Los jugadores de Nintendo ya pueden probar de forma gratuita uno de los RPG más destacados de 2025 más allá de Monster Hunter Wilds. Se trata de Digimon Story: Time Stranger, que acaba de recibir una demo gratuita en Nintendo Switch y Nintendo Switch 2. Desarrollado por Media Vision y publicado por Bandai Namco, el juego debutó originalmente el 5 de octubre de 2025 en PlayStation 5 y Xbox Series X|S junto a PC, aunque saltará a las consolas híbridas ahora.
La obra marcó el regreso de la saga Digimon Story después de ocho años sin nuevas entregas y se convirtió rápidamente en uno de los capítulos mejor valorados de toda la franquicia. Previsto para el próximo 10 de julio en las consolas de Nintendo, los jugadores pueden descargar una versión de prueba desde la eShop. Además, Bandai Namco ha confirmado que el progreso conseguido en esta demo podrá trasladarse a la versión completa una vez se produzca su lanzamiento.
Aunque Time Stranger es la séptima entrega principal de la serie, presenta una historia independiente que puede disfrutarse sin necesidad de haber jugado a títulos anteriores. De esta forma, la propuesta presenta una aventura que se desarrolla tanto en el mundo humano como el Mundo Digital, pudiendo conseguir y criar un grupo diverso de Digimon con los que pelear en combates por turnos.
Una oportunidad de oro en Nintendo Switch y Switch 2
La llegada de esta demo resulta especialmente interesante para los usuarios de Nintendo, ya que muchos de los RPG más ambiciosos suelen pasar de largo por las consolas de la compañía. Así, esta prueba gratuita permite descubrir de primera mano si la propuesta encaja con los gustos de cada jugador antes de realizar la compra.
Si cala en el jugador, este tendrá la misión de desvelar el misterio que hay detrás del colapso del mundo en una historia con personajes únicos que darán forma al viaje por el tiempo y mundos paralelos.
La tercera temporada de La casa del dragón está a punto de estrenarse y todo apunta a que lo hará con un enfoque muy diferente al que acostumbraban tanto esta serie como su predecesora, Juego de. Tronos. Tras una segunda temporada que dividió a parte de la audiencia por su ritmo narrativo y su final abierto, HBO parece decidida a responder a las críticas con una entrega mucho más intensa y centrada en la acción desde el primer momento.
La gran novedad es que la temporada arrancará directamente con la Batalla del Gaznate, uno de los enfrentamientos navales más importantes y sangrientos de la historia de Poniente. Este conflicto enfrentará a la flota Velaryon liderada por Corlys Velaryon contra la Tríada, una alianza que contará con el apoyo de Tyland Lannister y Sharako Lohar.
El showrunner Ryan Condal no ha ocultado la ambición del proyecto y ha llegado a describir este episodio como "posiblemente el capítulo de televisión más loco jamás realizado". Según la información disponible, la batalla ocupará alrededor de 25 minutos de metraje dentro de un episodio de estreno que será el más largo de la serie hasta la fecha.
La decisión supone una ruptura con una de las fórmulas más reconocibles del universo de Juego de Tronos. Tradicionalmente, las grandes batallas se reservaban para los episodios finales de cada temporada o, al menos, para su tramo central. En esta ocasión, La casa del dragón apostará por mostrar uno de sus mayores espectáculos desde el capítulo inaugural.
Todo apunta a que el segundo episodio continuará elevando las apuestas con los movimientos de Rhaenyra Targaryen para tomar Desembarco del Rey, acelerando definitivamente el conflicto central de la Danza de los Dragones.
Una temporada reestructurada
No obstante, hay que recalcar que parte de estos acontecimientos estaban originalmente planeados para la segunda temporada, pero acabaron retrasándose por decisiones de producción. Ahora, esos eventos servirán para convertir la tercera entrega en el auténtico inicio de la guerra civil Targaryen que los espectadores llevan esperando desde el comienzo de la serie.
Con ocho episodios previstos y varias grandes secuencias bélicas confirmadas, la tercera temporada promete marcar un antes y un después para la franquicia. HBO deberá equilibrar el espectáculo visual con el desarrollo de personajes que convirtió a Juego de Tronos en un fenómeno mundial, siendo una de las apuestas más interesantes de este verano.
La adaptación de acción real de One Piece continúa consolidándose como una de las producciones más exitosas basadas en un manga. Tras dos temporadas, la serie de Netflix no solo ha conseguido conquistar a los seguidores de la obra original de Eiichiro Oda, sino también atraer a una gran cantidad de nuevos espectadores que nunca habían seguido las aventuras de los Sombrero de Paja.
Mientras los espectadores esperan novedades sobre la tercera temporada, se ha anunciado un nuevo producto oficial que permitirá descubrir cómo se creó la adaptación. La editorial Viz Media ha confirmado el lanzamiento de Set Sail: The Art and Making of One Piece, un libro de arte de lujo centrado en el desarrollo de las dos primeras temporadas de la serie.
La publicación llegará el 23 de junio de 2026 y ofrecerá una mirada detallada al proceso creativo detrás de la producción. Entre sus contenidos se incluyen ilustraciones conceptuales, fotografías tomadas durante el rodaje, material sobre la construcción del Going Merry, entrevistas exclusivas con miembros del equipo y comentarios de los responsables de llevar el universo de One Piece al formato de imagen real.
El anuncio llega en un momento de gran expectación por la tercera temporada. Aunque Netflix todavía no ha revelado una fecha concreta de estreno ni ha mostrado un primer tráiler, sí se sabe que los nuevos episodios están previstos para 2027.
Qué esperar del regreso de One Piece
La próxima temporada adaptará por completo el famoso Arco de Arabasta, considerado por muchos seguidores como uno de los momentos más importantes de toda la historia. Tras los acontecimientos de la segunda temporada, Monkey D. Luffy y su tripulación continuarán su viaje por la Grand Line acompañados por la princesa Vivi y por el nuevo médico de la tripulación.
Su objetivo será llegar al reino desértico de Arabasta para enfrentarse a Crocodile, uno de los Siete Guerreros del Mar y una de las mayores amenazas a las que se han enfrentado hasta ese momento. La temporada también profundizará en la figura de Nico Robin, uno de los personajes más populares de toda la franquicia, además de introducir a nuevos integrantes de la organización Baroque Works.
El propio Eiichiro Oda, que participa en la producción como productor ejecutivo, ya ha adelantado en varias ocasiones que está muy satisfecho con el trabajo realizado por el equipo, mientras Netflix prepara proyectos adicionales.
Resulta difícil imaginar la saga Harry Potter sin la visión que finalmente llegó a los cines de la mano de Chris Columbus, director de las primeras entregas. Sin embargo, durante años existió la posibilidad de que el responsable de iniciar la franquicia fuera otro nombre legendario de Hollywood: Steven Spielberg. El cineasta lleva tiempo hablando sobre su decisión de abandonar el proyecto, aunque recientemente ha aportado nuevos detalles que ayudan a comprender mejor por qué nunca llegó a dirigir la adaptación del Mundo Mágico.
Spielberg es uno de los directores más exitosos de la historia del cine y ha sido responsable de franquicias tan importantes como Jurassic Park. Por eso, cuando se supo que tuvo la oportunidad de ponerse al frente de Harry Potter y la piedra filosofal, muchos aficionados se preguntaron qué habría sido de la saga bajo su dirección.
Durante una reciente conversación con TCM, Spielberg explicó que la decisión estuvo relacionada con otro proyecto muy especial para él: A.I. Inteligencia Artificial. Según relató, todo cambió tras el fallecimiento de Stanley Kubrick en 1999. Durante el funeral del cineasta, familiares y colaboradores cercanos le pidieron que asumiera la dirección de una película que Kubrick llevaba años intentando sacar adelante.
Ante esa situación, Spielberg decidió abandonar Harry Potter para centrarse en completar el proyecto de A.I., una obra que finalmente llegó a los cines en 2001. El director reconoció que era consciente de que estaba renunciando a una producción destinada a convertirse en un fenómeno mundial, ya que las novelas de J. K. Rowling ya eran un enorme éxito cultural en aquel momento.
Motivos pasados de Steven Spielberg
Esta explicación complementa otros motivos que el cineasta había compartido anteriormente. En 2023 reveló que también influyó su deseo de pasar más tiempo con su familia, ya que la producción de la primera película de Harry Potter habría requerido permanecer en Londres durante aproximadamente año y medio. Asimismo, en entrevistas previas había admitido que tenía ciertas dudas sobre embarcarse en una película protagonizada casi exclusivamente por niños.
Visto con perspectiva, la decisión parece haber beneficiado a todas las partes. Harry Potter terminó convirtiéndose en una de las franquicias cinematográficas más exitosas de todos los tiempos sin necesidad de Spielberg, mientras que el director pudo desarrollar una etapa muy interesante de su carrera con películas como Minority Report y Atrápame si puedes.
El universo televisivo de Yellowstone continúa creciendo bajo la dirección de Taylor Sheridan, aunque su nueva serie derivada está tomando un camino muy diferente al que convirtió a la producción original en un fenómeno de audiencia. Mientras Yellowstone giró en torno a la figura dominante de John Dutton III, interpretado por Kevin Costner, el nuevo spin-off, Rancho Dutton, está apostando por una filosofía completamente distinta.
La serie sigue a Beth Dutton y Rip Wheeler, interpretados por Kelly Reilly y Cole Hauser, respectivamente, tras abandonar Montana y comenzar una nueva vida en la localidad texana de Rio Paloma. Después de los acontecimientos que pusieron fin a Yellowstone, la pareja se enfrenta al reto de construir algo propio en lugar de proteger el legado familiar que marcó la historia original.
Precisamente ahí reside una de las principales diferencias entre ambas producciones. Yellowstone se centraba en el poder, la herencia y las luchas por conservar el control del rancho familiar. En cambio, Rancho Dutton explora conceptos como la reconstrucción, la adaptación y los nuevos comienzos. La serie muestra a Beth y Rip intentando levantar un nuevo negocio desde cero, una trama que se refuerza con el acuerdo comercial que Beth alcanza con Beulah Jackson, personaje interpretado por Annette Bening.
La producción también dedica más tiempo al desarrollo de Carter, interpretado por Finn Little, cuyo destino había quedado abierto tras el final de Yellowstone. Al igual que Beth y Rip, el joven personaje debe adaptarse a una nueva realidad mientras intenta encontrar su lugar lejos del rancho que marcó su vida.
Yellowstone también cuenta con precuelas
Muchos espectadores también señalan que Rancho Dutton guarda más similitudes con las precuelas 1883 y 1923 que con la propia Yellowstone. Ambas series exploraban la construcción del legado de los Dutton y las dificultades para sacar adelante el rancho familiar, mientras que la serie original se enfocaba en proteger una herencia ya consolidada.
De momento, la nueva serie parece haber encontrado su propia identidad dentro de la franquicia. Sin renunciar a los temas de familia, supervivencia y negocios que caracterizan al universo creado por Sheridan, la serie apuesta por una historia de reconstrucción que podría convertirse en el siguiente gran éxito de la saga Yellowstone.
Tras el fenómeno que fue Juego de Tronos en HBO, son muchos los intentos que se han producido por intentar replicar su éxito. Es por eso que, durante los últimos años, la televisión ha estado buscando una alternativa que sea comparable a lo que supuso la serie de fantasía a lo largo de la década pasada. Salvando ciertas distancias, Prime Video podría haber encontrado lo más parecido.
Tras el estreno de un par de temporadas, la serie más exitosa de la plataforma está rompiendo la mayoría de los récords de audiencia posibles. Además, el respaldo de la crítica es casi total, algo que refleja su 94% en Rotten Tomatoes. Dicho esto, tras el final de muchas series que no parecían estar a la altura de las expectativas en 2025, como es el caso de Stranger Things, quedó claro que la televisión aún carecía de una serie capaz de dominar.
'Fallout' es uno de los éxitos más importantes de Prime Video
Fue entonces cuando la segunda temporada de Fallout demostró que las cosas podían cambiar. Pese a su breve recorrido, esta serie distópica ya se considera una de las mejores series de ciencia ficción de Prime Video. Basada en la icónica franquicia de videojuegos, tiene todos los ingredientes para convertirse en el mayor estreno televisivo de los próximos años.
Por ese motivo, muchos espectadores creen que podría ser finalmente la serie que recoja el testigo de Juego de Tronos después de su desenlace en 2019. Lo que está claro es que, desde entonces, ningún otro lanzamiento ha logrado conectar con el público a ese nivel. Solo Fallout ha conseguido algo similar, pese a que aún tiene mucho que demostrar al tratarse de una producción tan reciente.
Los números hablan por sí solos. Más de 83 millones de usuarios vieron la segunda temporada, tras los 65 millones que se adentraron en la primera. Para empezar, esto demuestra un impulso constante que no parece que vaya a menguar. Después de que Fallout batiera récords en Prime Video y se convirtiera en la segunda serie más vista de la plataforma a principios de este año, pasó a ser la tercera serie original más vista, solo por detrás de Reacher y Los Anillos de Poder.
Es algo que ha llamado especialmente la atención, sobre todo porque todavía da la sensación de que la serie apenas está comenzando a desarrollar su complejo universo. Además, la propuesta de Prime Video se trata de una historia original que, dicho sea de paso, no está limitada por el material original. Esto fue algo que sí perjudicó a Juego de Tronos. Por supuesto, mantener la misma audiencia o más durante casi una década es un reto muy difícil de superar, pero Fallout está en camino de poder hacerlo.
La ciencia ficción es posiblemente el género que más ha evolucionado en los últimos años. Pero para entender exactamente cuándo se produjo el punto de inflexión más importante, posiblemente haya que remontarse a 1979, cuando se estrenó el influyente clásico de Ridley Scott. Lo cierto es que Alien fue revolucionaria en muchos sentidos, pero sobre todo por cómo se entrelazó con elementos de terror.
El éxito de esa entrega fue tan mayúsculo que la lucha contra los xenomorfos inspiraría todo tipo de películas de terror y ciencia ficción. Así fue como se dio inicio a una franquicia que sigue siendo rentable incluso en el presente. Por ejemplo, en Aliens, su inmediata secuela, James Cameron tomó un rumbo más orientado a la acción y consolidó aún más la propiedad como un pilar fundamental del género. Esto allanó el camino para otras entregas que continuarían expandiendo el universo, como es el caso de la reciente Alien: Planeta Tierra.
'Alien: Isolation' prepara su regreso con una esperada secuela
Eso sí, no siempre le fue bien a esta franquicia. Lo que está claro es que últimamente ha sabido recuperar su mejor versión. Dirigida por Noah Hawley, Alien: Planeta Tierra finalmente llevó a los xenomorfos a nuestro planeta y fue aclamada como un soplo de aire fresco por la crítica y el público. Respecto al cine, Alien Romulus también fue elogiada como un triunfante regreso a su esencia bajo la dirección de Fede Álvarez.
Pues bien, más allá del cine y la televisión, también se está trabajando en una secuela de uno de los mejores juegos de la franquicia, conocido como Alien: Isolation. Hace un tiempo, se anunció que el icónico videojuego de terror y supervivencia finalmente tendría una secuela en 2024 con Creative Assembly al frente. Sin embargo, solo recientemente se ha empezado a desvelar el tan esperado regreso a este universo.
Lo revelado de Alien: Isolation 2 sugiere un mundo colonial devastado habitado por los xenomorfos que los jugadores tendrán la oportunidad de explorar. Como no podía ser de otra forma, el objetivo será explorar y sobrevivir en este nuevo planeta, utilizando nuevas herramientas y empleando diferentes técnicas para evadir la amenaza alienígena.
Lo que quizás no sabías es que estos videojuegos tienen una relación más estrecha con la franquicia de lo que probablemente pienses. Después de todo, el Alien: Isolation original fue aclamado como un juego de terror de supervivencia excepcional que, además, era fiel a la visión original de Ridley Scott. Al final, se confirmó que era canon en las películas de Alien, ya que se centró en la hija de Ellen Ripley, Amanda, 15 años después de los eventos de la primera película.
Aunque Amanda no recibió un final definitivo, su historia sí que llegó a continuar en los cómics, lo que significa que Alien: Isolation 2 tomará un camino diferente. De hecho, Creative Assembly confirmó que habrá un nuevo protagonista. Por otro lado, el equipo de desarrollo confirmó su deseo de mejorar la IA del xenomorfo y evolucionar la experiencia de supervivencia para que cada encuentro fuese aún más aterrador. La expectación es total por ver qué han desarrollado, pero aún se desconoce su fecha de salida.
En los últimos años, Stranger Things ha demostrado ser la serie de ciencia ficción por excelencia en el catálogo de Netflix. Creada por los hermanos Duffer, la producción destacó por la presentación de su innovador misterio sobrenatural mientras desarrollaba una historia que, con el crecimiento de sus protagonistas, iba tornándose más madura. Sin embargo, la nueva serie de la plataforma supone el inicio de una emocionante tendencia que sería clave este verano.
A pesar de su éxito reciente, la realidad es que Netflix no siempre se ha caracterizado por saber desenvolverse bien en la ciencia ficción. Si bien Stranger Things fue una de las series que impulsó significativamente la audiencia del servicio, sobre todo porque se concibió como una experiencia televisiva que nadie podía perderse, su calidad no siempre fue constante.
Los hermanos Duffer vuelven con una nueva apuesta tras 'Stranger Things'
Empezó a consolidarse tras el estreno de la serie ambientada en Hawkins, pero al acercarse su final definitivo, quedó claro que era el momento adecuado para concluir la serie principal. Por supuesto, eso no ha evitado que la franquicia siga su camino con renovadas propuestas. A finales de 2025, Netflix se despidió de la serie principal, dejando un espacio vacío para una producción que parece haber cogido el testigo y que está dando mucho de qué hablar.
En relación a esto, siempre ha habido mucha curiosidad por saber cuál será su próxima gran serie del género. Por suerte, The Boroughs: Jubilación rebelde ha causado un enorme impacto en tiempo récord, asegurando que esta serie tenga el potencial necesario para coronarse como la nueva apuesta de ciencia ficción más popular de Netflix. En este caso, producida también por los hermanos Duffer, la serie llega en un momento clave. Con varios proyectos muy esperados que llegarán tanto en cine como en televisión, esta propuesta marcará una tendencia que sería determinante de cara al próximo verano.
Una de las características del lanzamiento de The Boroughs: Jubilación rebelde es que la serie se estrenó casi un mes antes que la próxima película de Steven Spielberg. Ambas producciones están vinculadas a la ciencia ficción y, por si no fuese suficiente, comparten un mismo hilo conductor. En el caso de la de Netflix, se centra en unos jubilados que deben unirse para derrotar una amenaza que escapa a su comprensión.
Lo más interesante es que, mientras se enfrentan a un peligro proveniente de otro mundo, también lidian con los problemas de su época. Con Netflix ya aportando una importante serie de ciencia ficción como esta, la cinta de Steven Spielberg también ha aterrizado con el objetivo de continuar la estela de estrenos de este género.
Una de las tendencias más repetidas en el último año cinematográfico fue la idea de ver a un mismo actor interpretando dos papeles. Michael B. Jordan, Robert De Niro, Theo James y Robert Pattinson son las estrellas que tuvieron la oportunidad de vivir esta experiencia en la gran pantalla. Si bien es un recurso que provoca que los actores salgan de su zona de confort, la realidad es que es un trabajo bastante desafiante. A fin de cuentas, se ven obligados a interpretar varios personajes con personalidades bien diferenciadas.
Aunque su proyecto no sea tan conocido y, además, no se estrenase en 2025, Paul Rudd también puede presumir de estar en esta lista tras haber protagonizado la infravalorada serie de Netflix titulada Cómo vivir contigo mismo. En este caso, el actor que dio vida a Ant-Man en la franquicia de Marvel Studios asume la identidad de Miles Elliot, un redactor publicitario que se encuentra en medio de una difícil relación con su mujer Kate, ya que luchan por concebir un hijo.
Una serie de ciencia ficción que mostró una faceta diferente de Paul Rudd
En este contexto, Miles se siente especialmente herido por las críticas que lo acusan de no estar lo suficientemente presente en su matrimonio. Es después de un encuentro inusual con un compañero de trabajo que se ha creado una versión clonada de sí mismo cuando descubre que un clon podría unirse a él para afrontar sus responsabilidades compartidas.
El problema es que solo uno de ellos terminará teniendo el control total de su vida. Lo más interesante es que esta producción presentó una faceta de Paul Rudd que a muchos les pillará por sorpresa. Después de todo, se le presentó la oportunidad de presentar un papel más vulnerable para Paul Rudd, conocido principalmente por interpretar personajes anclados a la comedia.
En Cómo vivir contigo mismo, asumió el papel de un hombre que estaba atrapado en la monotonía de su vida. De hecho, pese a aspirar a ser una persona más emocionante, Miles es incapaz de arriesgarse y no está del todo seguro de qué haría si tuviera más tiempo libre. Curiosamente, el clon es el elemento que lo lleva a darse cuenta de lo mucho que se ha perdido en la vida.
Puede entenderse como el tipo de serie experimental típica del momento en que Netflix daba luz verde a proyectos conceptuales. La mayoría de estos proyectos brillaban por un enorme potencial, pero tenían una viabilidad comercial más limitada. Al mismo tiempo, no es un concepto que hubiera funcionado como largometraje, ya que la producción contiene demasiados matices en los puntos clave de la trama. La falta de renovación sugiere que Paul Rudd no vuelva a interpretar a Miles Elliot, pero eso no la hace peor.
No es algo nuevo para Baz Luhrmann, ya que se trata de un deseo que lleva treinta años queriendo rodar, la vida de Juana de Arco. Como lo ha confirmado su esposa y colaboradora, la diseñadora Catherine Martin, por fin el proyecto está en marcha. La película, producida por Warner Bros., y con el título provisional de Jehanne d'Arc (Juana de Arco), se basa en la novela Blood Red, Sister Rose (1974), de Thomas Keneally, el mismo autor que está detrás de La lista de Schindler. El guion lo firma el propio Luhrmann junto a la dramaturga Ava Pickett y el estreno está previsto para noviembre de 2028.
Todo parece indicar que el papel será para Isla Johnston, de diecinueve años, que ya pudimos ver interpretando a Beth Harmon de niña de la serie Gambito de dama (2020). Luhrmann ha preferido a Isla frente a otras opciones más consagradas como Jenna Ortega, protagonista de Miércoles (2022), que había confesado que Juana era su papel soñado. En las pruebas, Johnston tuvo que leer un fragmento de la Santa Juana, la obra de Bernard Shaw. Curiosamente viene de interpretar a una versión femenina del diablo junto a Nicolas Cage en The Carpenter's Son (2025), así que pasará de Satán a santa de forma consecutiva.
Nada sabemos todavía de qué clase de Juana veremos. Luhrmann es un director que no deja indiferente como ya nos demostró en su última película, Elvis (2022). Su Juana medieval puede ser casi cualquier cosa menos algo esperado, y ahí está buena parte de la expectación.
La novela de Keneally recorre la vida de Juana desde su infancia hasta la coronación de Carlos VII como rey de Francia. Repasará algunos momentos claves de su vida. Cuando comenzó a escuchar voces o cómo logró convencer al delfín de Francia de su misión divina para derrotar a los ingleses. El momento clave del texto es la campaña militar y el sitio de Orleans, un momento trascendental en la historia ya que fue un punto de inflexión en la guerra de los Cien Años. La novela no aborda su captura, el proceso de herejía contra ella ni su ejecución en la hoguera.
Juana de Arco en la pantalla
Si hay una figura histórica que ha atraído a los grandes del cine, esa es Juana de Arco. La Doncella de Orleans acumula una lista larguísima de versiones. El cortometraje de poco más de diez minutos que rodó Georges Méliès en 1900 fue el primero, y el salto al largometraje llegó en 1916, de la mano de Cecil B. DeMille, con la cantante de ópera Geraldine Farrar.
La primera gran Juana llegó en 1928, en los últimos momentos del cine mudo con La pasión de Juana de Arco de Carl Theodor Dreyer. Curiosamente, pese a ser considerada hoy en día como una de las obras cumbres del cine mudo, fue todo un fracaso en taquilla. Frente a la épica militar por la que se han ido casi todas las versiones, Dreyer se centro casi en exclusiva con el proceso que llevó a Juana a la hoguera y su sufrimiento. Lo filmó casi entero en primeros planos, sin maquillaje y con luz natural, y llegó a pedirle a su actriz, Maria Falconetti, que se rapara la cabeza.
A partir de ahí, la Doncella no ha dejado de volver una y otra vez a las pantallas. Ingrid Bergman la interpretó en dos ocasiones. Primero en 1948 a las órdenes de Victor Fleming, y en 1954 en un proyecto de su marido, Roberto Rossellini. Jean Seberg debutó en el papel con Santa Juana (Otto Preminger, 1957) y Florence Delay protagonizó la versión más austera de todas, El proceso de Juana de Arco (Robert Bresson, 1962). El personaje ha seguido atrayendo a directores hasta el final de siglo, cuando en 1999 coincidieron dos Juanas, la guerrera de Milla Jovovich en la película de Luc Besson y la de la miniserie televisiva de Christian Duguay. Ya en 2019, Bruno Dumont llegó a poner la armadura a una niña de doce años, Lise Leplat Prudhomme, pese a que la Juana real rondaba los diecisiete.
Cada uno encontró una Juana distinta. Y eso, más que un capricho de guionistas, tiene una explicación. De Juana de Arco se conserva muchísima documentación, como las actas de los dos procesos contra ella, el que la condenó en 1431 y el que la rehabilitó en 1456, que cuenta con decenas de testimonios. Y, aun así, no ha quedado un solo retrato hecho del natural, ni una descripción física fiable, ni certeza sobre lo que de verdad pensaba. Y es ese vacío lo que ha permitido que cada época moldee a su propia Juana. Ahora le toca el turno a Baz Luhrmann.
En el último cuarto de siglo, es evidente que se han estrenado numerosas series de televisión con una complejidad única. Sin duda, Lost es una de las más importantes, al menos en lo que respecta a la ciencia ficción. Después de todo, la serie revolucionó la industria, sobre todo porque impulsó las teorías de los seguidores que especulaban los detalles de su trama. De hecho, justo cuando el público creía haber comprendido Lost, la serie presentó su propia idea en relación con los viajes en el tiempo.
Aunque fue revolucionaria por su particular manera de presentar el concepto, este elemento no tuvo un papel tan importante como el que, a priori, parecía. Dicho esto, Lost no es la única serie complicada que encantará a los seguidores de la ciencia ficción, ya que SYFY estrenó una propuesta que tenía sus diferentes reglas vinculadas al concepto de viajar en el tiempo. Y es que consiguió elevar considerablemente la amplitud de la idea, haciendo que Lost pareciera insignificante en comparación.
La serie que desafió las reglas establecidas por 'Lost'
Basada en la película de Terry Gilliam, la serie 12 Monos se centra en el personaje de James Cole, quien viaja en el tiempo para evitar una plaga que amenaza con acabar con la vida en la Tierra. Con la ayuda de la Dra. Cassandra Railly, descubre que el virus no solo ha sido creado artificialmente, sino que también se enfrentan a una fuerza aterradora. Esta no es otra que el Ejército de los Doce Monos, cuyo objetivo es destruir el tiempo.
Lo que está claro es que estas producciones destacan por centrarse en los viajes en el tiempo, especialmente en la creación de paradojas al intentar alterar eventos pasados. En el caso de 12 monos, James Cole demuestra que el tiempo no se puede cambiar. Sin embargo, si bien ambas emplean argumentos similares en relación con los viajes en el tiempo, su funcionamiento es diferente.
Por ejemplo, los viajes en el tiempo que se ven en 12 monos se conciben como una ciencia en la que los personajes se teletransportan al pasado mediante un proceso que fragmenta la estructura molecular de sus cuerpos. Después, esos fragmentos son proyectados al pasado o al futuro. En cambio, la misteriosa isla de Lost es un elemento clave que se aprovecha para dar sentido a la idea de viajar en el tiempo. Se revela que posee enormes reservas de energía electromagnética, lo que provoca que los personajes se desplacen incontrolablemente a través del tiempo.
Aunque ambas propuestas abordan este concepto como un punto relevante en su historia, Lost y 12 monos representan ideas opuestas. Eso sí, la segunda demuestra dominar el tema al centrarse en el coste que esto implica en los personajes, en lugar de solo en los resultados. Es por eso que las cuatro temporadas exploran lo que significa vivir en un mundo en el que la realidad misma puede alterarse, mientras se lucha contra una facción que pretende eliminar el mundo por completo.
Cualquier fan mínimamente acérrimo de la serie Los Simpson recordará con cariño el capítulo ¿Quién disparo al señor Burns? donde el anciano multimillonario dueño de la central nuclear de Springfield, por puro egocentrismo y maldad, decide crear un artefacto que tapa la luz del sol a toda la población para que así deban consumir más electricidad.
Springfield se convierte en una noche eterna y sus ciudadanos se molestan muchísimo con Burns. Tanto que de repente, al darse cuenta de que había sido disparado y había quedado inconsciente en el reloj de sol al lado del ayuntamiento, a nadie le extrañó el suceso, pero tampoco sabían quién había sido.
Esta historia, dividida en dos partes, es una de los mejores de la serie con diferencia, y eso que en esta temporada hay verdaderas joyas, pero he de centrarme en el artilugio que tapa totalmente la estrella que nos da calorcito. bloquear totalmente la luz solar requeriría de un aparato de proporciones colosales, pero la realidad, que supera muchas veces la ficción, tiene como contrapartida un caso en el que se usa justamente unos espejos para hacer que la luz del sol, que a priori no llega, puede alcanzar la plaza de un pueblo.
Mientras Burns buscaba la desolación para aumentar sus ganancias, el alcalde Pierfranco Midali y el arquitecto Giacomo Bonzani buscaron devolver el alma a una plaza que quedaba desierta durante 83 días al año. Este es el peculiar caso de Viganella, un pequeño pueblo alpino italiano.
Un alma oscura que oscureció un pueblo
En la trama de Los Simpson, el señor Burns construye un dispositivo conocido como "el bloqueador solar de Burns". Se trata de un disco gigante de material opaco, sostenido por un brazo mecánico articulado de dimensiones colosales, capaz de pivotar para cubrir el disco solar desde la perspectiva del pueblo.
El objetivo de Burns era sencillo pero perverso. Si eliminas la luz natural, los ciudadanos se verían obligados a mantener las luces eléctricas encendidas las 24 horas del día, incrementando exponencialmente los beneficios de su planta nuclear. Este artefacto es, en esencia, un helióstato inverso; en lugar de seguir al sol para aprovechar su energía, lo sigue para interceptarla.
Las medidas aproximadas que requeriría un artefacto así en la vida real serían abismales, además de que para que un disco pueda tapar el sol por completo sobre una ciudad de tamaño medio como Springfield, dependería de su altitud, además de tener que ser de varios kilómetros de diámetro.
Sin embargo, en la serie, el aparato se muestra anclado a una montaña cercana, lo que sugiere una estructura de escala kilométrica similar a la de un satélite de órbita baja, pero fijado mecánicamente al suelo. Un disco de acero o material compuesto de esas dimensiones enfrentaría retos estructurales insuperables, como la presión del viento y la carga de su propio peso, requiriendo una superficie de miles de metros cuadrados, mucho más allá de las dimensiones de un espejo como el de Viganella.
La energía necesaria para mover un brazo mecánico de tal magnitud superaría probablemente cualquier ganancia obtenida por la venta de electricidad adicional, convirtiéndo en una obra de ingeniería puramente distópica y asombrosamente inútil, como la gran mayoría de ocurrencias de un ricachón loco.
Espejito, espejito
Viganella se sitúa en un valle alpino profundo y sufre un fenómeno de "encajonamiento" debido a la orografía circundante. Durante el solsticio de invierno, la trayectoria del sol en el cielo es tan baja que las montañas situadas al sur del pueblo actúan como una barrera física infranqueable. Como resultado, desde el 11 de noviembre hasta el 2 de febrero, los rayos solares directos nunca alcanzan el fondo del valle, dejando a Viganella en una penumbra constante durante 83 días. Esta falta de luz no es solo un problema estético ya que afecta la sensación térmica y el bienestar de los habitantes, dando como resultado que no aparezca ni un alma por la plaza en mucho tiempo.
Para solucionar este aislamiento lumínico, se recurrió al simple mecanismo de rebotar luz en un espejo, la ley fundamental de la reflexión. En 2006, se instaló en el Monte Scagiola, a unos 1.100 metros de altitud y a una distancia de aproximadamente 874 metros de la plaza del pueblo, un helióstato gigante. Este dispositivo consiste en un espejo plano de acero inoxidable pulido con una superficie de 40 metros cuadrados, equivalente a unas dimensiones de un rectángulo de 8×5 metros.
La elección del acero inoxidable frente al vidrio se debe a su durabilidad y resistencia ante condiciones climáticas extremas, como vientos que pueden superar los 100 km/h. El concepto teórico detrás del sistema es la motorización de doble eje (azimutal y de elevación), controlada por un software astronómico que calcula la posición exacta del sol cada segundo para que la reflexión sea eficiente y caiga justo en la plaza del pueblo.
El funcionamiento es una coreografía de precisión geométrica. El espejo se inclina de manera que el ángulo de incidencia de los rayos solares sea igual al ángulo de reflexión dirigido hacia la plaza de Viganella que, por la configuración del terreno, es de un desnivel de unos 481 metros entre el espejo y el pueblo. El helióstato se orienta hacia el sur y ligeramente hacia abajo para proyectar un haz permanente de luz.
Aunque no se trata de una iluminación idéntica a la solar directa en todo el pueblo, el haz reflejado cubre una zona de hasta 250 metros cuadrados en la plaza principal, proporcionando una luminancia que se estima en el 80% de la irradiación solar natural. Este "sol artificial" funciona unas 6 horas al día durante el invierno, aumentando la sensación térmica local y permitiendo la interacción social en espacios abiertos que, de otro modo, estarían gélidos y oscuros.
La doble cara de las tecnologías modernas es que el sistema es una pieza de ingeniería compleja que requiere mantenimiento constante. En el invierno de 2023-2024, el espejo sufrió una avería grave, probablemente causada por el impacto de un rayo, lo que inutilizó el mecanismo motorizado y devolvió al pueblo a las sombras. No fue hasta 2025-2026 cuando se asumió la reparación técnica para reactivar el dispositivo.
El proyecto de Viganella, que costó aproximadamente 100.000 €, no solo ha servido para iluminar un pequeño rincón de los Alpes, sino que ha sentado un precedente para otras localidades con problemas similares, siendo la antítesis del magnate nuclear de la serie de Los Simpsons. Mientras el señor Burns intentaba domesticar el sol para someter a un pueblo, Viganella lo domesticó para liberarlo y pudieron ver la luz al final del tunel. Bueno, al final del espejo, en su plaza.
Sin duda alguna, Backrooms es una de las propuestas más originales de terror que se han estrenado en décadas. Además, su rentabilidad en taquilla demuestra que será uno de los fenómenos de este 2026. Lo que comenzó como una serie de vídeos inquietantes en internet se ha convertido en un verdadero éxito para A24. Eso sí, quizás no sabías que se inspira en un thriller psicológico que fue protagonizado por Robin Williams.
Con tan solo 20 años, Kane Parsons, el nombre del director que está detrás del proyecto, se ha confirmado como una voz fresca en el terror. Este es un logro que realmente pocas veces se ha visto. En cuanto a Backrooms, esta escalofriante cinta trata sobre misteriosos espacios vacíos y los secretos que estos pueden llegar a ocultar. Lo más destacable es que conserva las mismas imágenes inquietantes que hicieron que millones de personas vuelvan a adentrarse en los vídeos originales.
Kane Parsons da a conocer una de las influencias detrás de 'Backrooms'
A pesar de su innegable originalidad, Kane Parsons nunca ha evitado hablar de los medios que inspiraron su película. Desde videojuegos hasta películas poco conocidas, la realidad es que se inspiró en múltiples fuentes para hacer posible este largometraje. En este sentido, recordar cuáles fueron es una interesante manera de descubrir esas producciones que fueron claves en el estilo tan singular de Backrooms.
En una entrevista reciente, Kane Parsons mencionó una película en concreto. Si bien el thriller infravalorado al que se refería tiene una historia completamente diferente, ciertos elementos visuales y temas se repiten en Backrooms de un modo similar. Explicó que Retratos de una obsesión fue muy influyente en su reciente trabajo. En esta película de 2002, Robin Williams interpreta a un solitario revelador de fotos que desarrolla un vínculo enfermizo con una familia.
"Es la que más tuvimos en cuenta como referencia… sobre todo en lo que respecta a la cinematografía y el sonido", sugirió Kane Parsons al respecto. Después de todo, ambas historias presentan entornos que pretenden simbolizar la agitación interna de los personajes. Además, ambas se estrenaron durante momentos de enormes cambios que reflejaron la ansiedad de los tiempos más convulsos.
Teniendo esto en cuenta, Backrooms se asemeja mucho a este filme, sobre todo porque adapta la mayor parte de sus ideas al concepto de las redes sociales. Aunque el largometraje de 2002 tuvo bastante éxito en taquilla y recibió críticas mayormente positivas, el thriller ha caído en el olvido. Es evidente que la novedad de ver a Robin Williams en un papel dramático atrajo al público, pero el fenómeno se desvaneció con rapidez. No solo debería recordarse como una inspiración, sino también como una historia que se adelantó a su tiempo.
¿Cómo es posible que la tapa todavía no haya sido declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO? Ok, impulsar ese reconocimiento está en la agenda del Plan Internacional de la Gastronomía Española, pero a la espera de la –lenta– burocracia de ese organismo basta con pisar la calle cualquier fin de semana para comprobar que el título está más que convalidado.
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