en su "lista de deseos" figura tocar fuera de España, de momento se conforman con la incorporación del productor británico Alex Headford al nuevo disco. Su participación ha servido para darle "una vuelta más" al proyecto y marcar un nuevo punto de inflexión profesional y sonoro.

"Escuchamos una canción que nos encantó, buscamos quién la había producido y contactamos con él. Sin conocernos de nada, fluyó bien la cosa".

Si algo define la identidad de La Milagrosa son sus letras, que "nacen de experiencias propias". Explican que, dependiendo de la temática, las canciones suelen conectar rápidamente con el público, aunque a veces modifican algunas cosas para que el mensaje "no sea tan personal".

Irónicamente, algunas de sus canciones más alegres no hablan de vivencias pasadas, sino de situaciones que, reconocen, "me gustaría que me pasaran".

Más allá de lo sonoro, también cultivan la ironía en la parte audiovisual, como han demostrado en su nuevo single, No estás en tu prime, cuyo videoclip cuenta con la inesperada pero acertada participación del actor Pepe Viyuela.

Con la intención de ridiculizar el fenómeno de los 'criptobros', eligieron a Viyuela para encarnar a "un criptobro estancado en esa mentalidad, un personaje ya mayor al que no le pegara en absoluto el rollo del emprendimiento digital".

El nombre del actor apareció "desde el minuto cero" como una idea casi descabellada, pero decidieron intentarlo. Con "humildad" y "picaresca", contactaron con él. La respuesta fue inmediata. "El tío desde el minuto cero estuvo superdispuesto. Una persona superhumilde, supertrabajadora, supertalentosa. O sea, un 10".

La "custodia compartida" del proyecto

Pese al éxito creciente, los festivales, unas recientes Fiestas de San Isidro "pasadas por agua" y una sala But con 1.000 personas, los miembros de La Milagrosa reconocen que todavía no pueden vivir exclusivamente de la música.

Lejos de romantizar la precariedad de la industria, hablan sin tapujos de los trabajos "normales" que todos mantienen. Aun así, aseguran que han conseguido compaginar sus empleos con la atención que exige el proyecto.

"La Milagrosa al final es un bebé que llora mucho, entonces hay que prestarle mucha atención", explican.

El grupo aprovecha los periodos en los que alguno de sus integrantes se encuentra temporalmente sin trabajo para que asuma una mayor carga organizativa, mientras los demás se balancean entre el proyecto y los trabajos. "Estamos todos muy encima de ello y vamos como poco a poco pasándonos el bebé para cambiarle el pañal de vez en cuando".

El "vértigo" de La Riviera y el nuevo disco

Todo este trabajo desembocará a principios del próximo año en uno de los hitos más importantes de su trayectoria, tocar en La Riviera.

Después de agotar las 1.000 entradas de la sala But, enfrentarse a un aforo prácticamente doble es un reto que asumen "con ganas, pero con vértigo". Será allí donde estrenen su nuevo disco en Madrid, una noche que afrontan con "el nervio de quiero demostrar".

Este nuevo álbum promete no dejar indiferente a nadie. La banda asegura que no han querido "reusar fórmulas que hayan funcionado en el pasado", sino apostar por una "evolución natural" que se aleja un poco de la zona de confort sin cambiar el estilo de su música.

El resultado es un proyecto en el que "se siente más la esencia de grupo" y donde la habitual dualidad entre canciones "más luz y más oscuridad" se ha inclinado ligeramente hacia estas últimas.

"En este disco tienen más peso las oscuras", advierten. Acompañando a unas letras directas, la música se presenta ahora como algo "más arriesgado, más afilado... más agresivo".

Con la vista puesta en tocar fuera de España y seguir tachando objetivos de su "lista de deseos", La Milagrosa tiene clara su filosofía. Frente al consumismo de las reproducciones masivas y la inmediatez, la banda apuesta por una conexión genuina con su público.

"Que el crecimiento que tengamos sea natural... que la gente que decida escuchar nuestra música le dedique aunque sea cinco minutos, pero que tenga el tiempo y la voluntad de querer conectar", reflexionan.

No buscan una marea anónima de oyentes. Su objetivo es transparente, "no crecer por crecer, sino que la gente que esté sean los reales". Y todo apunta a que esos "reales" estarán allí, agotando entradas y acompañando a La Milagrosa en lo que puede convertirse en su consagración definitiva.

A cantora Luísa Sonza, 27, estreou a turnê “Brutal Paraíso”, no Jockey Club do Rio de Janeiro, na noite da última sexta-feira (12). Ela foi uma das atrações da festa SeráQAbre, que também contou com apresentação de Pabllo Vittar, na noite do Dia dos Namorados.

Com figurinos e balé acompanhando a estética do novo álbum, o ponto alto da data romântica aconteceu quando um fã subiu ao palco e pediu o namorado em casamento.

“Cuidem um do outro, isso aqui é muita responsabilidade”, falou a cantora, que “abençoou” a união do casal. Em seguida, a cantora brincou com o público antes de performar a canção “Chico”, que faz referência direta a seu ex-namorado, Chico Moedas, que é de Niterói, no Rio de Janeiro.

Outra surpresa da noite foi a primeira performance ao vivo da canção “Depois do Fim” no setlist. Foi a primeira vez que a cantora apresentou a música ao vivo, após o lançamento do álbum, em abril de 2026. Intitulado “Brutal Paraíso”, o projeto conta com 23 faixas e traz parcerias com artistas nacionais e internacionais.

Entre os nomes que marcam presença nas faixas estão MC Morena, MC Meno K, MC Paiva, a porto-riquenha Young Miko e o colombiano Sebastian Yatra. O disco mescla funk, trap e até reggaeton. Nas redes sociais, Luísa afirmou que as faixas lançadas representam as “primeiras 23”, dando a entender que pode haver o lançamento de ainda mais faixas para a nova era.

Luísa Sonza sobre amor: “Melhorou depois que desisti”

Números revelados à BLITZ pela organizadora do Primavera Sound Porto, apontam para “mais de 120 mil espectadores” na edição deste ano do festival, que chega este sábado ao terceiro dia, com concertos de Massive Attack e IDLES, entre outros. O festival termina domingo com um dia mais reduzido dedicado a DJ

Point of No Return regressam a Loulé para apresentar o primeiro álbum da banda em 18 anos, a 17 de outubro de 2026.

O conteúdo Point of No Return tocam novo álbum no Bafo de Baco em Loulé aparece primeiro em Barlavento.

O músico Paul McCartney, 83, afirmou que sua audição nem sempre acompanha o ritmo de antes. De forma bem-humorada, o ex-Beatle relatou que já entendeu frases de maneira equivocada durante conversas com a esposa, Nancy Shevell, 66, o que acabou gerando momentos de confusão.

Durante um evento com o humorista Rob Brydon, em Londres, o astro revelou enfrentar episódios de perda auditiva.

“Minha audição pode ser questionável às vezes. Ela é boa, mas acontece de eu perder algumas sílabas das palavras, então as coisas podem ficar estranhas. Eu estava conversando com Nancy certa vez e, no fim das contas, ela estava falando sobre comida ou algo assim, mas eu entendi outra coisa e perguntei: ‘O que [o falecido promotor de eventos] Sid Bernstein tem a ver com isso?’ Ela não estava falando sobre Sid Bernstein”, brincou.

O músico acrescentou que a passagem do tempo mudou sua percepção sobre o envelhecimento e o levou a enxergar as dificuldades comuns entre os idosos com mais empatia.

“Sabe, quando éramos crianças, você olhava para muitas pessoas mais velhas e, para ser sincero, achava que elas eram meio lentas. Você realmente pensava isso. O que acontece também é que, à medida que a audição vai diminuindo, você percebe que muitas vezes as pessoas mais velhas simplesmente não tinham escutado a pergunta.”

“Quando escrevi [a música] ‘When I’m Sixty-Four’, eu pensava: ‘Meu Deus, 64 é tão velho’. E então pensei: ‘Ah, eu tenho 64 anos’. Depois: ‘Agora tenho 74’. E agora já vou fazer 84.”

O ídolo da música afirmou que mantém uma rotina de cuidados com a saúde.

“Hoje em dia, faço um pouco de exercício. Na escola, eu odiava as aulas de educação física. Agora vou à academia, faço um pouco de pilates. Faz bem.”

Paul McCartney publica vídeo sobre passagem pelo Brasil; confira

A cantora Olivia Rodrigo, 23, quebrou recordes com o terceiro disco de estúdio, “You Seem Pretty Sad For a Girl So In Love”, lançado na sexta-feira (12), nas plataformas de streaming Spotify e Amazon Music.

Pelas redes sociais, o Spotify e a Amazon Music revelaram que a cantora tem, até o momento, o disco de maior estreia de 2026, sendo no primeiro streaming, a maior estreia entre artistas mulheres, e no segundo, entre qualquer artista.

“O disco de Olivia, ‘You Seem Pretty Sad For a Girl So In Love’ se tornou o álbum mais reproduzido no Spotify de uma artista feminina”, declarou o Spotify em comunicado nas redes sociais.

“O disco de Olivia, ‘You Seem Pretty Sad For a Girl So In Love’ conquistou o recorde de maior reprodução global de um álbum no primeiro dia na Amazon Music”, informou a Amazon Music.

No disco, Olivia Rodrigo foca nos altos e baixos de uma relação amorosa. Conhecida por transformar experiências pessoais em letras confessionais desde o sucesso de “Sour”, a artista mantém a tradição de usar a composição como uma espécie de diário emocional, em meio a melodias marcantes.

“É a minha tentativa de capturar o amor pelos dois lados da moeda. A esperança e a decepção. A loucura e a clareza. O envolvimento e o desenrolar”, escreveu Olivia Rodrigo sobre o álbum, nas redes sociais.

Olivia Rodrigo: 5 curiosidades para conhecer a cantora

Mike Smith, teclista e diretor musical dos Gorillaz, partilhou uma foto da formação do grupo que subiu esta sexta-feira ao palco do Primavera Sound Porto, registada no ‘backstage’ do recinto do Parque da Cidade. O baixista Seye Adelekan mostrou imagens do concerto visto a partir do palco. Veja-as aqui e recorde (ou saiba como foi) o espetáculo através de vídeos captados pelos fãs que esgotaram o segundo dia do festival

Novo tema de Danni Gato, chama-se “Maré”, conta com a colaboração de Diogo Piçarra e é mais um single de avanço de “Soldier” – álbum que este ano se estreia ao vivo no icónico festival belga de música eletrónica Tomorrowland.

“Maré” é título do novo single de Danni Gato, editado ontem (12), que junta o produtor ao cantor e compositor Diogo Piçarra.

Danni Gato apresenta “Maré” numa colaboração com Diogo Piçarra que cruza a identidade afro house do produtor com uma abordagem mais pop e melódica. A colaboração surge de forma natural entre dois artistas com percursos distintos, mas com uma vontade comum de explorar novas linguagens. Liga-os a sua origem. São ambos algarvios.

Depois de temas como “Where Are You”, “Lisboa” ou “Tudo Bem”, “Maré” é mais um single de avanço de “Soldier”, o próximo álbum de Danni Gato, que este ano estreia-se ao vivo no icónico festival belga de música eletrónica Tomorrowland, no dia 17 de julho.

Saliente-se ainda que Danni Gato é hoje um dos nomes mais marcantes da música eletrónica portuguesa. O seu percurso começou em Faro, sempre ligado às raízes cabo-verdianas que moldaram o seu ouvido e a sua forma de criar.

A mistura entre a alma da morna e da coladeira com a energia do afro house tornou-se a base do seu estilo. Esse equilíbrio entre tradição e vanguarda fez com que conquistasse públicos de diferentes países e se afirmasse como um dos artistas em maior crescimento na cena afro house internacional.

​A sua presença em palco levou-o a cidades como Ibiza, Paris, Londres, Amesterdão, Dubai, Boston e Nova Iorque. Partilhou cabine com nomes fortes do afro house como Shimza, Da Capo, Enoo Napa e DJeff, mostrando consistência e capacidade de adaptação em contextos muito distintos.

Em Portugal, tornou-se presença habitual em festivais de referência. Atuou no Brunch Electronik, MEO Sudoeste, O Sol da Caparica, Nova Era Beach Party, Festival F e Rock in Rio, onde reforçou a reputação de DJ capaz de criar momentos de grande intensidade.​

No estúdio, o seu trabalho tem gerado sucessos que circulam entre os maiores DJ internacionais. Xaguada, Gratitude e Hulk tornaram-se temas de destaque em pistas e rádios especializadas. Já Pedrinha, Oskey e Num Tás a Ver valeram-lhe vários galardões de singles de Ouro e Platina, confirmando o impacto do seu catálogo e a sua evolução como produtor.

Na capital, Lisboa, Danni Gato alcançou um marco importante ao esgotar por três vezes o Pavilhão Carlos Lopes, reunindo milhares de fãs e reforçando a ligação que construiu com o público português. Esta capacidade de transformar a sua herança cultural em linguagem universal ajudou-o a definir uma identidade própria dentro do afro house e a levar o género a novos espaços.

​Com uma combinação natural entre autenticidade, energia e visão, Danni Gato continua a marcar o ritmo da música eletrónica lusófona. O seu trabalho reflete uma evolução constante e uma vontade clara de levar a sonoridade que representa a públicos cada vez mais amplos. Cada novo set e cada novo lançamento reforçam o lugar que ocupa no panorama internacional.

Recordando o período em que viveu exilado em Londres, antes do 25 de Abril, Tozé Brito revela, no Posto Emissor, um momento que o marcou. “Nunca me senti deprimido, mas naquele dia estava num estado de desânimo total em relação à vida”

Depois do concerto no Primavera Sound Porto, esta sexta-feira, 12 de junho, Gisela João esteve à conversa com o SAPO. Veja o vídeo.

A banda vai subir ao palco da Cidade do Rock no dia 21 de junho.

Los tiempos extraordinarios que vive Washington exigen medidas extraordinarias. Por ejemplo, la retransmisión en directo, a través de YouTube y de las webs de varios medios de comunicación, de la anodina operación de levantar un andamio para que unos obreros, subidos a él, retiren las letras de molde de una fachada.

Seguir leyendo

💾

©

En las calles de París, una tienda de vinilos de jazz muestra en su escaparate una ventana al pasado: el trompetista estadounidense Miles Davis (1926-1991) toca en portadas, fotografías y carteles que, cien años después de su nacimiento, conmemoran el sonido suave e inconfundible de su viento metal. "Es un genio", dice a EFE el dueño del local, Fred Thomas. "Fue el mejor trompetista de jazz de la historia y John Coltrane (1926-1967) -su compañero durante casi una década- fue el mejor saxofonista", agregó, frente a un vinilo de Davis reeditado por su aniversario.

Como Thomas, son muchos quienes mantienen vivo el recuerdo del legendario trompetista, que dejó un poso particularmente grande en París, ciudad por la que desarrolló una gran simpatía desde su primera llegada a la capital, en 1949, para actuar en el Festival Internacional de Jazz de dicho año. "Al igual que muchos afroamericanos en aquella época, París no les veía como a negros: les veía como a músicos. Por eso no tenían ese estigma; no sentían la presión que tenían en Estados Unidos, no estaban obligados a tener permisos para tocar en los clubes... no eran considerados seres inferiores", explicó Thomas.

Fue esta simpatía encontrada en Francia lo que mantuvo a Davis ligado a Europa y, particularmente, a París: en los años 50 inició un romance con la cantante y actriz francesa Juliette Gréco (1927-2020) y regresó en reiteradas ocasiones a la ciudad, donde entabló amistad con músicos como el saxofonista Barney Wilen (1937-1996) o el pianista René Urtreger (1932, París).

Davis frecuentó barrios parisinos como Saint-Germain, epicentro del existencialismo francés, y actuó en salas icónicas como el Olympia, donde ofreció su mítico concierto de 1957, o la Sala Pleyel, que oyó por primera vez las notas de su trompeta en 1949. El que probablemente sea el mejor testigo de su paso por París es la banda sonora de la película "Ascenseur pour l'échafaud" ("Ascensor para el cadalso", 1958), del director de la "nouvelle vague" Louis Malle, que Davis grabó en una sola noche, durante una sesión de pura improvisación.

Según el experto en jazz y comisario de exposiciones en la Filarmónica de París Vincent Bessières, esta improvisación es una de las mayores cualidades del trompetista y una de las razones por los que sigue presente hoy en día, puesto que "asentó las bases sobre cómo tocar los temas pero, sobre todo, cómo improvisarlos".

Bessières opinó que álbumes de Davis como "Kind of Blue" (1959) son, "sin duda, la base a partir de la cual se aprende el vocabulario del jazz" hoy en día, mientras que otros, como "Tutu" (1986), demuestran su evolución constante, con la incorporación de sonidos e instrumentos electrónicos. "Miles Davis fue quien movió las fronteras del jazz, quien las ensanchó y mostró que esta música podía mezclarse con muchos otros lenguajes musicales", resumió el experto.

"Si estuviera vivo hoy, se habría interesado por la IA"

Según Bessières, Davis se ha mantenido más presente en la actualidad porque creía que el jazz debe "evolucionar, renovarse y reinventarse en función de la música actual", razón por la que cree que, de seguir vivo, "se habría interesado por la Inteligencia Artificial (IA)". "Prácticamente cada cinco años lleva a cabo una especie de revolución musical, de revolución estética, y cambia de estilo: hace evolucionar su música. Y eso es algo muy característico de él", agregó el experto.

Su obsesión con "no dar la impresión de ser un músico del pasado" le llevó a rodearse de algunos de los nombres más importantes y rompedores del género, como el bajista Marcus Miller (1959, Nueva York) o el guitarrista John Scofield (1951), impulsando toda una nueva generación de jazzistas. Por su parte, Fred Thomas lamentó que, dado el impacto del estadounidense en la historia de la música, "no se hayan hecho muchas cosas" para celebrar su centenario.

"Universal Francia ha reeditado un 'Ascenseur pour l'échaufaud' que tengo en el catálogo, pero, aparte de eso, no se ha hecho gran cosa, ni en Estados Unidos ni en otros lugares, lo cual es sorprendente", subrayó, en referencia a su local Sam Records.

Miles Davis es hoy reconocido como uno de los mejores músicos de 'jazz' de toda la historia, junto a contemporáneos como Duke Ellington (1899-1974) o Charlie Parker (1920-1955), y su renombre en Francia le ha valido el seguimiento de miles de aficionados y, incluso, una estatua de la célebre Niki de Saint-Phalle (1930-2002), hoy visible frente al paseo marítimo de Niza (sureste).

© EFE

© EFE

Os Gorillaz regressaram ao Parque da Cidade do Porto e garantiram um dos concertos mais celebrados da edição de 2026 do festival.

O segundo dia do festival contou também com uns Black Country, New Roads a precisar de novos rumos, do triunfo dos Slowdive e de Baxter Dury e de uma pérola por descobrir chamada Annahstasia.

© Marisa Cardoso

O segundo dia do festival contou também com uns Black Country, New Roads a precisar de novos rumos, do triunfo dos Slowdive e de Baxter Dury e de uma pérola por descobrir chamada Annahstasia.

© Marisa Cardoso

Una amiga me lo advirtió antes de ir. “Las que vais a ver a Bad Bunny me parecéis las mismas que las que van a rezar al Papa, no me interesa nada ni lo uno ni lo otro”. A mí no me pareció que fuera lo mismo rezar que cantar cosas como “Si tu novio no te mama el culo, pa eso que no mame”, pero mi amiga tenía razón en algo fundamental. En la práctica, no hay tanta diferencia entre perrear y rezar en 2026. Y no es que lo diga ella (o yo), es que el papa León XIV se reunió con Bad Bunny en su apretada agenda madrileña en un guiño de complicidad cristiana y, por si quedaban dudas, Benito bendijo al Pontífice durante el concierto. Hacia la mitad apareció el sapo Concho, mascota animada de la gira, en las pantallas gigantes y dijo: “Acho, un fuerte aplauso para el Papa que ha llevado esperanza y unión a tantas personas en el mundo”.

Seguir leyendo

© Mariano Regidor ( GETTY IMAGES )

Se ha muerto un hombre. Era fino y peligroso. De aspecto seco, desértico, y una voz de diablo. En el escenario —con su banda, Los Redonditos de Ricota, en sitios lúgubres durante los ochenta, en predios a los que arrastraba a cientos de miles de personas tiempo después— tenía el aspecto de un obrero metalúrgico o de un monje. No hacía falta que impostara glamour con quienes íbamos a verlo. Era un dios hecho de aceite de motor y pavimento, y nos arrastró a su territorio desde que lo vimos por primera vez. A los tristes, los fundidos, los rabiosos, a los que siempre crujíamos, nos llevó más lejos. Hizo que a los 30, a los 40, a los 50, estuviéramos tan encendidos como a los 20. Yo estaba en Berna cuando se murió. Volví de una reunión de trabajo y, cuando llegué al hotel, encontré un mensaje del hombre con quien vivo que me daba aviso. Era viernes, 5 de junio de 2026. Habían pasado unos 40 años desde que lo vi por primera vez en un tugurio oscuro del barrio de Flores, Buenos Aires. Fue la banda de sonido de buena parte de mi vida. Si no sé qué hacer, ni cómo hacerlo, lo escucho cantar Había una vez, y esa parte que dice “los espíritus soplan si quieren, y vos que recién te enterás, tarde otra vez, mi amor” me recuerda que, a veces, no se puede hacer nada, que sólo hay que esperar. Cuando supe de su muerte —tenía párkinson, sufrió un accidente cerebrovascular hemorrágico en la madrugada—, caminé hasta un puente y me quedé mirando el río Aar. El mundo seguía andando, pero ese día anduvo menos. En Buenos Aires, sus fans se reunieron espontáneamente en la Plaza de Mayo. Desde el domingo, se inició un velorio público. Se formó una fila de siete kilómetros para despedirlo. Él le dio sentido a lo que no tenía sentido. Transformó la desesperación en canciones que nos hicieron mal de tanto bien que nos hicieron. Se llamaba —se llama— Carlos Alberto Solari. Nosotros, la tribu de su calle, le decíamos Indio. Le diremos siempre.

© Nehuen Rovediello (EFE)

Ocurrencias que se jalean —sonrisa más o menos condescendiente incluida— a un Joyce en literatura o a un Duchamp en las artes plásticas (por citar a dos de sus contemporáneos), en Arnold Schönberg provocan que muchos lleven rasgándose cansina y cínicamente las vestiduras desde hace décadas. Es como si se resistieran a aceptar a estas alturas lo que el propio austríaco denominó “la emancipación de la disonancia”, que él mismo ideó, auspició y ejecutó, incidiendo en que la “comprensibilidad” de esta última había de ser idéntica a la de la consonancia. Renúnciese a un centro tonal, elimínese toda jerarquía en la escala cromática, trátense las disonancias como si fueran consonancias: no cabe mayor democratización de la composición musical, sometida durante siglos a rígidas reglas y, en consecuencia, prohibiciones. Schönberg, al tiempo que se sentía heredero de una gloriosa tradición, y que tenía a Bach por poco menos que su padre espiritual, entendió que su revolución igualitaria era justamente lo único que podría perpetuar ese soberbio linaje secular austroalemán del que jamás quiso dejar de formar parte.

Seguir leyendo

Arnold Schönberg

Berliner Philharmoniker Dir.: Kirill Petrenko 3 CD y 1 Blu-ray

© © ARNOLD SCHÖNBERG CENTER (EL PAÍS)