Un equipo de arqueólogos encontró dos estatuas romanas de mármol en un estado de conservación excepcional durante una excavación preventiva al norte de Israel, cerca de Binyamina, informó ARTnews.

Las esculturas, datadas en aproximadamente 1700 años, fueron descubiertas en un antiguo colector de vino de la época romano-bizantina y han despertado gran interés en la comunidad arqueológica internacional.

Se descubrieron recientemente dos estatuas de mármol de la época romana cerca de Cesarea, en Israel. Estas piezas, de alrededor de 1.700 años de antigüedad y en notable estado, resultan importantes porque permiten estudiar el patrimonio grecorromano en Oriente Próximo y comprender el papel de las élites locales en la cultura del periodo romano.

El hallazgo se produjo durante una obra de expansión ferroviaria, según anunció la Autoridad de Antigüedades de Israel (IAA) el 15 de junio. Las esculturas fueron localizadas por los arqueólogos Eliran Oren y Avishag Reis, directores del equipo, y se recuperaron poco antes de concluir las tareas en la zona.

Los especialistas detallaron que las piezas estaban boca abajo dentro del depósito de vino, lo que sugiere que alguien las ocultó deliberadamente cuando la estructura dejó de usarse, aunque aún se desconoce el motivo de este ocultamiento.

Características y detalles de las estatuas romanas halladas

Las estatuas, esculpidas en mármol y datadas en el siglo IV d.C., representan, según el investigador principal de la Autoridad de Antigüedades de Israel, Peter Gendelman, a figuras destacadas del mundo grecorromano. Una de ellas contiene una inscripción con el nombre “Lícurgo”, lo que apoya la posibilidad de que personifiquen a individuos históricos concretos y no a tipos arquetípicos.

De acuerdo con Oren y Reis, el estado de ambas piezas es “extremadamente raro” en Israel y en otros contextos arqueológicos. En palabras de Gendelman, estas estatuas “se exhibían tanto en edificios públicos como en casas de la élite durante la época romana”, reflejando la posición social y la aspiración cultural de sus propietarios.

Gendelman añadió que, si la figura identificada como “Lícurgo” se relaciona con el fundador de Esparta, el hallazgo tendría un valor singular, aunque la investigación sobre su identidad apenas inicia.

Origen y relevancia histórica de las esculturas en Cesarea

Los expertos apuntan que estas estatuas podrían haber pertenecido a una villa lujosa en las afueras de Cesarea, ciudad portuaria que fungió como capital regional de Judea bajo dominio romano.

En las cercanías del sitio ya se había hallado un antiguo balneario, lo que refuerza la hipótesis de un entorno residencial opulento.

Oren también planteó la posibilidad de que las piezas fueran trasladadas desde la propia Cesarea, ubicada a unos 10 kilómetros del lugar del hallazgo, aunque subrayó que estas esculturas no se hicieron para granjas comunes.

Gendelman subrayó para ARTnews que Cesarea fue durante 650 años la capital de varias provincias romanas y concentró villas de altos dignatarios, lo que respalda una procedencia urbana para las esculturas.

La identidad específica de “Lícurgo” sigue bajo análisis, ya que existen al menos dos figuras históricas con ese nombre: el fundador de Esparta y un orador del siglo IV a.C.

Valor arqueológico e implicaciones del hallazgo para Israel

Oren y Reis destacaron al medio citado que el nivel de conservación de estas esculturas es muy poco frecuente. Para el equipo de la IAA, el descubrimiento representa un recurso invaluable para comprender cómo las élites locales empleaban el arte como símbolo de estatus y afiliación cultural.

Sugieren, además, que el enterramiento de las piezas pudo estar relacionado con períodos de crisis o abandono, asunto que seguirá siendo investigado.

La Autoridad de Antigüedades de Israel resaltó la excepcionalidad del hallazgo y su potencial para ampliar el conocimiento sobre la vida social y cultural en el antiguo territorio israelí.

ARTnews subraya que estos descubrimientos no solo enriquecen el patrimonio nacional, sino que plantean nuevas líneas de investigación en torno a la movilidad y la salvaguarda del arte en tiempos de transformación histórica y crisis.

Según los responsables de la excavación, hallazgos de esta magnitud suelen aparecer en circunstancias imprevistas y transforman la mirada sobre el pasado de la región.

El estereotipo de “la loca de los gatos” permanece vigente en la cultura popular, describiendo a mujeres solitarias y supuestamente obsesionadas con los felinos.

Esta etiqueta expone prejuicios de género profundos que han servido durante siglos para delimitar la autonomía femenina. Aunque ha evolucionado, sigue presente en sociedades occidentales, según The Guardian.

El estereotipo de “la loca de los gatos” surge de la histórica relación entre mujeres y gatos, desde la veneración a deidades felinas en civilizaciones antiguas hasta la demonización en la Edad Media.

Esta figura, que en su origen simbolizaba poder y fertilidad, pasó a adquirir un sentido peyorativo y funciona como un mecanismo de control social asociado a la independencia femenina fuera de los roles tradicionales.

El origen y significado verdadero del concepto se relaciona con la conexión ancestral entre mujeres y gatos. Este vínculo ha transitado de ser símbolo de fertilidad y poder en la Antigüedad, a representar una supuesta excentricidad castigada socialmente. Así, el estereotipo refleja la persistencia de actitudes misóginas y la estigmatización de la autonomía femenina.

Origen histórico del estereotipo de “la loca de los gatos”

Desde la antigüedad, la relación entre las mujeres y los gatos ha estado marcada por símbolos y creencias. En el antiguo Egipto, deidades como Bastet y Sekhmet representaban a la vez la fertilidad y el poder protector femenino.

Durante la Edad Media europea, la percepción cambió drásticamente. Las mujeres consideradas rebeldes eran asociadas a los gatos, sobre todo los negros, vistos como “familiares” o compañeros de las llamadas brujas. La bula Vox in Rama, emitida en 1233, legitimó la persecución y exterminio de gatos acusados de maldad o herejía.

El prejuicio tomó fuerza en los siglos siguientes. Medios estadounidenses del siglo XIX, como el New York Times en 1872, calificaron a mujeres como Rosalie Goodman de “acumuladoras de gatos”, vinculando esta conducta con la demencia.

Personajes ficticios como Eleanor Abernathy en Los Simpson y otros en la televisión multiplicaron la difusión del cliché. Según The Guardian, el estereotipo terminó consolidándose como una expresión singular de misoginia orientada a limitar la independencia femenina.

Por qué persiste el estigma hacia las mujeres que viven con gatos

Investigadoras como Irina Frasin, citada por el medio, destacan que “los gatos y las mujeres comparten un lugar en la historia; no están completamente domesticados... Lo que une su historia es la independencia y la resistencia al control humano”.

A lo largo de la historia, la sociedad ha estigmatizado tanto a las mujeres que desafiaban las normas tradicionales como a los gatos, por ser percibidos como seres libres y poco sometidos. Frasin subraya que características antes veneradas han sido convertidas en defectos por el patriarcado.

Esta percepción se traduce hoy en juicios y rechazos, sobre todo hacia mujeres que conviven con varios gatos, mientras que la relación de los hombres con estos animales suele ser menos cuestionada.

Desde una perspectiva psicológica, el etólogo Dennis Turner corrobora que este estigma refuerza la exclusión social, aunque el contacto con gatos genera beneficios emocionales: “Los dueños de gatos suelen ser menos temerosos, menos depresivos y más extrovertidos”.

Los efectos positivos son especialmente notorios en mujeres, para quienes el gato puede suplir el apoyo de una pareja masculina.

Para Turner, el vínculo mujer-gato está anclado tanto en la cultura como en patrones de conducta. Las mujeres interactúan con los gatos en el suelo y vocalizan más, lo que propicia una respuesta particular de los animales. Esta interacción reproduce en parte la estructura matriarcal de las colonias felinas, donde prevalecen la cooperación y el cuidado entre hembras.

Historias y testimonios de quienes desafían el cliché

Si bien el mito de la “loca de los gatos” conserva fuerza, voces actuales lo desafían y revalorizan la relación humano-felino. Lynea Lattanzio, fundadora del mayor santuario sin jaulas de California, ha rescatado a 44.000 gatos en 33 años y dirige un espacio donde viven actualmente 700 felinos con atención integral.

Lattanzio asume con humor algunas características del estereotipo y reconoce que, tras un divorcio difícil, decidió centrar su vida en el bienestar animal.

Otra historia ilustrativa es la de Liz Richter, quien enfrenta rechazo en aplicaciones de citas por convivir con tres gatas. “Es el estigma. Cuando dices que tienes gatos, dejan de responder”, relató a The Guardian.

En ese sentido, defiende la independencia femenina y atribuye a sus gatas un papel esencial durante su proceso de divorcio.

No solo las mujeres cuestionan el estereotipo. Chris Poole, conocido como Cat Man Chris, es una figura reconocida en redes sociales por alimentar y rescatar a decenas de gatos callejeros a diario.

Poole considera que compartir su vida con gatos es satisfactorio y no ha recibido comentarios negativos, a diferencia de muchas mujeres en situación similar. Sin embargo, admite que ellas suelen ser blanco de más prejuicios.

Cuando una persona logra que un gato abandonado recupere la salud y encuentre un nuevo hogar, experimenta una satisfacción profunda que trasciende los prejuicios y pone en valor la presencia de estos animales en la vida humana.

La revista House Beautiful, especializada en diseño de interiores, ha publicado una selección de ocho destinos de diseño recomendados por diseñadores internacionales que, según expertos consultados, están transformando la inspiración creativa y definirán las tendencias de viaje en 2026.

Estos destinos emergentes destacan por su capacidad para fusionar historia, arquitectura y creatividad contemporánea. Han sido seleccionados por su potencial para inspirar a quienes buscan ideas originales, autenticidad y escenarios culturales distintos a los tradicionales lugares de referencia en el mundo del diseño.

1. Rajasthan: inspiración en la tradición y la artesanía

Rajasthan, en la India, lidera la lista por sus edificios imponentes y la riqueza que aporta la artesanía local en los interiores.

La diseñadora Blair Moore, citada por el medio, resalta la autenticidad de estos espacios, donde los procesos artesanales y la imperfección celebran lo humano frente a la perfección industrial. Entre las ciudades más inspiradoras de la región se encuentran Jaipur, Udaipur y Jodhpur.

2. Nueva Orleans, el alma creativa del sur

En los Estados Unidos, Nueva Orleans se distingue por su historia multicultural y su personalidad audaz. La diseñadora Sarah Stacey vincula su propio estilo ecléctico a la influencia de esta ciudad. “Nueva Orleans no actúa para nadie, es excesiva y se entrega al placer simplemente porque puede hacerlo”, afirmó en diálogo con el medio citado.

Su carácter genuino y sin filtros la convierte en un referente creativo para quienes valoran la libertad de expresión en el diseño.

3. Kioto, minimalismo y detalles cautivadores

Kioto combina minimalismo y artesanía refinada en entornos modernos y tradicionales. Según Ashley Wilkins, de Islyn Studio, cada día esta ciudad japonesa revela una nueva forma de belleza a través de pequeños detalles y momentos de quietud.

El diseño de la ciudad equilibra la sobriedad con una atención cuidadosa al detalle, lo que la ha posicionado como musa para propuestas elegantes y discretas.

4. San Miguel de Allende, pasado y presente en armonía

San Miguel de Allende, México, ha fascinado a la diseñadora Emily Janak por su diversidad arquitectónica y casi 500 años de historia como sitio Patrimonio de la Humanidad.

Janak resalta que la arquitectura y la artesanía consciente son el principal atractivo. Además, la colaboración con creadores locales aporta funcionalidad y fuerza visual, elementos que la diseñadora traslada a sus propios trabajos, según explicó a House Beautiful.

5. Marrakech, entre colores y detalles eternos

En Marrakech, Marruecos, el diseño cobra vida a través de construcciones coloridas, mosaicos y una atmósfera que la diseñadora Abigail Marcelo considera “atemporal”.

Marcelo, fundadora de Casa Marcelo, señaló al medio citado que la cultura y la arquitectura existen en una especie de bella suspensión, transmitiendo una sensación de intemporalidad. El color, en particular la tonalidad Marrakesh, define un lenguaje visual inolvidable en cada rincón de la ciudad.

6. Bangkok, color y dinamismo en el sudeste asiático

La capital de Tailandia, Bangkok, es señalada por la diseñadora Samah Nawar como el lugar donde un espacio puede ser alegre sin justificación.

La ciudad logra unir tradición y modernidad, integrando matices del entorno que aportan vida a su vida urbana vibrante. “Los ambientes más inspiradores son los creados por quienes conocen el origen de sus colores”, comentó Nawar al medio.

7. Venecia, historia viva y escenario de creatividad

Venecia, en Italia, destaca por el diálogo entre su herencia histórica y la innovación actual. La Bienal de Venecia es, según la diseñadora Géraldine Dohogne, el momento en que el esplendor del pasado se convierte en escenario de expresión contemporánea.

La ciudad reúne estilos arquitectónicos que abarcan desde el periodo bizantino hasta el barroco, haciendo de ella un modelo para quienes buscan inspiración en la reinvención de las tradiciones.

8. Ciudad de México, creatividad en continua evolución

La Ciudad de México atrae a diseñadores de todo el mundo gracias a su fusión de pasado y presente, así como por su escena cultural contemporánea.

Marie Cloud, aunque aún no ha visitado la capital mexicana, sigue con atención su arquitectura y diseño interior, resaltando la coherencia entre materiales, color y composición de los espacios.

Coco Greenblum añade, en declaraciones recogidas por House Beautiful, que la convivencia de historia y modernidad en hoteles y restaurantes permite percibir la cultura local de una manera instantánea.

El mundo del arte lamenta la muerte de David Hockney, una de las figuras más influyentes del arte contemporáneo, fallecido el 11 de junio de 2026 a los 88 años en Londres.

Reconocido por su innovación técnica y su papel pionero en la representación de la diversidad sexual y el paisaje, su legado artístico recobra gran fuerza tras su partida, con el mercado internacional revalorizando sus obras más codiciadas, tal como informa ARTnews.

Las obras más caras de David Hockney vendidas en subasta figuran entre las piezas más valoradas del arte contemporáneo, según el medio citado.

Estas pinturas, adjudicadas en casas internacionales como Sotheby’s, Phillips y Christie’s, han alcanzado desde decenas hasta más de USD 90 millones y reflejan tanto la importancia histórica como el atractivo sostenido del artista para coleccionistas y museos en todo el mundo.

1. “The Splash” de David Hockney, una de las obras más buscadas en subasta

The Splash (1966) fue vendida en 2020 en Sotheby’s Londres por £23,2 millones (USD 29,9 millones), según el medio. La obra, de 1,8 x 1,8 metros, es considerada una compañera de la célebre A Bigger Splash (1967), conservada en la Tate Britain.

Esta venta superó con creces el anterior récord de £2,9 millones (USD 5,4 millones) logrado en 2006, también en Sotheby’s Londres. Solo existe otra pintura de la serie, A Little Splash (1966), que sigue en una colección privada y no ha sido subastada públicamente.

2. “Nichols Canyon”, el paisaje que elevó el valor de Hockney

En diciembre de 2020, Nichols Canyon (1980) fue adjudicada en Phillips Nueva York por USD 41 millones, superando la estimación previa de $35 millones. De acuerdo con ARTnews, esta obra monumental de 2,13 x 1,52 metros es una de las dos grandes composiciones que Hockney realizó ese año.

Destaca por ser el único paisaje auténtico entre las ventas más altas del artista en subasta. Nichols Canyon integró la retrospectiva de Hockney en el LACMA en 1988 y la muestra internacional 2017-2018 en la Tate Britain, el Centre Pompidou y el Metropolitan Museum of Art, lo que refuerza su papel central en el catálogo del pintor británico.

3. “Christopher Isherwood y Don Bachardy”, el doble retrato icónico

Christopher Isherwood and Don Bachardy (1968) es uno de los dobles retratos más célebres de Hockney y alcanzó USD 44,4 millones en Christie’s Nueva York en noviembre de 2023.

Se trata de la primera obra doble de este tipo en su carrera, y ha estado presente en exposiciones recientes, entre ellas David Hockney 25 en la Fondation Louis Vuitton y la muestra itinerante de 2017-2018.

El crítico Michael Cirigliano II, citado por el medio, subrayó la “perspectiva seminal” y la representación “sin concesiones” de la diversidad sexual en este retrato, que establece una interacción entre los dos protagonistas y quien lo observa. La propiedad permaneció sin cambios desde 1985 hasta su venta.

4. “Henry Geldzahler y Christopher Scott”, récord europeo para Hockney

En marzo de 2019, Henry Geldzahler and Christopher Scott (1969) estableció un récord europeo al ser adjudicada en Christie’s Londres por £37,7 millones (USD 49,5 millones). El vendedor fue Barney A. Ebsworth, ejecutivo del sector turístico fallecido en 2018.

El retrato atrajo la atención de cuatro pujadores, y la obra fue considerada “más importante” que los retratos de piscinas de Hockney, según expertos citados por ARTnews.

El cuadro representa a Geldzahler, curador de arte del siglo XX en el Metropolitan Museum of Art, junto a Scott, también pintor y pareja de Geldzahler en ese momento.

5. “Portrait of an Artist”, la obra que rompió el récord mundial en subasta

Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) (1972) se adjudicó en 2018 en Christie’s Nueva York por USD 90,3 millones. Esta cifra estableció un récord en su momento para un artista vivo en una subasta internacional, según el meido citado.

La pintura, de 2,13 x 3,05 metros, muestra a una figura de pie junto a una piscina mirando a otra persona nadando bajo el agua. Formó parte de una gira de retrospectivas en museos emblemáticos como la Tate Britain, el Centre Pompidou y el Metropolitan Museum of Art antes de la venta.

El vendedor fue el millonario británico Joe Lewis, y el comprador, posteriormente identificado, fue el empresario tecnológico taiwanés Pierre Chen.

La inteligencia artificial en diseño de interiores está transformando la forma en la que los profesionales conciben y personalizan los espacios habitables.

Según expertos citados por House Beautiful, la tecnología ocupa un papel cada vez más relevante en el impulso a la creatividad y la diferenciación, más allá de la mera generación automatizada de imágenes.

La inteligencia artificial está cambiando el trabajo de los diseñadores de interiores al permitirles crear perfiles más detallados de los clientes, experimentar con ideas originales y optimizar sus procesos.

Facilita la inspiración, mejora la elaboración de presupuestos y ofrece nuevas vías para interactuar y validar propuestas a través de las redes sociales, generando tendencias inmediatas en la personalización de ambientes.

La integración de la IA en el diseño interior fue señalada en el 2026 Kitchen and Bath Trends Report. De acuerdo con este informe, citado por el medio, un 87% de los diseñadores espera que la generación Z recurra a esta tecnología para inspirarse en sus proyectos, y un 69% anticipa la misma tendencia entre los millennials.

Según Jenna Gaidusek, fundadora de AI for Interior Designers, la clave está en involucrar la inteligencia artificial desde el inicio del proceso creativo. Gaidusek destacó al medio citado que “la verdadera oportunidad está en las fases iniciales, donde se trabajan el concepto y el encargo”.

En estas etapas, los profesionales pueden aprovechar la IA como un soporte para comprender la lógica espacial, trabajar proporciones y definir el ambiente proyectado, con el objetivo de potenciar propuestas únicas.

Inteligencia artificial y personalización en el diseño de interiores

La personalización de espacios mediante IA destaca en el sector. Lesley Myrick, fundadora de Lesley Myrick Interior Design en Georgia, utiliza inteligencia artificial para analizar conversaciones con sus clientes y construir perfiles que reflejan tanto las preferencias estéticas como recuerdos o experiencias relevantes.

En uno de sus proyectos, una clienta de larga residencia mencionó de forma casual gabinetes verdes y el apego a un plato antiguo valioso. La tecnología permitió detectar y priorizar estos detalles, lo que se tradujo en decisiones precisas y significativas durante el diseño.

“Esa personalidad se convierte en la base de nuestro trabajo”, subrayó Myrick en diálogo con House Beautiful. Gracias a este enfoque, cada intervención resulta profundamente vinculada a quienes habitan el espacio.

El impacto de la inteligencia artificial se extiende también a la intermediación inmobiliaria. Kori Sassower, agente inmobiliaria en Nueva York, utiliza IA para mostrar a los compradores potenciales transformaciones posibles más allá de simples cambios en los ambientes. Este enfoque resulta útil para jóvenes compradores y para evaluar el potencial de reforma antes de una venta.

Nuevos usos creativos de la IA en el interiorismo

Entre las aplicaciones más innovadoras de la IA creativa en el diseño destaca la traducción de conceptos abstractos en ambientes concretos. Jen Baxter, de Baxter Hill Interiors, explicó al medio citado que usó la tecnología para transformar notas de cata de vinos —como acidez, textura y aroma— en propuestas espaciales.

Por ejemplo, un vino blanco mineral se reflejó en paredes con textura tizada y luz tenue, mientras que un tinto intenso inspiró textiles superpuestos y tonos oscuros. Baxter señala que la IA posibilita interpretar matices y vínculos abstractos, convirtiendo el diseño en una experiencia sensorial.

IA y redes sociales en la presentación de proyectos de interiores

Las redes sociales se han convertido en un laboratorio donde la IA amplifica la validación y la difusión de propuestas. Sarah Robertson, fundadora de Studio Dearborn, emplea inteligencia artificial para desarrollar conceptos experimentales en proyectos de cocina y los comparte en Instagram antes de presentarlos formalmente a los clientes.

Robertson explicó a House Beautiful que este intercambio público puede influir sutilmente en la orientación de los proyectos, ya que las reacciones espontáneas de los usuarios actúan como termómetro creativo. A través de estas plataformas, los clientes se sienten invitados a explorar las ideas propuestas de manera intuitiva.

IA aplicada a la gestión y presupuestos en interiorismo

La IA también tiene aplicaciones sólidas en el ámbito operativo. Lauren Lerner, diseñadora en Arizona y fundadora de Living with Lolo, implementó un sistema de estimación que recopila datos de proyectos reales, aprendiendo de los costes de materiales y mano de obra.

Este sistema acelera la elaboración de presupuestos y reduce la necesidad de análisis manual, lo que, según explicó Lerner al medio citado, “habría requerido un analista a tiempo completo y aun así sería más lento y subjetivo”. Así, se logra una gestión empresarial más eficiente, especialmente relevante en proyectos de reforma que requieren certeza presupuestaria.

La inteligencia artificial ha demostrado su capacidad para trasladar relaciones abstractas en ambientes personales e inspiradores. Más allá de simples variaciones superficiales, la tecnología se ha consolidado como una vía para que diseñadores y clientes puedan expresar y redescubrir la identidad única de cada espacio.