El año pasado Lilo y Stitch sorprendió a propios y extraños con una recaudación apabullante en cines, que sobrepasó por completo la recaudación del film animado del que ejercía de remake.

Quizá porque la versión original se había ido convirtiendo en un clásico generacional de Disney tras su paso por cines allá por 2002, 24 años después resultaba que había una enorme cantidad de público dispuesto a experimentar la misma historia con CGI hiperrealista (cosas más raras se han visto), y el film ganó 1038 millones de dólares.

Así que había que aprovechar el éxito de alguna forma y Disney siguió la estrategia de Mufasa con respecto al remake de El rey león: ampliar la historia en el live action de una forma que no habíamos visto con respecto a la animación. La Casa del Ratón empezó a desarrollar de esta forma una secuela, en la que cabía suponer que volverían los artífices originales.

Dan Fleischer Camp, tras haber sido nominado al Oscar a Mejor película de animación por Marcel, la concha con zapatos, debía tener grandes opciones de quedarse en la franquicia tras firmar asimismo el remake de Lilo y Stitch y obtener tal taquillazo.

No va a ser así. Según Hollywood Reporter, Lilo y Stitch 2 tendrá como director nada menos que a Chris Sanders. Se trata de un nombre imprescindible de la animación porque, claro, es el director y guionista de la Lilo y Stitch original (también puso voz al alienígena Stitch), pero es que ha hecho más desde entonces.

A su salto a DreamWorks junto a Dean DeBlois (coguionista de Lilo y Stitch), Sanders inauguró la saga Cómo entrenar a tu dragón y en 2024 firmó en solitario la aclamadísima Robot salvaje, de la que ahora mismo prepara una secuela con el título provisional de The Wild Robot Escapes.

En el seno de DreamWorks se ha dado asimismo un movimiento similar a Disney, con el lanzamiento del remake de Cómo entrenar a tu dragón (que dirigió el mencionado DeBlois) y el plan de adaptar en acción real las secuelas restantes. Sanders ha preferido no involucrarse en este proyecto pero no le ha visto pegas a reincorporarse en Lilo y Stitch, una vez ya volviera a poner voz de todas maneras al personaje titular en el remake.

Así que Sanders, en cierto sentido, vuelve a casa, y no sería la primera vez que trabaja con acción real. Allá por 2020 dirigió La llamada de lo salvaje, adaptación de Jack London que involucraba a Harrison Ford rodeado de animales diseñados por CGI. Un buen entrenamiento, seguramente, de cara a Lilo y Stitch 2. A la cual Disney todavía no le ha puesto fecha de estreno, pero en principio empezaría a rodarse a finales de año.

El cine de autor internacional cuenta ahora mismo en España con dos brazos decisivos entre Filmin y Elastica Films. Una es una plataforma de streaming ceñida a propuestas clásicas e independientes seleccionadas, y otra una distribuidora y productora que no ha dejado de acaparar prestigio en años recientes. Y ambas, en un movimiento histórico para la industria, acaban de asociarse según cuenta El País: Filmin ha comprado el 100% de la parte de distribución de Elastica, de forma que no solo se dedicará al streaming a partir de ahora.

Filmin ya había distribuido películas en salas antes, en régimen de co-distribución donde, de vez en cuando, participaba la propia Elastica. Así que no es un movimiento que venga de la nada, y los responsables de ambas empresas han presumido de su afinidad y una visión común con respecto al cine, que pese al negocio de Filmin privilegia la experiencia en salas y se distancia, sin ir más lejos, de lo que sucede con Netflix en EEUU (y su reiterado rechazo a apostar por la exhibición tradicional).

Así que la compañía que lideran Enrique Costa y María Zamora (llegados ambos de Avalon) se han aliado con el servicio de suscripción que preside Juan Carlos Tous. Para ello Elastica se ha dividido en dos: la parte de distribución en la que entrará Filmin, y la parte de producción que se mantiene independiente. “Aunque sus películas se lanzarán, como hasta ahora, por la distribución de Elastica”, apuntan.

Costa entraría asimismo a formar parte del comité de dirección de Filmin, mientras las empresas mantienen su autonomía.

“Se trata de un proyecto que suma, que integra internet y salas de cine, porque pensamos que son partes complementarias de una misma realidad. Además, este acuerdo apuesta, y esto es muy importante, por las ventanas de exhibición en salas”, aseguran Tous y Costa, sin desvelar cifras específicas en el acuerdo. Elastica, fundada en 2021, distribuyó su primera película en junto a Filmin en 2022: fue el musical Annette, de Leos Carax, y es una de sus canciones (So May We Start) la que acompaña un vídeo en redes sociales festejando el acuerdo.

“Es un proyecto pionero en España y diría que en Europa: nunca antes una plataforma de streaming y una distribuidora habían unido fuerzas de dos empresas que se complementan”, asegura Tous. “Nuestros objetivos son que el cine de calidad llegue al mayor público posible, y que los suscriptores de Filmin puedan así disfrutar de más títulos de calidad al integrar internet y salas de cine, mundos no excluyentes, y queremos aclarar que respetaremos las ventanas de exhibición en salas”.

“Somos compañías complementarias y compartimos la idea de que el cine nos hace mejores como personas y como sociedad”, coinciden ambas entidades. “Este es un paso natural que reconoce la sintonía que ambas compañías tenemos en la manera de entender cuál es la mejor forma de hacer llegar el cine de calidad a los espectadores”.

Un catálogo imprescindible

En los últimos años, Filmin y Elastica han compartido la distribución de películas tan aclamadas (y premiadas) como Drive my car, La sustancia o Anatomía de una caída. Elastica, por su parte, ha ido ganando peso como actor industrial, distribuyendo grandes producciones internacionales como Backrooms (que ahora mismo está arrasando en taquilla) junto al lanzamiento de Kill Bill: The Whole Bloody Affair.

Y esto en tanto a distribuidora. Como productora, Elastica puede presumir de haber impulsado Salve María o los últimos trabajos de Carla Simón. Así como Corredora y Yo no moriré de amor, vistas en el último Festival de Málaga (donde Yo no moriré de amor se alzó con la Biznaga de Oro). El acuerdo con Filmin puede garantizar que estos dos títulos se incorporen a su catálogo próximamente, si bien Elastica mantiene su carácter de productora independiente y se puede asociar con otros entes.

Por ejemplo Movistar Plus+, con la que la empresa de Costa y Zamora ha desarrollado La bola negra. El film de los Javis, ganador del premio a Mejor dirección en el último Festival de Cannes, llegaría a cines el 25 de septiembre para finalmente pasar a formar parte del catálogo en streaming de Movistar Plus+.

Steven Spielberg está en plena promoción de su última película, El Día de la Revelación. En ella trata uno de los temas favoritos del cineasta de Ohio: la vida extraterrestre.

Sobre uno de sus más famosos filmes de esta temática, E. T. el extraterrestre, Spielberg ha resuelto esta semana una duda que atormentaba a muchos fans de la película desde hace 44 años.

En una entrevista en el pódcast Happy Sad Confused, Spielberg es preguntado si en el universo de la película, el entrañable alienígena y su amigo humano, Elliott, se vuelven a reunir.

"No, nunca se volvieron a ver, pero sí soñó con él, así que existía una conexión psíquica entre ambos", explica en la entrevista el veterano director, de 79 años de edad.

El director, se llevó un dedo a la frente y les recordó a los espectadores: "Si os fijáis, E. T. se tocó justo aquí y dijo: 'Estaré aquí mismo'". De este modo, E. T. forjó una conexión entre su mente y la del niño, una conexión que, según Spielberg, pudo durar "el resto de la vida de Elliott".

Emily Blunt y Josh O'Connor protagonizan la película nueva película de Spielberg, y encarnan, respectivamente, a una meteoróloga y a un informante que exponen el encubrimiento por parte del gobierno estadounidense de su contacto con extraterrestres.

Es un gran fin de semana porque Steven Spielberg ha vuelto. Su nueva película se titula El día de la revelación y además es un regreso a uno de sus temas fetiche, como es el contacto con los alienígenas. Una preocupación que Spielberg lleva arrastrando desde los inicios de su carrera y que hoy deviene una exhortación a la fe pura y dura, vaya dirigida hacia donde vaya dirigida. También nos valdría el cine.

Los Fabelman (Netflix)

Al fin y al cabo es lo que más inspirador resulta de la carrera de Spielberg: el sentido de la maravilla que marcan todas sus obras, la capacidad del cine para hacernos soñar, y justo fue un tema clave de su film inmediatamente previo. Los Fabelman también pasa por ser su película más personal, al inspirarse en su propia vida y en cómo descubrió que el Séptimo Arte podía iluminar su existencia.

The Smashing Machine (HBO Max)

El día de la revelación cuenta con Emily Blunt como protagonista, en un papel especialmente jugoso que la vuelve a confirmar como una de las actrices más sólidas de la actualidad. No hace mucho tuvimos otra prueba desde un lugar más secundario, dándole la réplica a Dwayne Johnson como esposa de un luchador atormentado en The Smashing Machine.

Puñales por la espalda: De entre los muertos (Netflix)

Tampoco hay que olvidarse que en el film de Spielberg Blunt viene acompañada de Josh O'Connor, y que la carrera de este actor se halla en su mejor momento. A pruebas como Rivales o The Mastermind nos remitimos, y por supuesto ahí tenemos en Netflix una entrega de Puñales por la espalda donde superó el protagonismo de Daniel Craig.

E.T. El extraterrestre (Amazon Prime Video)

Volviendo a la filmografía de Spielberg, quizá tenga su gracia comparar El día de la revelación (que en esencia es un thriller sombrío) con la energía infantil y entrañable de uno de los grandes hitos de su carrera: E.T. El extraterrestre. Exacto, una película que nunca vas a cansarte de revisar.

La asistencia a las salas de cine entre enero y mayo ha experimentado un aumento en España del 36% con respecto a 2025. Gran noticia para un negocio que no ha vuelto a ser lo que era desde la época pandémica, que de pronto se ha visto realzada por la última Fiesta del Cine. La Federación de Cines de España normalmente realiza dos ediciones anuales: una en otoño y otra en primavera, así acaba de llegar a su fin la más reciente.

Los días 8, 9, 10 y 11 de junio las entradas de cine costaron más baratas: 3.50 euros la sesión en 330 salas a lo largo del país. Esta edición parecía prometedora por la cartelera, y en efecto hablamos de un completo éxito: la asistencia de espectadores en la Fiesta del Cine ha tenido su mejor dato en tiempo primaveral desde 2019. Es decir, desde antes del estallido de la pandemia, y la nueva edición ha aumentado un 4.3% con respecto a la de junio de 2025. Que, en sí misma, ya había sido muy satisfactoria.

Hablamos de 1.352.668 espectadores: una rotunda mejora desde que la edición anterior, la de noviembre, se saldara con unos decepcionantes 861.000 espectadores. Entonces al menos tuvimos el premio de consolación de que el top 3 de las películas más vistas era íntegramente de procedencia española (Los domingos, La cena y Los Tigres), en respuesta a lo que parecía ser una oferta muy débil de Hollywood.

No es lo que ha pasado esta semana, con Backrooms de Kane Parsons liderando el top. Le sigue Scary Movie, una Michael que sigue sin perder fuelle en la taquilla, El drama y He-Man y los Masters del Universo, justamente estrenada la semana anterior junto a Backrooms y Scary Movie. Las distribuidoras se habían movilizado para que la cartelera internacional fuera apetecible, y el resultado ha sido excelente.

En esta tesitura, por lo demás, el cine español tampoco ha perdido fuelle. El drama romántico Todo lo que nunca fuimos se ha quedado en la sexta posición, mientras que La luz está en el puesto 9 y Cada día nace un listo cierra el podio desde el top 10.

Para llevar más de 3.000 años muerto, Odiseo está viviendo un 2026 inesperadamente ajetreado. El próximo 17 de julio se estrena La Odisea de Christopher Nolan, primera película de la historia rodada íntegramente en IMAX. Pero al celebrado director británico ya le ha salido competencia en la adaptación del poema homérico. Aunque, eso sí, no podría ser más diferente. Nacido de un fenómeno de TikTok, el musical Epic promete entregar la cara B perfecta para la resaca que dejará el fenómeno Nolan.

El proyecto aún está en desarrollo, pero, según ha adelantado la revista The Hollywood Reporter, contará con el respaldo del mítico productor estadounidense Jerry Bruckheimer, responsable de taquillazos de la talla de Piratas del Caribe o Top Gun. Epic no será el primer musical que produzca, en su currículum cuenta con cintas como Flashdance, pero sí será la primera vez que se atreva con la animación. Pero, ¿por qué ha decidido Bruckheimer lanzarse ahora a esta aventura?

La razón de este salto tiene nombre propio: Jorge Rivera-Herrans. El compositor puertorriqueño empezó con esta adaptación musical de La Odisea para su tesis en la Universidad de Notre Dame en Indiana. En la pandemia, empezó a subir fragmentos de los temas que preparaba y de su proceso creativo a TikTok hasta que en 2021 empezaron a acumular millones de visitas. Después, se decidió a autoproducir y lanzar las distintas sagas en las que divide el poema homérico en forma de EP y el clamor fue aún mayor.

'La Odisea' de Jorge Rivera-Herrans

A medida que la bola se hacía más grande, empezó a implicar a los fans en el proceso de audición de las distintas voces de la obra e incluso en el apartado gráfico, que ilustraba las canciones con todo tipo de estilos. Los discos consiguieron millones de escuchas en las plataformas digitales y finalmente Rivera-Herrans acabó fichando por la discográfica Atlantic Music Group de la mano de Kevin Weaver, director del sello y compositor de bandas sonoras como Barbie o El gran showman.

Con ellos, pudo publicar los discos en vinilo y de allí el salto al cine era ya inminente. La conexión entre Kevin Weaver y Jerry Bruckheimer viene de su colaboración en la película F1 del año pasado que, de hecho, consiguió la nominación al Oscar a mejor banda sonora. De Epic, en sí, aún se desconocen los detalles del reparto, el compositor o el estudio de animación encargado, pero la historia está ya reflejada en los discos que su creador lleva años publicando.

Hace unos meses, el movimiento de Bruckheimer de apostar por talento joven surgido de las redes sociales podría parecer del todo anómalo. Pero estas últimas semanas las cintas de terror Backrooms y Obsession, ambas dirigidas por veinteañeros que empezaron en YouTube, se han convertido en las grandes sorpresas del año en la taquilla. Hollywood busca sangre nueva y parece que ya sabe dónde encontrarla.

Los fans de Toy story ya tienen plan para este sábado 13 de junio. RTVE ha confirmado una maratón muy especial con las cuatro películas de la mítica saga de Pixar, una cita que reunirá durante casi ocho horas a Woody, Buzz Lightyear y el resto de juguetes más queridos del cine de animación. La emisión llega, además, en plena cuenta atrás para el estreno en salas de Toy story 5, previsto para el 19 de junio.

La jornada podrá seguirse tanto en La 1 como en RTVE Play por tiempo limitado, convirtiéndose en una oportunidad perfecta para revisitar una franquicia que marcó a varias generaciones. Más de 30 años después del estreno de la primera entrega, el universo creado por Pixar sigue siendo una referencia del cine familiar gracias a su mezcla de humor, aventura y emoción. Una maratón para revivir la saga junto a los más pequeños.

El recorrido comenzará con Toy story, la película que revolucionó la animación en 1995 al convertirse en el primer largometraje realizado completamente por ordenador. La historia de los juguetes de Andy y la rivalidad inicial entre Woody y Buzz cambió para siempre la industria y abrió el camino a una nueva era dentro de Hollywood.

El inicio de una saga

Después llegará Toy story 2, una secuela que amplió el universo de Woody con la aparición de Jessie y Perdigón, seguida por Toy story 3, considerada por muchos la mejor entrega de la franquicia. Su emotiva despedida de Andy continúa siendo una de las escenas más recordadas del cine de animación reciente y elevó la saga a un nivel emocional todavía mayor.

La maratón culminará en prime time con Toy story 4, película que introdujo a Forky, uno de los personajes más peculiares de la saga. Creado a partir de materiales desechables, su crisis existencial aportó una nueva capa emocional a la franquicia y volvió a demostrar la capacidad de Pixar para abordar temas complejos desde una mirada accesible para todos los públicos.

¿Cuándo ver la maratón de Toy Story en RTVE?

• 'Toy story' (1995) — Director: John Lasseter — 15:50 horas
• 'Toy story 2' (1999) — Directores: John Lasseter, Ash Brannon y Lee Unkrich— 17:15 horas
• 'Toy story 3' (2010) — Director: Lee Unkrich — 18:45 horas
• 'Toy story 4' (2019) — Director: Josh Cooley — 22:00 horas

Más allá de la nostalgia, esta maratón de Toy story hoy sábado recuerda por qué la saga sigue conectando con espectadores de todas las edades: habla de amistad, del paso del tiempo y de lo difícil que resulta dejar atrás la infancia. Este sábado, RTVE propone volver a mirar el mundo con ojos de niño y, una vez más, viajar "hasta el infinito y más allá".

Un hombre herido vaga por un territorio hostil: las secuelas de su lesión le impiden formar nuevos recuerdos, con lo que su supervivencia depende de los mensajes que escribe para sí mismo, confiando en poder interpretarlos cuando su memoria se desvanezca. En torno a él se mueven personajes que le mienten, le manipulan y, en raras ocasiones, le ayudan. Algo muy arriesgado, porque se trata de una persona más peligrosa de lo que todos piensan, incluyendo él mismo.

Si te gusta el cine de Christopher Nolan, es probable que el párrafo anterior te haya sonado mucho. Pero aquí nada es lo que parece, y esa sinopsis menos aún: en realidad te hemos contado el argumento de Soldado de la niebla, una novela publicada en 1986 por el escritor Gene Wolfe que se reeditará próximamente en castellano... y que, para colmo, está ambientada en la Grecia clásica: ¿hablamos del eslabón perdido entre 'Memento' y 'La Odisea'?

¿Qué tienen en común Nolan y Gene Wolfe?

Ante una comparación como esta, ponerse al acecho en espera de que asome la palabra "plagio" es demasiado tentador. Ahora bien: garantizamos que eso no va a ocurrir aquí, porque las diferencias entre Memento, La Odisea y Soldado de la niebla son demasiado grandes... Al menos su mayoría: Gene Wolfe y Christopher Nolan coinciden en varias de sus grandes obsesiones, especialmente a lo que se refiere a la memoria, la identidad y el paso del tiempo.

Como el director inglés no necesita presentación, echemos unas líneas hablando del libro y de su autor. Un autor que, cuando Soldado de la niebla llegó a las librerías (y ganó el premio Locus a la mejor novela fantástica) no era ningún novato: Wolfe (1931-2019) ya había publicado entonces títulos magistrales como La quinta cabeza de Cerbero y, sobre todo, El libro del Sol Nuevo, aclamada como una de las mejores obras literarias del siglo XX por críticos de todo pelaje.

Aquellas novelas, sin embargo, se encuadraban en la ciencia ficción, mientras que Soldado de la niebla es fantasía inspirada en los mitos clásicos y tamizada por otra de las aficiones que Wolfe comparte con Christopher Nolan: convertir sus obras en laberintos. Unos laberintos cuya ruta de escape, tanto para los personajes como para el lector o espectador, requiere vista de lince y una cultura por encima de la media.

En el caso de Latro, el mercenario imaginado por Gene Wolfe, dicho laberinto es la Grecia del siglo V antes de Cristo, cuando la guerra contra los persas da sus últimos coletazos. Además de por su amnesia, el testimonio del protagonista resulta poco fiable debido a su poco conocimiento del idioma: las personas y los lugares aparecen en este relato con nombres que requieren de alguna deducción... o de cierta familiaridad con el griego clásico.

Olvido, terror y dioses crueles

Menos mal que el autor de la novela da algunas pistas para resolver estos acertijos. Por ejemplo, parte de la historia se vuelve más inteligible tras leer en el prólogo que "sparton" quiere decir "cuerda" en el idioma de Sócrates. El verdadero meollo del libro, sin embargo, es de índole sobrenatural, porque a los pocos párrafos descubrimos que la herida de Latro no solo le ha provocado amnesia: también le ha otorgado la habilidad de comunicarse con los dioses.

Sin embargo, tal y como aparecen en Soldado de la niebla, los habitantes del Olimpo tienen muy poco que ver con los de Furia de titanes. Mencionadas a base de eufemismos y epítetos, como corresponde al lugar y la época, las deidades que nos muestra Wolfe en su novela son tan crueles, inescrutables y caprichosas como las de la 'Odisea' de Homero. O puede que incluso más.

Con un ojo en los textos antiguos y otro en su historia profunda (esa que habla de conflictos culturales, ritos mistéricos y sacrificios de sangre), Soldado de la niebla nos muestra a Deméter, Apolo y otros habitantes del Olimpo como potencias que siguen sus propias agendas y con quienes los mortales no negocian: solo suplican. Una impresión mucho más cercana a la de un habitante de la Grecia antigua que a la de quienes solo las hemos conocido a través de los manuales de mitología.

Rodeado por potencias que escapan a su control, enfrentado a costumbres que no entiende y condenado a vivir en un presente eterno, Latro atraviesa una experiencia entre el relato de aventuras, la ficción histórica y el terror. La cual sirve, además, para recordarle al lector aquello de que el pasado es un país extranjero: allí las cosas se hacen de formas muy diferentes.

La odisea de un escritor imprescindible

¿Leyó Christopher Nolan Soldado de la niebla cuando era un adolescente, hace 40 años? ¿Decidió, tras empaparse de sus ideas, que aquella premisa daba para un noir posmoderno? Imposible saberlo, pero sí podemos considerarlo verosímil: tan aficionado a la mitología clásica como a la ciencia ficción, el cineasta era un buen candidato para interesarse por un libro como aquel cuando tenía 17 años.

Asimismo, es de esperar que el estreno de La Odisea ayude al sello Zona Abisal a vender unos cuantos ejemplares más de Soldado de la niebla cuando su nueva traducción llegue a las tiendas en otoño, facilitando la publicación de sus secuelas Soldado de Areté y Soldado de Sidón. Y si esto ayuda a que el resto de la obra de Wolfe (vergonzosamente ausente de nuestras librerías desde hace demasiados años) reaparezca en España, pues tampoco nos vamos a quejar.

Con sus paradojas temporales, sus narradores poco fiables y su mirada pesimista a la humanidad, la conexión entre Christopher Nolan y Gene Wolfe va mucho más allá de lo que hemos expuesto en este artículo. Y, aunque el director inglés nunca ha hablado de ella abiertamente, esto ha provocado muchos debates en internet desde comienzos de este siglo. ¿Servirá el estreno de La Odisea para ponerla aún más de relieve? Haría falta una sibila para saberlo... pero todo es posible.

Bad Bunny ha llegado a España y piensa quedarse un tiempo. Tanto, al menos, como dure su gira de conciertos, con fechas hasta el 15 de junio. El cantante puertorriqueño ha hecho de su casita el estadio Riyadh Air Metropolitano, donde ha encadenado 10 actuaciones, varias de ellas en días consecutivos.

Donde también busca asentarse Bad Bunny es en Hollywood: ya ha hecho algún que otro cameo, pero la película con la que lo pretende apostar todo se titula Porto Rico. La dirige otro músico, Residente, y en ella actúan Javier Bardem, Edward Norton y Viggo Mortensen. Con todo, el papel principal recae sobre Bad Bunny.

Sin fecha pero esperada para 2027, Porto Rico parece inscribirse en el género del western y Residente, para su guion, se ha hecho acompañar de Alexander Dinelaris. Este también se ha implicado en Digger, el primer papel de Tom Cruise en muchos años fuera del mundo de la acción, o en Birdman. Y, además de western, Porto Rico cuenta la historia real de El Águila Blanca, a quien encarnará presumiblemente Bad Bunny.

¿Quién fue El Águila Blanca?

Cuando Puerto Rico aún era una provincia española, nació en ella un niño que respondía al nombre de José Maldonado. Proveniente de una familia humilde, su conciencia de clase creció más rápido que él: a los 11 años, ya consciente del maltrato de los campesinos a manos de terratenientes, fue encarcelado. Y, entonces, en esa celda, El Águila Blanca comenzó a desplegar sus alas.

Durante los años siguientes, volvería a la prisión por delitos que iban in crescendo: del robo al asalto, y cada vez hacia botines mayores. Los periódicos daban a conocer su nombre y rostro y el pueblo puertorriqueño enemigo de la corona española comenzó a convertirlo en su emblema: el campesino humilde que tenía en jaque a las autoridades y al que rara vez daban caza.

Maldonado dejó su etapa criminal por una de mayores ambiciones: la de librar a su pueblo de la presencia española. Unido a unos revolucionarios, protagonizó un acto icónico: el de desplegar, por primera vez en su historia en suelo isleño, la bandera de Puerto Rico. Animados por su transgresión, los revolucionarios intentaron tomar los cuarteles generales de la guardia civil española, pero fracasaron: unos cayeron en el frente y otros fueron detenidos. El Águila Blanca simplemente voló.

El revolucionario vivió aventuras dignas de un Robin Hood mientras trataba de eludir las autoridades (no te las vamos a contar todas para no destriparte la película de Bad Bunny). Con el tiempo, se exilió en Nueva York y allí conoció a unos revolucionarios cubanos decididos a liberar su isla, y también se unió a ellos para combatir a los españoles.

La gran decepción de El Águila Blanca

Herido pero feliz de retomar las armas, Maldonado volvió a Puerto Rico, aunque fue aconsejado por un periodista alemán (en realidad, espía estadounidense) de que tranquilizara a sus insurgentes y no hiciera nada. Pronto, vendrían los americanos para derrocar a los españoles y otorgarle a la isla su independencia. Independencia que no se produjo cuando Puerto Rico, expoliada de ibéricos, pasó a ser territorio estadounidense, lo que desoló a El Águila Blanca, que se supo engañado.

Debido a que las condiciones de acoso de los terratenientes sobre los obreros no habían cambiado, Maldonado reanudó su lucha contra las autoridades, con la única variación de que, ahora, estas hablaban inglés. Cuando se vio contra las cuerdas, escribió una carta a un medio puertorriqueño en el que justificaba sus actos al tiempo que pedía que se lo exonerase. Y el apoyo fue tan multitudinario que así ocurrió.

No obstante, el águila siguió cazando y, un día, el fuego lo alcanzó. En un tiroteo con los estadounidenses, Maldonado fue herido y quedó ciego de un ojo. Algo menos ciega fue la justicia americana que, temerosa de que poner a semejante símbolo puertorriqueño ante un paredón o en una celda se le volviera en contra, lo declaró inocente de nuevo. Y Maldonado vivió el resto de su vida siendo uno más: de héroe revolucionario, acabó de funcionario y murió de cáncer de garganta en 1923.

Millones de usuarios de Internet asistieron al tráiler de El día de la revelación parafraseando a la niña de Poltergeist: “Ya está aquí”. Desde Los Fabelman, Steven Spielberg no había vuelto a ponerse tras la cámara. Y, dado su monumental estado de forma cinematográfico (recordemos West Side Story), se le ha echado de manos. El día de la revelación supone su retorno, que se producirá de facto el 12 de junio, cuando llegue a las carteleras de España.

Además de como regreso a la butaca de director, El día de la revelación contiene una segunda vuelta: la del Spielberg dedicado a la ciencia ficción, terreno en el que ha filmado títulos inolvidables que ni merece la pena mencionar. Entre otras cosas, porque hablaremos de ellos al hacerlo de Cielos nocturnos, la película de Steven Spielberg que Steven Spielberg nunca hizo.

¿Qué era 'Cielos nocturnos'?

En Encuentros en la tercera fase, Richard Dreyfuss interpreta a un padre obsesionado con los extraterrestres. Y, por extraño que parezca, tiene un estrato autobiográfico: Spielberg ha contado que, de pequeño, recuerda ser despertado en plena noche por su padre. La familia en tropel salió al jardín para contemplar un cielo nocturno indistinguible al del día anterior. El padre se justificó: creía haber visto un OVNI, pero habían llegado demasiado tarde.

Cielos nocturnos fue pensado como proyecto por Spielberg a finales de los 70, con el éxito de Tiburón y Encuentros en la tercera fase muy frescos. Debido a su contrato con la Universal, su papel en la película sería el de productor, amén de proporcionar una historia (el guion lo desarrollaría John Sayles, que venía de escribir una comedia que caricaturizaba Tiburón titulada Piraña) y orientar a su director. Este sería Tobe Hooper, cuyo trabajo venía siguiendo Spielberg prácticamente desde su debut.

Aunque el guionista elegido, John Sayles, confesó que la inspiración primordial de Cielos nocturnos, según Steven Spielberg, había de ser Corazones indomables, el western de su admirado John Ford, la historia tenía una base “real”. O toda la realidad que uno quiera concederle al caso Kelly–Hopkinsville, ocurrido en 1955, en el que una familia de Kentucky se quejó de haber sido atormentada por extraterrestres. Un ufólogo amigo de Spielberg le contó cada detalle al director, que vio en aquella historia un filón que rimaba convenientemente con Encuentros en la tercera fase. Sin embargo, en este caso, Spielberg quería rodar una película de terror.

A mediados de los ochenta, Spielberg no solo tenía un borrador del guion de Cielos nocturnos, sino también al diseñador de efectos especiales, el legendario Rick Baker, el hombre tras la transformación licántropa más espectacular de todos los tiempos en Un hombre lobo americano en Londres. El propio Baker había invertido decenas de miles de dólares en construir un prototipo de extraterrestre malicioso que a Spielberg le había encantado. Y, entonces, Spielberg se puso a filmar la primera entrega de Indiana Jones y se olvidó del asunto.

El legado de 'Cielos nocturnos'

Al volver del rodaje, Rick Baker le recordó su proyecto conjunto y Spielberg enarcó una ceja: ya no estaba interesado. Prefería reorientar el guion del terror al cine familiar con una historia muy distinta, y el extraterrestre de Baker ya no valía. Su constructor terminó de estallar cuando Spielberg le insinuó que nunca le había pedido que se gastase un dólar y que, por tanto, no iba a dárselos él y su relación se rompió para siempre.

No obstante, si hay un legado de Cielos nocturnos no solamente está en ET, sino en Poltergeist, con otra familia atormentada por fenómenos paranormales, producida por Spielberg y con Tobe Hooper como director, la conformación original que el director de Tiburón había confeccionado para su nonata Cielos nocturnos.

Crees que has visto algo que, en realidad, nunca te mostraron. Ocurre a menudo, y más en el cine: por ejemplo, en Reservoir Dogs, la cámara nunca muestra cómo Michael Madsen le rebana la oreja a un policía. Se aparta justo antes. Pero hasta David Foster Wallace se dejó engañar cuando opinó que Quentin Tarantino estaba interesado en cortar una oreja, mientras que a Lynch le interesaba la oreja.

Una frase ingeniosa que une Terciopelo azul y Reservoir Dogs, que suena bien, pero que, en el fondo, erra. Y lo hace porque tanto el violento Señor Rubio como Tarantino se la arreglaron para que creyeses ver una oreja fileteada. Por eso, cuando Michael Madsen, años después, le pidió a Tarantino que confiase en él en Kill Bill II, asistimos a un pulso difícil. ¿Cómo decirle que no a un actor que nunca te ha vendido? Y todo por un sombrero.

El sombrero de Michael Madsen

La historia del cine está llena de sombreros icónicos, comenzando por el Stenson que John Wayne llevó desde La diligencia (la película que lo convirtió en una estrella) hasta Valor de ley (la que le dio un Oscar 30 años después). En una escala menor, está el sombrero texano de Michael Madsen en Kill Bill II.

Madsen lo porta en un momento decisivo: cuando le confiesa a Bill que La novia se merece su venganza. Es decir, Kill Bill. Y lo convierte en parte de la esencia de su personaje, de un carácter netamente tarantiniano que lo hace fluir desde el villano sin escrúpulos hasta el antihéroe de manera natural y espontánea. El problema es que a Tarantino el sombrero no le gustaba nada. No encajaba con el personaje.

Es notoria la anécdota sobre el personaje de la taxista que recoge a Bruce Willis en Pulp Fiction tras abandonar este el cuadrilátero, en el que ha matado a su rival. Aunque el personaje tiene cuatro frases contadas, Tarantino escribió cincuenta folios sobre ella para darle un contexto. Imaginemos ahora las que redactaría sobre el personaje de Madsen, y en ninguna salía el sombrero.

Tarantino le exigió que se lo quitase cuando Madsen llegó al set con él, pero él se mantuvo en sus trece. Creía que allí había algo. El duelo comenzó a suavizarse cuando, por algún motivo, Tarantino empezó a atisbar ese “algo” que provenía del sombrero. “Le debo la mitad de mi actuación”, comentó Madsen en una ocasión acerca del sombrero. Gracias a él, Tarantino rodó su primer western.

“De cada película que hago me siento, en realidad, un poco más orgulloso que de la anterior, y sin embargo es como si los beneficios fueran decrecientes en lo que respecta a su acogida”.

Esto es algo que acaba de decir Ari Aster en una proyección de Hereditary, a la sazón fue el primer film que dirigió. Fue en 2018 y pocos niegan que sea un clásico del cine de terror (también uno de los grandes hitos comerciales de A24, estudio indie ya totalmente consolidado), a la vez que es un film con el que Aster ha de mostrarse ambivalente. Porque nada de lo que ha hecho después ha sido tan elogiado.

Es decir, Midsommar también gustó bastante. Pero poco después el director hizo un viraje hacia la comedia negra (sin dejar de lado del todo el escalofrío) que se tradujo en dos producciones gigantescas de A24 que dividieron bastante al público: Beau tiene miedo y Eddington.

Ahora mismo Aster se encuentra trabajando en su siguiente film, un nuevo proyecto con A24 que se titula Scapegoat y protagonizaría Scarlett Johansson. La idea es rodarlo el próximo noviembre, así que Aster ha tenido tiempo de presentar una proyección de su debut en el cine Metrograph de Nueva York.

Ahí ha reflexionado sobre el legado de Hereditary, y también ha lanzado una revelación muy jugosa. “Escribí una precuela de esto. Nunca parece ser el momento adecuado para hacerla. Es una precuela, no una secuela, así que a saber adónde va a parar esto”. Parece que Aster ha escrito una precuela de Hereditary: un film ambientado en su mismo universo que, sin embargo, todavía no ha logrado concretar de cara a rodarlo.

Esta revelación se alinea con otra cosa que dijo hace poco, y era que para suceder a Scapegoat tenía tres opciones: una película de terror, una secuela espiritual de la susodicha Eddington y una historia de ciencia ficción. Parece entonces que la precuela de Hereditary sería esa “película de terror”, pero habrá que ver cuál es el rendimiento de Scapegoat antes de que Aster pueda recibir luz verde.

En la charla, por cierto, también hubo tiempo de hablar del estado del cine de terror, y en particular de una revolución para el género como es la que podría traer consigo Kane Parsons: el director de Backrooms que (otra vez con el sello de A24) está ahora mismo arrasando en taquilla. “Tiene 20 años y, por lo que ha estado haciendo en Blender, creo que claramente sigue una visión. Me emociona ver eso”, asegura Aster.

Una de las películas más taquilleras de lo que llevamos de año es Proyecto Salvación. También una de las más unánimemente aclamadas, por lo que cabe asumir la consagración industrial de Phil Lord y Chris Miller. Esta dupla de cineastas ha trabajado sobre todo en animación, pero la película scifi con Ryan Gosling bien podría haber cambiado esa consideración y, por qué no, incluso encaminarlos al Oscar. Así que es curioso remontarse estos días a su debut en acción real, estrenado allá por 2012.

Y es más curioso porque, según Hollywood Reporter, va a tener secuela. Infiltrados en clase fue el primer film en acción real que dirigieron Lord y Miller, consiguiendo unos nada desdeñables 200 millones de dólares en taquilla que dos años más tarde fueron superados por la secuela, Infiltrados en la universidad, con 331 millones. Vaya, que parecía una propiedad intelectual de lo más lucrativa (mucho más, en cualquier caso, que la ignota serie de los años 80 que la inspiraba levemente, protagonizada por Johnny Depp y titulada Nuevos policías en España), y como tal intentaron seguir exprimiéndola durante los años posteriores.

La idea barajada fue hacer una tercera parte y, durante un tiempo, un extravagante crossover con otra saga de Sony como es Men in Black. Jonah Hill y Channing Tatum (intérpretes de los protagonistas) parecían a favor, pero la cosa no se concretó y han pasado más de diez años de Infiltrados en la universidad. Hasta que de pronto Sony ha acelerado trámites y ha confirmado la presencia de Hill y Tatum como protagonistas de una nueva entrega, así como el regreso de Ice Cube como secundario.

El título original es 24 Jump Street. Las películas previas se titulaban en inglés 21 Jump Street y 22 Jump Street, así que se habrían saltado un número. No ha habido una explicación oficial del estudio pero sí un revelador post en Instagram de uno de los productores, Neal H. Moritz. En él muestra el guion de la película con el título 24 Jump Street y un encabezado, “Tardamos tanto que tuvimos que saltarnos una”, que a saber si no termina siendo el subtítulo del film.

Aun cuando vuelven los protagonistas, parece que Lord y Miller no lo harán como directores. Se limitarán a producir junto a Moritz, mientras que el guion corre a cuenta de Hill junto a Meghan Malloy, y el director resulta ser Rodney Rothman, que ya se encargó de coescribir Infiltrados en la universidad y codirigió en 2018 Spider-Man: Un nuevo universo para Lord y Miller. Así que no es un desconocido para la franquicia. Sony no le ha puesto fecha de estreno a Infiltrados en clase 3.

El debate sobre la Inteligencia Artificial está sacudiendo Hollywood de arriba abajo, entre quienes se posicionan contra su uso indiscriminado y quienes lo ven como una oportunidad de negocio. O, como también se está estilando, una herramienta provechosa para trabajar.

Se supone que a este último argumento se agarra Martin Scorsese, con una ocurrencia que ha entristecido a multitud de cinéfilos. Y es que Scorsese es uno de los grandes garantes del cine tradicional, comprometido con la integridad del medio, de forma que sea algo así como descorazonador verle a él también cayendo en las redes de la IA.

Scorsese encuentra ultimando los detalles de What Happens at Night, un thriller que protagoniza su actor fetiche Leonardo DiCaprio junto a Jennifer Lawrence. Hace unos días trascendió entonces que se había incorporado como asesor a Black Forest Labs, una startup centrada en el desarrollo de la Inteligencia Artificial generativa.

El anuncio llegó junto a una nota de prensa donde Scorsese defendía su vínculo con la compañía, y en particular lo útil que iba a ser de cara al desarrollo de los storyboards en las fases de preproducción.

El director afirma entonces haber estado interesado siempre “en la intersección de tecnología y narración”, y que “concuerda plenamente con una idea arraigada del cine, que las nuevas herramientas no sustituyen el arte, sino que amplían su lenguaje”.

“El cine es un medio joven, con solo unos 125 años de antigüedad, por lo que debemos estar abiertos a cómo puede evolucionar”, podemos leer en un comunicado que está recibiendo duras críticas en redes.

“Utilicé el 3D en La invención de Hugo y la tecnología de rejuvenecimiento en El irlandés. Ahora, con esta herramienta, puedo compartir lo que estoy visualizando de forma más clara y eficaz con mi equipo para que puedan aprovecharlo y enriquecer la inteligencia cinematográfica. Hace poco lo probé y la capacidad de visualizar y compartir inmediatamente el storyboard me dio mucha libertad. Durante la preproducción el tiempo cuesta dinero, y esto nos permitió avanzar más rápido sin sacrificar la calidad ni el trabajo artesanal”.

La respuesta

¿Podemos inferir entonces que What Happens at Night hará uso de la tecnología de Black Forest Labs? Lo que sí sabemos por ahora es quién ha respondido con mayor dureza a la ocurrencia del director de 83 años: el Sindicato de Directores de Arte de Hollywood que agrupa a diversos escenógrafos, ilustradores y diseñadores de producción.

Este organismo se ha posicionado abiertamente contra Scorsese: “El director ganador de un Oscar Martin Scorsese está dando la espalda a los artistas humanos que, a lo largo de su carrera, le han ayudado a crear sus obras más memorables”, leemos en su texto.

“La IA generativa solo es capaz de producir este tipo de ‘inteligencia cinematográfica’ al asimilar grandes cantidades de obras protegidas por derechos de autor, probablemente extraídas de Internet sin consentimiento, sin reconocimiento, sin compensación y sin transparencia. Pensar que sus contribuciones profesionales pueden ser imitadas o eclipsadas por la IA generativa, que se basa en obras probablemente robadas a ellos y a muchos otros artistas de todo el mundo, es una traición a la naturaleza colaborativa del cine”.

Ni Scorsese ni nadie cercano ha respondido a estas reclamaciones.

No cabe duda de que Dwayne Johnson, habiendo tenido sus altibajos, sigue siendo toda una estrella de Hollywood. Y lo ha logrado fundamentalmente a través de franquicias y cine de entretenimiento puro y duro, recurriendo tanto a sus músculos como a su afable vis cómica. Sin ir más lejos, este 10 de julio estrena el remake de Vaiana (repitiendo como Maui, el personaje de Disney al que se había limitado a poner voz hasta ahora), y más tarde en Navidades estrenará Jumanji: Mundo abierto.

Pero Johnson tiene inquietudes más allá del espectáculo. Y lo demostró el año pasado, cuando estrenó The Smashing Machine en el Festival de Venecia. Se trataba del biopic de Mark Kerr, nombre propio de la lucha libre al que The Rock puso rostro en compañía de Emily Blunt (hoy tan en boga con El día de la revelación) y bajo las órdenes de Benny Safdie.

Que justamente ganó el premio a Mejor dirección en dicho certamen, dando la sensación de que The Smashing Machine podría competir por el Oscar e incluso rascar nominación para el esforzado trabajo de Johnson.

No fue lo que ocurrió. Safdie tuvo que ver de hecho como su hermano del que se había separado recientemente a nivel profesional, Josh Safdie, se llevaba todas las alabanzas con Marty Supreme. Aún así Johnson quiere seguir trabajando con el director de The Smashing Machine y hoy por hoy ambos preparan Lizard Music: The Rock mantiene su apego por el cine de autor, y no quiere que la decepción de The Smashing Machine le afecte.

El actor de Black Adam ha hablado recientemente del tema, admitiendo que fue duro ver cómo se quedaba sin opciones permeables. “Hubiera sido increíble estar nominado a un Oscar. Me di cuenta lo excepcional que es llegar a esta cima donde pueden mantenerse estas conversaciones. ¡Y es emocionante!”, cuenta Johnson sin sucumbir al desaliento.

“Hubiera sido increíble. Ojalá hubiera pasado. Pero no fue así. Sin embargo, en ningún momento pensé ‘ah, no importa’. Siempre pensé que importaba. Y eso ha encendido una llama en mi interior, que es ‘volvamos al trabajo’”. Johnson no tiene problemas en admitir que lo que buscaba con The Smashing Machine (hoy disponible, por cierto, en HBO Max) era credibilidad como actor dramático, y planea seguir en esa senda.

De momento junto a Safdie y, por qué no, en un futuro junto a Martin Scorsese: al fin y al cabo no hace mucho que fue vinculado a un futuro proyecto del venerable director donde repetiría con Blunt: un drama de mafiosos ambientado en Hawái.

Los premios Emmy (el equivalente a los Oscar en la televisión) son algo difíciles de entender a veces, debido a la enorme cantidad de categorías que poseen. En esencia, esta ceremonia de premiación se divide en 2 eventos diferentes: los Creative Arts, que engloban la descomunal cantidad de categorías técnicas para las series y miniseries; y los Primetime Emmys, que son los equivalentes a los Big Five de los Oscar (solo que se les suman las 2 categorías de reparto).

A lo largo de sus 77 años de historia, tan solo 3 programas han logrado ganar todas las categorías en un mismo año: la miniserie Ángeles en América, la sexta y última temporada de la comedía Schitt's Creek y la cuarta temporada del drama The Crown. Ahora bien, también han existido otras temporadas y miniseries que no han completado este hito solo por un premio. Ejemplos recientes de esto se pueden ver en la cuarta y última temporada de Succession, la primera temporada de The Bear y en la miniserie Adolescencia.

Sin embargo, hace 11 años hubo otro programa, que también se quedó a un galardón de completar esta proeza. Se trata de Olive Kitteridge, miniserie de 4 capítulos estrenada en 2014 dirigida por la reconocida Lisa Chodolenko (cineasta nominada al Oscar por Los chicos están bien) y escrita en su totalidad por la dramaturga Jane Anderson (autora del guion de La buena esposa) que está basada en la novela homónima de 2008 de la autora Elizabeth Strout.

Su reparto está compuesto por Frances McDormand (quien fue productora ejecutiva junto a Tom Hanks), Richard Jenkins, Zoe Kazan (quien fue la única del reparto que no ganó Emmy, pues se lo arrebató Regina King por American Crime), Jesse Plemons, Bill Murray, Peter Mullan y Brady Corbet y su trama se centra en el personaje titular, una profesora jubilada muy estricta que vive en un pueblo en la costa de Maine junto a su marido y a su hijo. Durante 25 años, se ve como Olive se enfrenta a la depresión, el duelo, los celos y las fricciones con familiares y amigos.

La tragedia en el día a día

Lo que hace brillar a esta genial miniserie es el hecho de que es un oscuro estudio de personaje sobre una mujer muy compleja, que debe lidiar con problemas de salud mental, la vejez, el distanciamiento familiar y el problema de la cotidianeidad, sin por ello perder la esperanza. Pese a que todo el peso narrativo se centra en la excelente McDormand, el resto del elenco permite crear una compleja red personajes tan imperfectos como memorables, los cuales representan de una manera creíble el crudo paso del tiempo.

Es una de las fechas apuntadas en el calendario de todo cinéfilo: este 12 de junio, llega a los cines de España El día de la revelación, la nueva película de Steven Spielberg. El día de la revelación no supone únicamente el regreso del Rey Midas de Hollywood, sino su retorno a la ciencia ficción y, en concreto, al mundo de los extraterrestres.

El director de E.T. y Encuentros en la Tercera fase nunca ha ocultado que el fenómeno OVNI le apasiona, y no solo cinematográficamente. El día de la revelación la protagonizan Emily Blunt y Josh O’Connor y, sobre ella, se sabe muy poco: de hecho, su sinopsis comienza con una pregunta. ¿Y si se supiera que no estamos solos?

Al parecer, el Gobierno de los Estados Unidos se ve obligado a revelar que han encontrado pruebas de que, en algún rincón del universo, hay vida inteligente. Obviamente, no en este planeta. Y lo mejor de todo es que esta película se basa en hechos reales.

El caso USS Nimitz, la inspiración de Spielberg

Recientemente, Steven Spielberg ha descubierto que, tras El día de la revelación, hay un trasfondo de realidad: el caso USS Nimitz. La información la publicó The New York Times en 2017 tras una desclasificación del Pentágono: el gobierno estadounidense realizaba operaciones extrañas cuya justificación no las hacía menos insólitas.

El protagonista era el portaaviones USS Nimitz, uno de los puntales del ejército estadounidense. El 10 de noviembre de 2004, en el mar Arábigo, este portaaviones junto con USS Princeton, se encontraban desplegados con motivo de unas operaciones militares cuando comenzaron a detectar unas señales. En los radares de ambos portaaviones, aparecieron indicios de que un objeto volador no identificado (o sea, un OVNI) intentaba comunicarse con ellos. Y, de repente, las señales desaparecieron.

Barcos particulares del área también advirtieron las señales en sus radares. En consecuencia, el ejército reorientó la operación militar y puso sobre vigilancia esa zona del mar: durante los siguientes días, las señales reaparecieron y volvieron a ser engullidas por el silencio sin que se supiera nunca quién o qué las emitía. Lo único que se concluyó es que se trataba de una nave que volaba relativamente despacio por el área.

Alertados, los portaviones desplegaron cazas militares que, en cuanto echaron a volar a la hora a la que la nave extraña solía dar señales de vida, notaron que en su radar había actividad. El USS Princeton advirtió a los pilotos de los cazas de que podían encontrarse contra un avión volando en sentido contrario, con el propósito de buscar una colisión.

Al dirigirse al punto del que emanaban las señales, los cazas leyeron en sus radares algo inexplicable: la nave que las emitía descendió en picado ocho kilómetros y medio en menos de un segundo y se hundió en el océano. Uno de los pilotos, según se recoge en informes oficiales, apunta que vio cómo la superficie del mar aún se movía cuando llegaron. El portaviones USS Princeton atestiguó en su radar que las señales desaparecían y volvían a aparecer, en cuestión de segundos, a 97 kilómetros de allí.

Los misteriosos "hombres de negro"

De no tratarse de un error de los radares, esto implicaba que la nave se desplazaba a 3.900 km/h. Los cazas volvieron a desplegarse pero, en esta ocasión, sí alcanzaron a su objetivo: grabaron con infrarrojos cómo una nave no identificada se movía como un péndulo a toda velocidad hasta que los dejó atrás. Pese a la rapidez de los aviones del ejército, el OVNI poseía una tecnología con la que estos no podían competir.

En 2017, el Pentágono hizo pública toda esta información e incluyó los vídeos grabados. Sin embargo, el final de esta historia tiene un sabor aún más desconcertante: según la revista Popular Mechanics, varios oficiales que participaron en las maniobras recibieron la visita de militares para requisarles las cintas y exigirles que, si guardaban copias, las borrasen.

Algunos de estos oficiales figura con nombre y apellidos en el reportaje, aunque uno de ellos sugiere una teoría menos conspirativa: el ejército necesitaba cintas nuevas para monitorizar vuelos y les pidieron las suyas para reutilizarlas.

La madrugada del 14 al 15 de junio no solo estará marcada por la esperada pelea entre Ilia Topuria y Justin Gaethje. El combate principal de UFC Freedom 250 coincide con el 80 cumpleaños de Donald Trump y forma parte de los actos que preceden a la celebración del 250 aniversario de la independencia de Estados Unidos, prevista para el próximo 4 de julio.

Pero detrás del espectáculo hay una figura que conecta algunos de los nombres más importantes del entretenimiento estadounidense actual: David Ellison. Hijo del cofundador de Oracle, presidente y director ejecutivo de Paramount Skydance Corporation y figura estrechamente vinculada a Trump, Ellison se ha convertido los últimos meses en una pieza clave de esta historia.

Tras conocerse que Paramount adquiría Warner el pasado mes de febrero, se hizo público que su compañía sería la encargada de emitir en Estados Unidos la velada organizada en la Casa Blanca. Impulsado por Trump y por el presidente de la UFC, Dana White, el evento aspira a reunir a millones de espectadores en todo el mundo. En España podrá disfrutarse en HBO Max a partir de 2:00 de la madrugada, hora peninsular española.

Adiós a 'Yellowstone'

Sin embargo, Ellison también ocupa un lugar central en otra de las noticias más comentadas de la industria audiovisual: el distanciamiento de Taylor Sheridan, creador de Yellowstone, respecto a Paramount. Durante años, Sheridan disfrutó de una libertad creativa prácticamente absoluta dentro de la compañía, pero la llegada del nuevo equipo directivo tras la fusión con Skydance alteró ese equilibrio.

Según diversas informaciones, las discrepancias entre Sheridan y Ellison fueron aumentando a medida que Paramount comenzó a supervisar con más detalle algunos de sus proyectos. Entre los desencuentros también habría figurado una propuesta para desarrollar una producción vinculada a las celebraciones del 250 aniversario de Estados Unidos, una idea que el creador no habría compartido.

Así, mientras Sheridan, a menudo señalado como una voz cercana al público conservador por el éxito de Yellowstone, se alejaba de una iniciativa asociada al patriotismo más explícito, Paramount apostaba por retransmitir un acontecimiento que encaja perfectamente en ese contexto: una gran gala de UFC en la Casa Blanca, con Trump como anfitrión y Topuria como principal atractivo deportivo.

Un evento presidencial disfrazado

De alguna manera, el combate entre Ilia Topuria encaja a la perfección con el tipo de gran acontecimiento nacional que Trump y su entorno llevan tiempo tratando de proyectar. La audiencia ha sido cuidadosamente seleccionada: personal militar elegido por el Pentágono según criterios de aptitud física específicos servirá de telón de fondo para una velada diseñada para exaltar valores como la fuerza, la disciplina y el patriotismo.

Además, el propio Trump ha adquirido acciones de TKO Holding Group, la empresa matriz de la UFC, reforzando aún más los vínculos entre la Casa Blanca y la organización. Más que un evento deportivo distinguido por la presencia presidencial, la cita apunta a convertirse en un auténtico espectáculo político envuelto en formato de artes marciales mixtas.

La carrera de Sydney Sweeney no deja de sumar títulos. Mientras continúa aprovechando la onda expansiva tras la polémica temporada 3 de Euphoria, encadena rodajes y proyectos sin descanso, afianzando su lugar en Hollywood. Tras anunciarse que su remake de Barbarella aún late con fuerza, la actriz tiene entre manos otro proyecto que la llevará a revisitar uno de los relatos más conocidos de la literatura fantástica estadounidense: La leyenda de Sleepy Hollow.

La intérprete protagonizará Hollow, una película basada en la primera novela de Lindsey Anderson Beer, cineasta que también se encargará de escribir el guion y dirigir la adaptación. Además, Sweeney participará como productora a través de Honey Trap, la compañía que acaba de poner en marcha y que debutará oficialmente con este largometraje.

La historia tomará como punto de partida el universo creado por Washington Irving en 1820, aunque apostará por una visión muy diferente. En el centro de la trama estará Katrina Van Tassel, personaje que encarnará Sweeney y que aquí adquiere un papel mucho más activo dentro de una intriga marcada por elementos sobrenaturales.

Según las primeras informaciones, la propuesta mezclará atmósfera gótica y una trama romántica con componentes fantásticos y regada de erotismo. El relato girará alrededor de un peligro en el que la protagonista se verá envuelta mientras navega entre varias fuerzas que desafían la lógica.

El proyecto ha despertado interés incluso antes de la publicación de la novela. De hecho, la editorial Putnam, perteneciente a Penguin Random House, ha acelerado los planes de lanzamiento del libro, que llegará a las librerías en otoño de 2027 mientras la adaptación cinematográfica continúa desarrollándose.

'La leyenda de Sleepy Hollow': cine y televisión

Por ahora se desconocen más detalles sobre este bizarro proyecto que parece emparentarse con el estilo de la mítica productora Hammer, cargado de erotismo y un rojo sangre intenso. El mismo que intentó recuperar Tim Burton en su clásico de 1999 protagonizado pro Johnny Depp, que supuso una de las grandes cimas estéticas de su creador. Una joya que puedes ver bajo suscripción en Movistar Plus+ y el SkyShowtime.

Esta cinta se suma al magnífico mediometraje de Disney La leyenda de Sleepy Hollow (1949) y a otras apdaptaciones desiguales como el telefilme homónimo protagonizado por Jefff Goldblum en 1980, o la serie de FOX Sleepy Hollow, que se estrenó en 2013. Queda por ver qué tal le sienta esta vuelta de tuerca a la nueva adaptación de un clásico que ya ha cumplido más de dos siglos.

Fue en 2012 cuando se fundó A24, y desde entonces su transformación en un nombre de referencia para la cinefilia ha sido perfectamente paulatina.

Con el paso de los años este estudio independiente ha ido incrementando los presupuestos, y hoy por hoy incluso coquetea con la propiedad intelectual: en su calendario de futuros proyectos nos encontramos con adaptaciones de videojuegos del calibre de Death Stranding o Elden Ring, que dirigiría un viejo conocido del sello como es Alex Garland.

Garland, justamente, es el artífice de un film que en su día se llegó a ver como una cumbre para A24: Civil War costó 50 millones de dólares y se anunció prácticamente como un blockbuster en 2024.

Desde entonces, sin embargo, A24 se ha superado a sí misma, aumentando la apuesta y logrando medirse con las grandes factorías de Hollywood. No es descabellado asegurar que acaba de alcanzar su cima, gracias al fenómeno Backrooms.

Backrooms ha costado bastante menos que Civil War (unos 10 millones de dólares) pero va a ser uno de los hits del año. El film de terror está dirigido por un debutante que viene de YouTube y tiene poco más de 20 años, Kane Parsons: aparte de obtener grandes críticas se las ha apañado para liderar la taquilla en EEUU junto a otro youtuber (Curry Barker, responsable de Obsession), mientras ambos dejan muy atrás a una marca consolidada como es Star Wars.

The Mandalorian and Grogu no ha tenido nada que hacer contra Backrooms, que acaba de alcanzar los 216 millones de dólares a nivel mundial luego de haber sido el mejor estreno de la historia de A24.

Ahora mismo, con estos 216 millones, ya es sobradamente la película más taquillera jamás auspiciada por el estudio, y una prueba total de su consolidación comercial. En esta tesitura, pasarse a las franquicias IP parece el movimiento lógico (y parece evidente que Backrooms tendrá secuela), aunque de esperar que se esfuerce en mantener su identidad.

Esta identidad distintiva es la que ha convertido a A24 en una marca muy querida, y para comprobarlo no hay más que mirar cómo está ahora mismo su histórico de taquilla. Antes del fenómeno Backrooms, una película tan reciente como Marty Supreme había sido lo más lejos a lo que había podido llegar A24. El film de Timothée Chalamet, además de ser candidato a los Oscar, había recaudado 191 millones de dólares.

Hasta no hace mucho, la producción más taquillera de A24 había sido toda una ganadora del Oscar a Mejor película: Todo a la vez en todas partes, estrenada en 2022. Lo curioso es que el siguiente título en el ránking es otro film de 2026, constatando el momento dorado que vive la empresa.

El drama, con 130 millones de dólares, es la cuarta película más taquillera de toda la historia de A24. Cerrando el top 5, ahora sí, nos topamos con la citada Civil War, que hizo 127 millones inaugurando los presupuestos holgados de la compañía.

En la segunda mitad del top 10 nos topamos con otro film bastante reciente: Materialistas, que el verano pasado hiciera 105 millones de dólares. Luego tenemos dos películas de terror, Háblame con 92 millones y Hereditary con 90, y Lady Bird es el penúltimo gran título con 79 millones. El ránking se cierra con otro Oscar a Mejor película como es Moonlight: sus 66 millones fueron en su día bastante humildes, pero porque solo serían la antesala para algo mucho más grande.

Hoy por hoy, A24 es un estudio independiente tan capaz de ganar Oscars como millonadas que nada tienen que envidiarle a las majors.