La esperada subasta de la obra Nu assis au collier de Amadeo Modigliani, pieza central de la colección del empresario Joe Lewis, liderará la próxima venta de Sotheby’s en Londres, con una estimación que supera los 60 millones de dólares. Tras más de tres décadas fuera del circuito de subastas, su regreso genera expectación como uno de los hitos del calendario artístico internacional.

La subasta de “Nu assis au collier”, programada para el 24 de junio en la sede londinense de Sotheby’s, es relevante porque se trata de uno de los siete desnudos de gran formato que Modigliani mostró en vida, cuya exhibición fue suspendida por la policía en 1917 por “indecencia”. El valor estimado, su escasez en el mercado y su procedencia refuerzan el atractivo y la importancia de este acontecimiento para coleccionistas e instituciones de arte en todo el mundo.

La venta tendrá lugar el 24 de junio, y la obra permanecerá en exhibición pública del 10 al 23 de ese mes, de acuerdo con Artnet News. La colección completa de Joe Lewis suma un valor estimado que sobrepasa los 268 millones de dólares, cifra récord para una sola colección en una subasta europea.

Historia y singularidad de Nu assis au collier

“Nu assis au collier” ocupa un lugar especial en la trayectoria de Amadeo Modigliani. Pintada entre 1917 y 1918, la obra muestra a una mujer desnuda de ojos cerrados, una mano sosteniendo un collar de coral y la otra apoyada en su regazo.

Este cuadro protagonizó la única exposición individual realizada en vida por el artista, interrumpida la noche inaugural tras denuncias de “indecencia”, según relató Artnet News. Este episodio contribuyó a la fama de la obra y reafirmó la imagen de Modigliani como un pintor dispuesto a desafiar los límites sociales y estéticos de su época.

El presidente de Sotheby’s Europa, Oliver Barker, destacó a Artnet News la profundidad compositiva del cuadro, relacionándola con la pintura religiosa del Renacimiento y con “Le Rêve” de Picasso. Barker subrayó que, al igual que Manet con “Olympia”, Modigliani provocó a su público y desafió las convenciones mediante la presentación audaz de sus desnudos.

La modelo de “Nu assis au collier” fue retratada también en otras dos obras de 1917: “Nu au collier”, conservada en el Allen Memorial Art Museum de Oberlin College, y “Nu aux yeux clos”, que está en la colección del Guggenheim de Nueva York.

La puja y el mercado de Modigliani

El vigoroso interés por las obras de Modigliani se refleja en los precios alcanzados en subastas recientes. El récord corresponde a “Nu Couché”, vendido por 170 millones de dólares en Christie’s en 2015.

Sotheby’s logró en octubre pasado un nuevo hito para Modigliani en París, al adjudicar “Elvire en buste” por más de 31 millones de dólares, según datos de Artnet News.

La escasez de piezas relevantes y el renovado interés por parte de la academia —además de nuevos estudios como el catálogo razonado de Marc Restellini y la reciente película biográfica dirigida por Johnny Depp— intensificaron la demanda mundial. La asesora de arte Megan Fox Kelly explicó a Artnet News que la oferta limitada de obras relevantes amplifica el interés de los grandes coleccionistas y sostuvo que “existen relativamente pocas piezas verdaderamente importantes de Modigliani en el mercado, y los conocedores lo saben bien”.

Aunque pueda parecer que los desnudos de Modigliani surgen regularmente en subastas, Fox Kelly aclara que las oportunidades reales para adquirir uno son muy raras y considera que el mercado del artista aún no alcanzó su máximo.

Modigliani completó más de 300 pinturas, pero solo entre 30 y 35 son desnudos, lo que incrementa la competencia y el valor de estas piezas.

Procedencia y relevancia en el coleccionismo

La historia de “Nu assis au collier” en el coleccionismo es igualmente elevada. Antes de pertenecer a Joe Lewis, la pintura estuvo en manos del abogado neoyorquino Ralph F. Colin y Georgia Talmey Colin, que la incluyeron en notables exhibiciones.

Lewis la adquirió en 1995 por 12,4 millones de dólares en una subasta de Christie’s, y desde entonces la obra no había sido ofrecida al público hasta este regreso a Sotheby’s. Será apenas la tercera ocasión que este emblemático desnudo salga a subasta.

Según Artnet News, la reaparición de una obra de tal magnitud confirma la posición destacada de la colección Joe Lewis y la importancia que los coleccionistas otorgan a las piezas maestras del arte moderno.

La constante búsqueda de calidad y rareza entre los mejores conocedores sostiene el atractivo internacional de Modigliani, impulsando la demanda y el valor de sus obras con cada retorno al mercado.

La restauración digital completa del Codex Atlanticus de Leonardo da Vinci se concretó tras más de 400 años gracias al trabajo del Museo Galileo de Florencia y la creación de Leonardotheka 2.0. Esta plataforma en línea reunió las más de 550 páginas que fueron separadas del manuscrito en el siglo XVI, permitiendo ahora su consulta y estudio a nivel global.

La reunificación digital del Codex Atlanticus se logró integrando folios dispersos durante siglos. Leonardotheka 2.0, presentada en junio de 2026, facilita el acceso en línea a la totalidad del manuscrito, abriendo nuevas oportunidades para la investigación y preservación del legado de Leonardo da Vinci, según informó Artnet News.

El Codex Atlanticus: historia de un manuscrito dividido

El Codex Atlanticus es la mayor compilación de manuscritos realizados por Leonardo da Vinci entre la década de 1470 y 1519. Incluye esquemas, textos e inventos tan destacados como la máquina voladora y el clavicémbalo-viola.

Tras la muerte de Leonardo, los manuscritos pasaron a su último discípulo y, posteriormente, al escultor Pompeo Leoni. A finales del siglo XVI, Leoni dividió los folios en dos partes: una con los experimentos técnicos, que conformarían el futuro Codex Atlanticus, y otra reservada a los dibujos artísticos.

La segregación de Leoni iba en contra del ideal renacentista que unía arte y ciencia. Las partes separadas siguieron caminos distintos: la sección técnica fue donada por el conde Galeazzo Arconati a la Veneranda Biblioteca Ambrosiana en Milán, mientras que los folios artísticos llegaron a Inglaterra y, en última instancia, a la Royal Collection Trust del Reino Unido.

Durante más de cuatro siglos, el manuscrito original permaneció fragmentado, lo que dificultó el análisis global del pensamiento de Leonardo. Esta dispersión de los documentos limitó la comprensión sobre el equilibrio entre técnica y arte que caracterizaba sus obras.

Avances tecnológicos y debates sobre la digitalización de patrimonio

La herramienta Leonardotheka, desarrollada por el Museo Galileo, transformó el acceso a manuscritos históricos mediante digitalización avanzada. Desde 2023 permitió examinar partes del códice, pero su versión 2.0 logró reunir digitalmente 50 páginas más, al cotejar dimensiones, métodos de preparación y marcas de agua para autenticar los folios.

Entre las reunificaciones más relevantes figura la inclusión de apuntes junto a ilustraciones, como la de un caballo asociada a las notas sobre el monumento ecuestre de Regisole, considerados parte del proceso para la obra dedicada a Francesco Sforza. Leonardotheka permite una navegación interactiva, donde los usuarios pueden filtrar el contenido por criterios como técnica o temática, y acceder fácilmente a materiales académicos relacionados.

Para la comunidad investigadora internacional, Leonardotheka supone “una herramienta que ofrece oportunidades sin precedentes para explorar la vasta e invaluable riqueza de información contenida en los manuscritos de Leonardo da Vinci”, afirmó Paolo Galluzzi, director ejecutivo emérito del Museo Galileo, según Artnet News.

Sin embargo, este avance plantea también retos y debates sobre la gestión digital del patrimonio. El director ejecutivo del Museo Galileo, Roberto Ferrari, recalcó a Artnet News la importancia de que las instituciones culturales conserven la titularidad intelectual de sus proyectos digitales, en vez de cederla a plataformas comerciales. Ferrari considera que iniciativas como esta desafían “la proliferación de bibliotecas digitales genéricas” y el intento creciente de convertir el legado de Leonardo en un recurso para fines comerciales.

La digitalización pionera del Codex Atlanticus, producida por el Museo Galileo y con el respaldo de instituciones como la Veneranda Biblioteca Ambrosiana y la Royal Collection Trust, marca una nueva etapa en la conservación y el acceso al patrimonio documental. El caso demuestra el valor de que los custodios públicos mantengan el control intelectual de los archivos que preservan la memoria colectiva.

Un nuevo estudio de Curtin University determinó que la piedra del altar de Stonehenge fue trasladada de forma deliberada por humanos desde el noreste de Escocia hasta la llanura de Salisbury, en el sur de Inglaterra. Esta travesía de aproximadamente 700 km refuta la hipótesis de un traslado natural por glaciares y pone en evidencia la capacidad organizativa de las comunidades neolíticas.

La piedra del altar, un megalito de arenisca de seis toneladas, fue transportada por grupos prehistóricos a través de terrenos difíciles y mediante métodos que combinaron arrastre terrestre y, posiblemente, el uso de rutas fluviales o costeras. Según Curtin University, el análisis de las rutas muestra que los glaciares de la última Edad de Hielo solo pudieron desplazar la roca hasta Dogger Bank, en el actual Mar del Norte, por lo que las personas debieron completar el recorrido hasta Salisbury.

El trayecto, considerado uno de los desafíos logísticos más notables de la prehistoria británica, implicó transportar la roca desde su cantera original hasta Stonehenge, a través de regiones que carecen de conexiones naturales directas. Los investigadores de Curtin University, encabezados por el Dr. Anthony Clarke y en colaboración con universidades británicas, afirman que el movimiento fue planificado y exigió un alto grado de coordinación social.

Cómo se descubrió la ruta del Altar Stone

El estudio combinó análisis geológico de los minerales presentes en la piedra y avanzados modelos informáticos para simular desplazamientos glaciares de la última Edad de Hielo. Esta modelización por computadora permitió descartar que los glaciares trasladaran el megalito hasta el sur de Inglaterra.

La clave del descubrimiento estuvo en el análisis de tres tipos de minerales —circón, apatito y rutilo— extraídos de fragmentos de la piedra del altar. Mediante datación uranio-plomo, los investigadores calcularon la antigüedad de esos granos minerales: algunos tenían entre 1.000 y 2.000 millones de años, y otros, alrededor de 450 millones. Esa “huella digital” geológica apuntó de forma inequívoca a la Cuenca Orcadiana, en el noreste de Escocia, sin coincidencia posible con rocas de Gales ni de Inglaterra.

La investigación determinó que no existieron rutas glaciares capaces de unir el punto de origen en Escocia con la ubicación final de Stonehenge. Las pruebas mineralógicas, apoyadas por modernas técnicas de datación, confirmaron el origen exacto de la roca y señalaron que las comunidades humanas debieron organizar el transporte en varias etapas, posiblemente combinando rutas terrestres y vías de agua.

El contexto de Stonehenge y sus piedras

El altar stone no es la única piedra de Stonehenge con un origen lejano. El monumento se compone de dos tipos principales de rocas: las piedras sarsen, las más grandes y visibles, procedentes de Marlborough, a unos 25 kilómetros del sitio, y las llamadas bluestones, más pequeñas, cuyo origen se sitúa en las colinas de Preseli, en Gales, a unos 220 kilómetros. El altar stone, sin embargo, superó con creces esas distancias al recorrer al menos 750 kilómetros desde el noreste de Escocia, lo que convierte su traslado en el más largo documentado para cualquier piedra utilizada en un monumento neolítico.

La pieza, un bloque de arenisca roja de 5 metros de largo y 50 centímetros de grosor, descansa en el centro del círculo de piedras de Stonehenge, parcialmente enterrada bajo dos sarsen caídos. Durante más de un siglo se creyó que su origen era galés, hasta que investigaciones sucesivas fueron descartando todas las fuentes posibles en Gales e Inglaterra, y el estudio publicado en Nature en 2024 fijó su procedencia en la Cuenca Orcadiana con carácter definitivo.

Qué revela el hallazgo sobre las comunidades prehistóricas

El equipo liderado por el Dr. Clarke sostiene que este hallazgo aporta una nueva visión sobre la organización y cooperación de las comunidades neolíticas. “Transportar una piedra de este tamaño habría requerido planificación, coordinación y conocimiento detallado del entorno”, afirmó Clarke, según Curtin University.

El debate sobre la ruta exacta del traslado aún permanece abierto. Algunos investigadores, como el arqueólogo Jim Leary, consideran más probable una travesía marítima: “Subestimamos seriamente sus capacidades y tecnologías. Sabemos que transportaban ganado, ovejas y cabras por mar”. Otros, como el historiador Mike Pitts, autor de How to Build Stonehenge, defienden el transporte terrestre, argumentando que el mar suponía el riesgo de perder una carga de valor incalculable y que un viaje lento por tierra habría permitido la participación de comunidades a lo largo de todo el recorrido, con posibles paradas en monumentos intermedios como los tres henges de Thornborough, en Yorkshire.

Los autores subrayan que la combinación de análisis geológico y simulaciones digitales permitió resolver interrogantes históricos de larga data. La investigación revela un grado de sofisticación tecnológica y de colaboración entre grupos prehistóricos muy superior al estimado tradicionalmente, de acuerdo con el informe de Curtin University.

Próximas investigaciones sobre Stonehenge

A partir de estos resultados, el grupo científico buscará localizar con mayor precisión la cantera original en el noreste de Escocia. La zona de búsqueda abarca un corredor que va desde las Orcadas y John O’Groats, en Caithness, hasta una franja costera que llega al Firth of Moray, cerca de Inverness. Un estudio paralelo publicado en el Journal of Archaeological Science ya descartó que la piedra proceda de Orkney continental, tras comparar su composición química con la de megalitos del Anillo de Brodgar y las Piedras de Stenness.

Además, el equipo planea analizar en profundidad las posibles rutas y técnicas empleadas por las comunidades humanas para trasladar la pieza hasta el sur de Inglaterra. Para los responsables del estudio, estos avances permitirán reconstruir con mayor detalle los procesos constructivos y logísticos detrás de Stonehenge, y el traslado del megalito evidencia el profundo conocimiento del paisaje y la determinación de aquellas sociedades ante grandes desafíos colectivos.

Hay un rincón para quienes buscan el lado más sombrío del séptimo arte: Bleak Week, el festival internacional nacido en Los Ángeles hace cinco años, desafía las expectativas sobre lo que el público busca tras la pandemia. Aquella cita experimental dedicada al “cine de la desesperanza” pasó de una rareza local a expandirse a 100 cines en 73 ciudades y ocho países en la edición de 2026.

Bleak Week es un festival de cine creado por American Cinematheque que, en solo cinco años, evolucionó desde Los Ángeles hasta convertirse en un evento global. Su propuesta consiste en programar películas de autor que exploran las experiencias humanas más difíciles y desoladoras, al contrario de la tendencia que favoreció comedias y relatos alentadores después de la pandemia.

La idea nació como reacción a la preferencia por historias optimistas. Los programadores de American Cinematheque aprovecharon la típica neblina de junio en Los Ángeles, conocida como “June Gloom”, para ofrecer algo distinto. Grant Moninger, director artístico del festival, recordó que al principio existían dudas sobre cómo respondería el público, ya que las temáticas pueden resultar incómodas para algunos. “Aunque Bleak Week suene deprimente, en realidad es una celebración de la experiencia humana. Es de lo que se trata el cine: empatía y comprensión del mundo”, declaró Moninger según AP News.

Expansión internacional de Bleak Week

En 2026, Bleak Week alcanza una expansión sin precedentes. Ahora se celebra en salas como The Paris Theatre en Nueva York, The Prince Charles Cinema en Londres y Park Theatre en Vancouver, además de numerosas ciudades en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Puerto Rico y varios países de Latinoamérica.

El evento no se limita a las grandes urbes. Espacios emblemáticos como Ragtag Cinema (Columbia, Missouri), Row House Cinema (Pittsburgh) y Coolidge Corner Theatre (Brookline, Massachusetts) también forman parte del circuito internacional, que mantiene su epicentro en sedes icónicas de Los Ángeles: Egyptian Theatre, Aero Theatre y Los Feliz 3.

La programación se construye con la colaboración de curadores locales, quienes ajustan la selección de películas en función del público de cada ciudad. Chris LeMaire, programador de Bleak Week, señaló a AP News que resulta atractivo ver los distintos enfoques y la diversidad que esto aporta al festival.

El enfoque y la selección de películas en el festival de cine

El concepto de Bleak Week no impone restricciones de género cinematográfico. Puede abarcar relatos bélicos, dramas personales, fantasía oscura o películas familiares, siempre que se trate de producciones narrativas y no documentales. “Nuestra única regla es que no hacemos documentales”, puntualizó Moninger.

En 2026, la programación global incluye más de 300 títulos, permitiendo que cada sede configure su selección de obras sombrías favoritas. La película más proyectada este año es “La tumba de las luciérnagas”, de Isao Takahata, que narra la supervivencia en el Japón de posguerra. Títulos como “Ven y mira” figuran entre los más celebrados y, según Moninger, representan el ejemplo más extremo del “cine de la desesperanza”.

La crítica Katie Walsh, presente desde la primera edición y habitual moderadora de debates, destaca el valor de experimentar en sala las emociones que despiertan estas películas. “Bleak Week ofrece la posibilidad de deleitarse en este sentimiento específico de muchas maneras. Me encanta, veo cosas que nunca vería en otro sitio”, comentó a AP News. Según ella, la experiencia es tan intensa que, tras algunas funciones, necesita un momento de silencio para asimilar lo visto.

Invitados y películas emblemáticas en Bleak Week

En cada edición participan tanto figuras consagradas como talentos emergentes. En 2026, Bleak Week cuenta con la presencia de Isabelle Huppert, quien lidera sesiones de preguntas y respuestas sobre títulos como “La pianista” y “Heaven’s Gate”; Ari Aster, que presenta la versión de director de “Midsommar”; y Denis Villeneuve, quien acompaña proyecciones de “Incendies”.

Las funciones más demandadas se centran en títulos como el maratón de “Sátántangó”, con una duración de 439 minutos, que suele agotarse rápidamente, según AP News.

Programadores locales adaptan su selección en cada país. Por ejemplo, el Gene Siskel Film Center de Chicago prioriza la animación, con películas como “La princesa Mononoke”, “Watership Down” y “Felidae”. En Argentina, el segmento nacional comparte espacio con un homenaje a la obra de Aster. En Vancouver, la programación es elegida por cineastas locales y colaboradores habituales del Park Theatre, incluyendo selecciones de figuras como Finn Wolfhard y Autumn Durald Arkapaw.

Un final inesperado para el festival

Aunque el foco del festival es el cine sombrío, cada edición en Los Ángeles finaliza con una nota de dulzura: la proyección de la trilogía de Paddington. Los organizadores llaman a este cierre “marmalade chaser”, tradición que busca restablecer el ánimo del público antes de volver a la rutina diaria.

Al transformar las adversidades y tragedias personales en relatos conmovedores, Bleak Week muestra el potencial del arte para generar empatía colectiva y consuelo compartido desde la sala de cine.