La saga de James Bond se halla ahora mismo en un delicado punto de inflexión. Habiendo dejado de lado a sus productores históricos y con Amazon MGM Studios como máximo responsable de los derechos, el personaje de Ian Fleming no puede hacer mucho más ahora mismo que navegar de un candidato a otro, buscando a quien pudiera suceder a Daniel Craig mientras Denis Villeneuve calienta su silla como director.

Con el responsable de Dune a los mandos parece que, pase lo que pase, la franquicia continuará como debe, pero de pronto es inevitable preguntarse qué habría pasado si cierto cineasta de prestigio se hubiera puesto a los mandos hace tiempo.

Y no nos referimos a Christopher Nolan (eterno aspirante a dirigir un film de 007) sino a Steven Spielberg. El mítico director estrenará este 12 de junio El día de la revelación, un regreso al cine de aliens por el que tanta afinidad ha ido demostrando a lo largo de su carrera.

En vísperas del estreno de este film aclamado por la crítica, Spielberg ha sido entrevistado en The Rest is Entertainment y ha revelado una frustrante historia en común con James Bond.

Porque, al parecer, el director lleva años detrás del personaje, pero nunca ha sido aceptado por quienes llevan los mandos de la franquicia. Hemos de remontarnos entonces a los años 70, cuando Spielberg dio la campanada con el primer blockbuster de la historia, Tiburón.

De la noche a la mañana tuvo tal reconocimiento como para que no fuera tan descabellado unirse a una franquicia de la que llevaba tiempo siendo admirador. Así que, al parecer, se ofreció personalmente como director a Albert ‘Cubby’ Broccoli, quien entonces era el máximo responsable de la franquicia. Era la época del Bond de Roger Moore, rodeado de entregas como Viva y deja morir o El hombre de la pistola de oro.

“Me acerqué a Cubby luego de que Tiburón fuera un gran éxito. Siempre había querido hacer una película de James Bond desde el día en que vi Dr. No, así que llamé a Cubby después de Tiburón y me ofrecí voluntario. Le dije ‘si necesitas un director, me encantaría dirigir una’. Y él dijo que no”. Así que Spielberg tuvo que seguir a lo suyo, estrenando por ejemplo el film que anticiparía directamente El día de la revelación: nos referimos a Encuentros en la tercera fase, un gran éxito de taquilla de 1977.

Resulta que un par de años después Spielberg creyó encontrarse ante una nueva oportunidad de trabajar en la franquicia, una vez Broccoli le pidió usar la melodía de cinco notas que John Williams había compuesto tan memorablemente para Encuentros en la tercera fase. El productor quería usarla en una escena de Moonraker, la película con la que el Bond de Moore viajaría al espacio en 1979. Así que Spielberg lo intentó.

“Le dije ‘te propongo un trato’”, ha contado Spielberg. “‘Te daré permiso para usar las cinco notas si me dejas dirigir una película de Bond’. Y él dijo que no. Pero le di las cinco notas de todos modos. Así que me rechazaron sistemáticamente; al menos, Broccoli lo hizo. Nunca me explicó por qué no me dejaba entrar en la familia Bond”.

Spielberg se fue topando, entonces, con un rechazo sistemático, aunque al menos en esta última ocasión sacó algo del asunto: “Cuando le conté esa historia a George Lucas en 1977, mientras estábamos juntos en Hawái preparando el estreno de La guerra de las galaxias me dijo ‘tengo algo mejor que Bond, se llama Indiana Smith’, que era como se llamaba por aquel entonces. Me contó la premisa de la serie de Indiana Jones, y así fue como me hice con ese trabajo. Así que si ahora me pidieran hacer una película de Bond, mi respuesta sería ‘no podéis permitiros pagarme”.

Gracias a la resistencia de Broccoli a que Spielberg dirigiera una película de James Bond, tenemos la saga de Indiana Jones. La única franquicia junto a Jurassic Park, por cierto, en la que Spielberg ha querido involucrarse, pues más adelante en los 2000 terminó desentendiéndose de Harry Potter. “Hubo varias películas que decidí no hacer”, comentaba Spielberg hace un par de años.

“Decidí rechazar la primera Harry Potter básicamente para pasar ese año y medio con mi familia, con mis hijos pequeños que estaban creciendo. Así que sacrifiqué una gran franquicia, algo de lo que hoy, mirando atrás, me alegro mucho de haber hecho, para estar con mi familia”.

El año pasado Lilo y Stitch sorprendió a propios y extraños con una recaudación apabullante en cines, que sobrepasó por completo la recaudación del film animado del que ejercía de remake.

Quizá porque la versión original se había ido convirtiendo en un clásico generacional de Disney tras su paso por cines allá por 2002, 24 años después resultaba que había una enorme cantidad de público dispuesto a experimentar la misma historia con CGI hiperrealista (cosas más raras se han visto), y el film ganó 1038 millones de dólares.

Así que había que aprovechar el éxito de alguna forma y Disney siguió la estrategia de Mufasa con respecto al remake de El rey león: ampliar la historia en el live action de una forma que no habíamos visto con respecto a la animación. La Casa del Ratón empezó a desarrollar de esta forma una secuela, en la que cabía suponer que volverían los artífices originales.

Dan Fleischer Camp, tras haber sido nominado al Oscar a Mejor película de animación por Marcel, la concha con zapatos, debía tener grandes opciones de quedarse en la franquicia tras firmar asimismo el remake de Lilo y Stitch y obtener tal taquillazo.

No va a ser así. Según Hollywood Reporter, Lilo y Stitch 2 tendrá como director nada menos que a Chris Sanders. Se trata de un nombre imprescindible de la animación porque, claro, es el director y guionista de la Lilo y Stitch original (también puso voz al alienígena Stitch), pero es que ha hecho más desde entonces.

A su salto a DreamWorks junto a Dean DeBlois (coguionista de Lilo y Stitch), Sanders inauguró la saga Cómo entrenar a tu dragón y en 2024 firmó en solitario la aclamadísima Robot salvaje, de la que ahora mismo prepara una secuela con el título provisional de The Wild Robot Escapes.

En el seno de DreamWorks se ha dado asimismo un movimiento similar a Disney, con el lanzamiento del remake de Cómo entrenar a tu dragón (que dirigió el mencionado DeBlois) y el plan de adaptar en acción real las secuelas restantes. Sanders ha preferido no involucrarse en este proyecto pero no le ha visto pegas a reincorporarse en Lilo y Stitch, una vez ya volviera a poner voz de todas maneras al personaje titular en el remake.

Así que Sanders, en cierto sentido, vuelve a casa, y no sería la primera vez que trabaja con acción real. Allá por 2020 dirigió La llamada de lo salvaje, adaptación de Jack London que involucraba a Harrison Ford rodeado de animales diseñados por CGI. Un buen entrenamiento, seguramente, de cara a Lilo y Stitch 2. A la cual Disney todavía no le ha puesto fecha de estreno, pero en principio empezaría a rodarse a finales de año.

El cine de autor internacional cuenta ahora mismo en España con dos brazos decisivos entre Filmin y Elastica Films. Una es una plataforma de streaming ceñida a propuestas clásicas e independientes seleccionadas, y otra una distribuidora y productora que no ha dejado de acaparar prestigio en años recientes. Y ambas, en un movimiento histórico para la industria, acaban de asociarse según cuenta El País: Filmin ha comprado el 100% de la parte de distribución de Elastica, de forma que no solo se dedicará al streaming a partir de ahora.

Filmin ya había distribuido películas en salas antes, en régimen de co-distribución donde, de vez en cuando, participaba la propia Elastica. Así que no es un movimiento que venga de la nada, y los responsables de ambas empresas han presumido de su afinidad y una visión común con respecto al cine, que pese al negocio de Filmin privilegia la experiencia en salas y se distancia, sin ir más lejos, de lo que sucede con Netflix en EEUU (y su reiterado rechazo a apostar por la exhibición tradicional).

Así que la compañía que lideran Enrique Costa y María Zamora (llegados ambos de Avalon) se han aliado con el servicio de suscripción que preside Juan Carlos Tous. Para ello Elastica se ha dividido en dos: la parte de distribución en la que entrará Filmin, y la parte de producción que se mantiene independiente. “Aunque sus películas se lanzarán, como hasta ahora, por la distribución de Elastica”, apuntan.

Costa entraría asimismo a formar parte del comité de dirección de Filmin, mientras las empresas mantienen su autonomía.

“Se trata de un proyecto que suma, que integra internet y salas de cine, porque pensamos que son partes complementarias de una misma realidad. Además, este acuerdo apuesta, y esto es muy importante, por las ventanas de exhibición en salas”, aseguran Tous y Costa, sin desvelar cifras específicas en el acuerdo. Elastica, fundada en 2021, distribuyó su primera película en junto a Filmin en 2022: fue el musical Annette, de Leos Carax, y es una de sus canciones (So May We Start) la que acompaña un vídeo en redes sociales festejando el acuerdo.

“Es un proyecto pionero en España y diría que en Europa: nunca antes una plataforma de streaming y una distribuidora habían unido fuerzas de dos empresas que se complementan”, asegura Tous. “Nuestros objetivos son que el cine de calidad llegue al mayor público posible, y que los suscriptores de Filmin puedan así disfrutar de más títulos de calidad al integrar internet y salas de cine, mundos no excluyentes, y queremos aclarar que respetaremos las ventanas de exhibición en salas”.

“Somos compañías complementarias y compartimos la idea de que el cine nos hace mejores como personas y como sociedad”, coinciden ambas entidades. “Este es un paso natural que reconoce la sintonía que ambas compañías tenemos en la manera de entender cuál es la mejor forma de hacer llegar el cine de calidad a los espectadores”.

Un catálogo imprescindible

En los últimos años, Filmin y Elastica han compartido la distribución de películas tan aclamadas (y premiadas) como Drive my car, La sustancia o Anatomía de una caída. Elastica, por su parte, ha ido ganando peso como actor industrial, distribuyendo grandes producciones internacionales como Backrooms (que ahora mismo está arrasando en taquilla) junto al lanzamiento de Kill Bill: The Whole Bloody Affair.

Y esto en tanto a distribuidora. Como productora, Elastica puede presumir de haber impulsado Salve María o los últimos trabajos de Carla Simón. Así como Corredora y Yo no moriré de amor, vistas en el último Festival de Málaga (donde Yo no moriré de amor se alzó con la Biznaga de Oro). El acuerdo con Filmin puede garantizar que estos dos títulos se incorporen a su catálogo próximamente, si bien Elastica mantiene su carácter de productora independiente y se puede asociar con otros entes.

Por ejemplo Movistar Plus+, con la que la empresa de Costa y Zamora ha desarrollado La bola negra. El film de los Javis, ganador del premio a Mejor dirección en el último Festival de Cannes, llegaría a cines el 25 de septiembre para finalmente pasar a formar parte del catálogo en streaming de Movistar Plus+.

Steven Spielberg está en plena promoción de su última película, El Día de la Revelación. En ella trata uno de los temas favoritos del cineasta de Ohio: la vida extraterrestre.

Sobre uno de sus más famosos filmes de esta temática, E. T. el extraterrestre, Spielberg ha resuelto esta semana una duda que atormentaba a muchos fans de la película desde hace 44 años.

En una entrevista en el pódcast Happy Sad Confused, Spielberg es preguntado si en el universo de la película, el entrañable alienígena y su amigo humano, Elliott, se vuelven a reunir.

"No, nunca se volvieron a ver, pero sí soñó con él, así que existía una conexión psíquica entre ambos", explica en la entrevista el veterano director, de 79 años de edad.

El director, se llevó un dedo a la frente y les recordó a los espectadores: "Si os fijáis, E. T. se tocó justo aquí y dijo: 'Estaré aquí mismo'". De este modo, E. T. forjó una conexión entre su mente y la del niño, una conexión que, según Spielberg, pudo durar "el resto de la vida de Elliott".

Emily Blunt y Josh O'Connor protagonizan la película nueva película de Spielberg, y encarnan, respectivamente, a una meteoróloga y a un informante que exponen el encubrimiento por parte del gobierno estadounidense de su contacto con extraterrestres.

Es un gran fin de semana porque Steven Spielberg ha vuelto. Su nueva película se titula El día de la revelación y además es un regreso a uno de sus temas fetiche, como es el contacto con los alienígenas. Una preocupación que Spielberg lleva arrastrando desde los inicios de su carrera y que hoy deviene una exhortación a la fe pura y dura, vaya dirigida hacia donde vaya dirigida. También nos valdría el cine.

Los Fabelman (Netflix)

Al fin y al cabo es lo que más inspirador resulta de la carrera de Spielberg: el sentido de la maravilla que marcan todas sus obras, la capacidad del cine para hacernos soñar, y justo fue un tema clave de su film inmediatamente previo. Los Fabelman también pasa por ser su película más personal, al inspirarse en su propia vida y en cómo descubrió que el Séptimo Arte podía iluminar su existencia.

The Smashing Machine (HBO Max)

El día de la revelación cuenta con Emily Blunt como protagonista, en un papel especialmente jugoso que la vuelve a confirmar como una de las actrices más sólidas de la actualidad. No hace mucho tuvimos otra prueba desde un lugar más secundario, dándole la réplica a Dwayne Johnson como esposa de un luchador atormentado en The Smashing Machine.

Puñales por la espalda: De entre los muertos (Netflix)

Tampoco hay que olvidarse que en el film de Spielberg Blunt viene acompañada de Josh O'Connor, y que la carrera de este actor se halla en su mejor momento. A pruebas como Rivales o The Mastermind nos remitimos, y por supuesto ahí tenemos en Netflix una entrega de Puñales por la espalda donde superó el protagonismo de Daniel Craig.

E.T. El extraterrestre (Amazon Prime Video)

Volviendo a la filmografía de Spielberg, quizá tenga su gracia comparar El día de la revelación (que en esencia es un thriller sombrío) con la energía infantil y entrañable de uno de los grandes hitos de su carrera: E.T. El extraterrestre. Exacto, una película que nunca vas a cansarte de revisar.

Puede que, desde sus fulgurantes inicios literarios con Menos que cero y American Psycho, Bret Easton Ellis nunca se hubiera topado con una recepción tan entusiasta a una de sus novelas tardías. Pero lo cierto es que Los destrozos, publicada en 2023 tras haber sido originada en un podcast, ha encandilado al público. Y casi de inmediato ha habido intentonas para convertirla en serie, con el mismo Ellis encargándose de ello. Hacia 2024, el icónico escritor le había presentado un proyecto a HBO.

No obstante, esta versión de Los destrozos no llegó a cuajar, y tuvo que venir Ryan Murphy al rescate. El prolífico showrunner tiene una habilidad inaudita para concretar proyectos, y así sucede que en lo que llevamos de año ya ha estrenado dos nuevas series: The Beauty y Love Story: John F. Kennedy y Carolyn Bessette.

Y por lo que parece va a haber una más: la susodicha Los destrozos, que ya está lista y empaquetada como una miniserie para FX y Hulu. Con una fecha de estreno mucho más cercana de lo que pensábamos.

Los destrozos (originalmente The Shards) llegará al streaming este 5 de agosto, con Murphy como showrunner. Planteada como una adaptación fidedigna de la extensa novela de Ellis, Los destrozos nos propone un viaje en el tiempo a Los Ángeles de los años 80, a la época de juventud del autor de Menos que cero. “La serie sigue a un grupo de estudiantes de último curso de un instituto privado de élite mientras se enfrentan a cuestiones de identidad, sexo, celos, obsesión y los peligros que acechan bajo la superficie de la adolescencia estadounidense”, leemos en la sinopsis.

“En el centro de la trama se encuentra Bret (Igby Rigney), un aspirante a escritor y adolescente de aguda percepción cuya realidad comienza a desmoronarse con la llegada de un nuevo alumno misterioso y magnético, Robert Mallory (Homer Gere). Robert, que se incorpora al instituto justo antes de su último curso, aparece en escena coincidiendo con el creciente terror que siembra el Arrastrero, un asesino en serie que tiene como objetivo a los adolescentes de toda la ciudad”.

Además de los intérpretes citados, en Los destrozos también nos topamos con rostros más veteranos como Evan Rachel Wood y Wes Bentley. Seguramente esté al caer un primer tráiler.

La asistencia a las salas de cine entre enero y mayo ha experimentado un aumento en España del 36% con respecto a 2025. Gran noticia para un negocio que no ha vuelto a ser lo que era desde la época pandémica, que de pronto se ha visto realzada por la última Fiesta del Cine. La Federación de Cines de España normalmente realiza dos ediciones anuales: una en otoño y otra en primavera, así acaba de llegar a su fin la más reciente.

Los días 8, 9, 10 y 11 de junio las entradas de cine costaron más baratas: 3.50 euros la sesión en 330 salas a lo largo del país. Esta edición parecía prometedora por la cartelera, y en efecto hablamos de un completo éxito: la asistencia de espectadores en la Fiesta del Cine ha tenido su mejor dato en tiempo primaveral desde 2019. Es decir, desde antes del estallido de la pandemia, y la nueva edición ha aumentado un 4.3% con respecto a la de junio de 2025. Que, en sí misma, ya había sido muy satisfactoria.

Hablamos de 1.352.668 espectadores: una rotunda mejora desde que la edición anterior, la de noviembre, se saldara con unos decepcionantes 861.000 espectadores. Entonces al menos tuvimos el premio de consolación de que el top 3 de las películas más vistas era íntegramente de procedencia española (Los domingos, La cena y Los Tigres), en respuesta a lo que parecía ser una oferta muy débil de Hollywood.

No es lo que ha pasado esta semana, con Backrooms de Kane Parsons liderando el top. Le sigue Scary Movie, una Michael que sigue sin perder fuelle en la taquilla, El drama y He-Man y los Masters del Universo, justamente estrenada la semana anterior junto a Backrooms y Scary Movie. Las distribuidoras se habían movilizado para que la cartelera internacional fuera apetecible, y el resultado ha sido excelente.

En esta tesitura, por lo demás, el cine español tampoco ha perdido fuelle. El drama romántico Todo lo que nunca fuimos se ha quedado en la sexta posición, mientras que La luz está en el puesto 9 y Cada día nace un listo cierra el podio desde el top 10.

A primera vista parece que 2026 está siendo un año tan genial para el cine de terror como lo fue 2025, pero no habría que pasar por alto lo que está sucediendo en televisión. Y es que, en este escenario, también nos topamos con un momento efervescente para el género, representado por la entusiasta acogida de La maldición de Widow’s Bay.

Se trata de una serie creada por Katie Dippold que protagoniza Matthew Rhys como alcalde de un pueblo de Nueva Inglaterra donde todos los habitantes (salvo él mismo) sostienen que está maldito.

La serie es inquietante pero, como insinúa la sinopsis, también tiene un tono cómico que le ha hecho cosechar grandes críticas mientras se beneficiaba del respaldo de la audiencia. Y finalmente de la propia cadena, Apple TV, que se ha decidido a renovar La maldición de Widow’s Bay por una segunda temporada cuando aún la primera no ha llegado a su fin. El último capítulo se estrenaría en streaming este 17 de junio.

Según Hollywood Reporter, esta renovación viene acompañada de un jugoso contrato de Dippold con Apple TV, por la cual se compromete tanto a nuevas temporadas de Widow’s Bay como a proyectos al margen. Asistimos entonces a la consagración de una guionista que empezó escribiendo en Parks and Recreation para luego convertirse en una colaboradora habitual de Paul Feig, escribiendo Espías o Cazafantasmas.

Dippold ya ha bromeado sobre la continuidad de su serie, asegurando que la segunda temporada girará en torno a “cómo todo va genial en la isla y no hay de qué preocuparse”. Dippold ha ejercido también de productora ejecutiva junto al siempre eficaz Hiro Murai (Atlanta), que dirigió cinco de los diez episodios sin que aún esté claro que vaya a repetir para la segunda temporada. Matt Cherniss, como director de programación de Apple TV, confirma su satisfacción por mantener a Dippold de su lado.

“Desde el momento en que el público llegó a Widow’s Bay, se ha quedado enganchado a cada misterio inquietante, cada risa inesperada y cada secreto maldito que Katie, Hiro, Matthew y todo el equipo han creado. Se ha convertido en una de esas series de las que todo el mundo habla, y estamos encantados de ver que el público sigue acogiendo con entusiasmo la serie”. No hay fecha de estreno tanteada para la continuación de La maldición de Widow’s Bay.

Las dos primeras temporadas de Tierra de mafiosos, que en España puedes ver a través de SkyShowtime, han sido un completo éxito. Este thriller gangsteril contaba con la baza inicial de tener a Guy Ritchie entre sus artífices para que finalmente hayan trascendido sus personajes, y una trama que no ha dejado decrecer con el paso de los capítulos.

Por eso fue una conmoción entre los fans de la serie la noticia de que Tom Hardy, intérprete del recadero Harry Da Souza, había sido despedido y no volvería para la tercera temporada.

Luego, claro está, la trama se complicó. Resultó que Hardy no había sido despedido, pero sí había tenido conflictos muy serios con los responsables de la serie y eso había provocado que su permanencia en Tierra de mafiosos pendiera de un hilo. A día de hoy no se ha resuelto, las conversaciones siguen, pero Hardy puede presumir de un prestigioso apoyo. Esto es, Helen Mirren, que junto a Pierce Brosnan y Hardy integra el trío protagonista original de la serie. Al poco de que se hablara del hipotético despido, Mirren publicó una imagen en Instagram donde aseguraba estar de parte de Hardy y desear que se quedara en el proyecto.

Días después, Mirren se encuentra en Sicilia para recibir un premio honorífico, en el Festival de Cine de Taormina, y ha podido hablar con los medios sobre la polémica de Hardy. Así que ha reiterado su apoyo cuando le han preguntado si querría volver a trabajar con él. “Joder, por supuesto, sin pensármelo dos veces”, respondió la actriz enfáticamente.

“Adoro a Tom, creo que es un actor increíble”, y acto seguido indaga en las críticas sobre la actitud de Hardy en el set, que habrían precipitado las dudas de cara a continuar en Tierra de mafiosos.

“Cada actor tiene su propio proceso. A lo largo de los años he aprendido que algunas personas captan las cosas más rápido. Mientras lo que se vea en pantalla sea fantástico, me da igual cómo llegue cada uno hasta ahí. Tom es una persona muy especial. Creo que es absolutamente extraordinario. Mi apoyo hacia él es sincero y de corazón”.

“Cuando tienes a gente con gran talento artístico trabajando, el proceso es todo un reto. La gente se pondrá de los nervios. Pero seguiremos adelante, sin duda, y será aún mejor»”, prosigue Mirren. Ella está convencida de que Tierra de mafiosos seguirá adelante, y confía en el proyecto.

De Hardy a Israel

El encuentro con los medios ha estado marcado también por un altercado que Mirren sufrió a finales de mayo. Fue cuando un día, mientras paseaba con su marido por Londres, un transeúnte le llamó “zorra sionista malvada”. Mirren interpretó a Golda Meir, exprimera ministra de Israel, en el film de 2023 Golda. Este hecho, junto a comentarios que ha hecho en el pasado defendiendo la existencia de Israel, es lo que habría motivado aquel insulto. Uno al que por otra parte ha preferido quitarle hierro.

“Fui atacada por error por un hombre quizá demasiado apasionado, o no del todo estable mentalmente”. Aún así, Mirren ha querido aclarar su vínculo con el estado gobernado por Benjamin Netanyahu en el marco del sangriento conflicto con Gaza. “Las fuerzas del mal están surgiendo por todas partes, incluido en un país como Israel. ¿Cómo es posible que repitas con otras personas lo que te hicieron a ti como pueblo?”, se pregunta, acaso en referencia a la violencia contra el pueblo palestino.

“Tengo amigos maravillosos de Israel. La comunidad artística e intelectual de Israel es extraordinaria”, prosigue. “Nací al final de la Segunda Guerra Mundial, crecí en la Europa de la posguerra y la toma de conciencia de la generación de mis padres sobre lo que había sucedido en el Holocausto fue tan profunda, tan importante. Por lo tanto, la creación de Israel fue un momento muy importante, aunque quizá se hiciera de una forma completamente equivocada, en el lugar equivocado, no lo sé. Pero algo tenía que pasar después de ese horror”.

Que tal fuera el contexto en el que se fundó el Estado de Israel no evita que hoy Mirren se muestre ambivalente. “Interpreté a Golda Meir y trabajé por el Israel idealista, y siempre pensé que era un país que nunca haría nada malo, pero, por supuesto, estaban haciendo cosas malas. Incluso entonces”.

“De cada película que hago me siento, en realidad, un poco más orgulloso que de la anterior, y sin embargo es como si los beneficios fueran decrecientes en lo que respecta a su acogida”.

Esto es algo que acaba de decir Ari Aster en una proyección de Hereditary, a la sazón fue el primer film que dirigió. Fue en 2018 y pocos niegan que sea un clásico del cine de terror (también uno de los grandes hitos comerciales de A24, estudio indie ya totalmente consolidado), a la vez que es un film con el que Aster ha de mostrarse ambivalente. Porque nada de lo que ha hecho después ha sido tan elogiado.

Es decir, Midsommar también gustó bastante. Pero poco después el director hizo un viraje hacia la comedia negra (sin dejar de lado del todo el escalofrío) que se tradujo en dos producciones gigantescas de A24 que dividieron bastante al público: Beau tiene miedo y Eddington.

Ahora mismo Aster se encuentra trabajando en su siguiente film, un nuevo proyecto con A24 que se titula Scapegoat y protagonizaría Scarlett Johansson. La idea es rodarlo el próximo noviembre, así que Aster ha tenido tiempo de presentar una proyección de su debut en el cine Metrograph de Nueva York.

Ahí ha reflexionado sobre el legado de Hereditary, y también ha lanzado una revelación muy jugosa. “Escribí una precuela de esto. Nunca parece ser el momento adecuado para hacerla. Es una precuela, no una secuela, así que a saber adónde va a parar esto”. Parece que Aster ha escrito una precuela de Hereditary: un film ambientado en su mismo universo que, sin embargo, todavía no ha logrado concretar de cara a rodarlo.

Esta revelación se alinea con otra cosa que dijo hace poco, y era que para suceder a Scapegoat tenía tres opciones: una película de terror, una secuela espiritual de la susodicha Eddington y una historia de ciencia ficción. Parece entonces que la precuela de Hereditary sería esa “película de terror”, pero habrá que ver cuál es el rendimiento de Scapegoat antes de que Aster pueda recibir luz verde.

En la charla, por cierto, también hubo tiempo de hablar del estado del cine de terror, y en particular de una revolución para el género como es la que podría traer consigo Kane Parsons: el director de Backrooms que (otra vez con el sello de A24) está ahora mismo arrasando en taquilla. “Tiene 20 años y, por lo que ha estado haciendo en Blender, creo que claramente sigue una visión. Me emociona ver eso”, asegura Aster.

Una de las películas más taquilleras de lo que llevamos de año es Proyecto Salvación. También una de las más unánimemente aclamadas, por lo que cabe asumir la consagración industrial de Phil Lord y Chris Miller. Esta dupla de cineastas ha trabajado sobre todo en animación, pero la película scifi con Ryan Gosling bien podría haber cambiado esa consideración y, por qué no, incluso encaminarlos al Oscar. Así que es curioso remontarse estos días a su debut en acción real, estrenado allá por 2012.

Y es más curioso porque, según Hollywood Reporter, va a tener secuela. Infiltrados en clase fue el primer film en acción real que dirigieron Lord y Miller, consiguiendo unos nada desdeñables 200 millones de dólares en taquilla que dos años más tarde fueron superados por la secuela, Infiltrados en la universidad, con 331 millones. Vaya, que parecía una propiedad intelectual de lo más lucrativa (mucho más, en cualquier caso, que la ignota serie de los años 80 que la inspiraba levemente, protagonizada por Johnny Depp y titulada Nuevos policías en España), y como tal intentaron seguir exprimiéndola durante los años posteriores.

La idea barajada fue hacer una tercera parte y, durante un tiempo, un extravagante crossover con otra saga de Sony como es Men in Black. Jonah Hill y Channing Tatum (intérpretes de los protagonistas) parecían a favor, pero la cosa no se concretó y han pasado más de diez años de Infiltrados en la universidad. Hasta que de pronto Sony ha acelerado trámites y ha confirmado la presencia de Hill y Tatum como protagonistas de una nueva entrega, así como el regreso de Ice Cube como secundario.

El título original es 24 Jump Street. Las películas previas se titulaban en inglés 21 Jump Street y 22 Jump Street, así que se habrían saltado un número. No ha habido una explicación oficial del estudio pero sí un revelador post en Instagram de uno de los productores, Neal H. Moritz. En él muestra el guion de la película con el título 24 Jump Street y un encabezado, “Tardamos tanto que tuvimos que saltarnos una”, que a saber si no termina siendo el subtítulo del film.

Aun cuando vuelven los protagonistas, parece que Lord y Miller no lo harán como directores. Se limitarán a producir junto a Moritz, mientras que el guion corre a cuenta de Hill junto a Meghan Malloy, y el director resulta ser Rodney Rothman, que ya se encargó de coescribir Infiltrados en la universidad y codirigió en 2018 Spider-Man: Un nuevo universo para Lord y Miller. Así que no es un desconocido para la franquicia. Sony no le ha puesto fecha de estreno a Infiltrados en clase 3.

El debate sobre la Inteligencia Artificial está sacudiendo Hollywood de arriba abajo, entre quienes se posicionan contra su uso indiscriminado y quienes lo ven como una oportunidad de negocio. O, como también se está estilando, una herramienta provechosa para trabajar.

Se supone que a este último argumento se agarra Martin Scorsese, con una ocurrencia que ha entristecido a multitud de cinéfilos. Y es que Scorsese es uno de los grandes garantes del cine tradicional, comprometido con la integridad del medio, de forma que sea algo así como descorazonador verle a él también cayendo en las redes de la IA.

Scorsese encuentra ultimando los detalles de What Happens at Night, un thriller que protagoniza su actor fetiche Leonardo DiCaprio junto a Jennifer Lawrence. Hace unos días trascendió entonces que se había incorporado como asesor a Black Forest Labs, una startup centrada en el desarrollo de la Inteligencia Artificial generativa.

El anuncio llegó junto a una nota de prensa donde Scorsese defendía su vínculo con la compañía, y en particular lo útil que iba a ser de cara al desarrollo de los storyboards en las fases de preproducción.

El director afirma entonces haber estado interesado siempre “en la intersección de tecnología y narración”, y que “concuerda plenamente con una idea arraigada del cine, que las nuevas herramientas no sustituyen el arte, sino que amplían su lenguaje”.

“El cine es un medio joven, con solo unos 125 años de antigüedad, por lo que debemos estar abiertos a cómo puede evolucionar”, podemos leer en un comunicado que está recibiendo duras críticas en redes.

“Utilicé el 3D en La invención de Hugo y la tecnología de rejuvenecimiento en El irlandés. Ahora, con esta herramienta, puedo compartir lo que estoy visualizando de forma más clara y eficaz con mi equipo para que puedan aprovecharlo y enriquecer la inteligencia cinematográfica. Hace poco lo probé y la capacidad de visualizar y compartir inmediatamente el storyboard me dio mucha libertad. Durante la preproducción el tiempo cuesta dinero, y esto nos permitió avanzar más rápido sin sacrificar la calidad ni el trabajo artesanal”.

La respuesta

¿Podemos inferir entonces que What Happens at Night hará uso de la tecnología de Black Forest Labs? Lo que sí sabemos por ahora es quién ha respondido con mayor dureza a la ocurrencia del director de 83 años: el Sindicato de Directores de Arte de Hollywood que agrupa a diversos escenógrafos, ilustradores y diseñadores de producción.

Este organismo se ha posicionado abiertamente contra Scorsese: “El director ganador de un Oscar Martin Scorsese está dando la espalda a los artistas humanos que, a lo largo de su carrera, le han ayudado a crear sus obras más memorables”, leemos en su texto.

“La IA generativa solo es capaz de producir este tipo de ‘inteligencia cinematográfica’ al asimilar grandes cantidades de obras protegidas por derechos de autor, probablemente extraídas de Internet sin consentimiento, sin reconocimiento, sin compensación y sin transparencia. Pensar que sus contribuciones profesionales pueden ser imitadas o eclipsadas por la IA generativa, que se basa en obras probablemente robadas a ellos y a muchos otros artistas de todo el mundo, es una traición a la naturaleza colaborativa del cine”.

Ni Scorsese ni nadie cercano ha respondido a estas reclamaciones.

No cabe duda de que Dwayne Johnson, habiendo tenido sus altibajos, sigue siendo toda una estrella de Hollywood. Y lo ha logrado fundamentalmente a través de franquicias y cine de entretenimiento puro y duro, recurriendo tanto a sus músculos como a su afable vis cómica. Sin ir más lejos, este 10 de julio estrena el remake de Vaiana (repitiendo como Maui, el personaje de Disney al que se había limitado a poner voz hasta ahora), y más tarde en Navidades estrenará Jumanji: Mundo abierto.

Pero Johnson tiene inquietudes más allá del espectáculo. Y lo demostró el año pasado, cuando estrenó The Smashing Machine en el Festival de Venecia. Se trataba del biopic de Mark Kerr, nombre propio de la lucha libre al que The Rock puso rostro en compañía de Emily Blunt (hoy tan en boga con El día de la revelación) y bajo las órdenes de Benny Safdie.

Que justamente ganó el premio a Mejor dirección en dicho certamen, dando la sensación de que The Smashing Machine podría competir por el Oscar e incluso rascar nominación para el esforzado trabajo de Johnson.

No fue lo que ocurrió. Safdie tuvo que ver de hecho como su hermano del que se había separado recientemente a nivel profesional, Josh Safdie, se llevaba todas las alabanzas con Marty Supreme. Aún así Johnson quiere seguir trabajando con el director de The Smashing Machine y hoy por hoy ambos preparan Lizard Music: The Rock mantiene su apego por el cine de autor, y no quiere que la decepción de The Smashing Machine le afecte.

El actor de Black Adam ha hablado recientemente del tema, admitiendo que fue duro ver cómo se quedaba sin opciones permeables. “Hubiera sido increíble estar nominado a un Oscar. Me di cuenta lo excepcional que es llegar a esta cima donde pueden mantenerse estas conversaciones. ¡Y es emocionante!”, cuenta Johnson sin sucumbir al desaliento.

“Hubiera sido increíble. Ojalá hubiera pasado. Pero no fue así. Sin embargo, en ningún momento pensé ‘ah, no importa’. Siempre pensé que importaba. Y eso ha encendido una llama en mi interior, que es ‘volvamos al trabajo’”. Johnson no tiene problemas en admitir que lo que buscaba con The Smashing Machine (hoy disponible, por cierto, en HBO Max) era credibilidad como actor dramático, y planea seguir en esa senda.

De momento junto a Safdie y, por qué no, en un futuro junto a Martin Scorsese: al fin y al cabo no hace mucho que fue vinculado a un futuro proyecto del venerable director donde repetiría con Blunt: un drama de mafiosos ambientado en Hawái.

Hace como un año David Harbour pasó unos momentos muy difíciles, coincidiendo con el estreno del final de Stranger Things. No pudo despedirse de su personaje del sheriff Hopper con la calma que le habría gustado, porque de pronto su expareja Lily Allen publicaba un álbum, West End Girl, criticando su relación, y el Daily Mail publicó que Millie Bobby Brown, intérprete de Once en la serie de Netflix, había interpuesto una denuncia contra él. Por acoso y hostigamiento.

Tanto Brown como Harbour intentaron atajar el revuelo mediático negando la mayor. Poco después Brown aseguraría en redes sociales que no tenía ningún problema con quien encarna a su figura paterna en la ficción, mostrándole gratitud.

Meses después, cuando Harbour estrena una nueva serie en HBO Max (DFT St. Louis, junto a Jason Bateman) y se habla de sus posibilidades en los premios televisivos, está preparado para sincerarse sobre el episodio. Y para hablar abiertamente sobre sus problemas de salud mental.

Harbour sufre trastorno bipolar. Y admite que tuvo “una crisis nerviosa” cuando los medios publicaron lo de la falsa denuncia (“páginas y páginas” contra él, según se dijo). “Trabajamos juntos durante diez años, en su adolescencia, interpretando a padre e hija”, explica en Hollywood Reporter. No sé si la gente tiene familiares y amigos con los que pasa mucho tiempo durante 10 años; de vez en cuando surgen discusiones, desacuerdos… En las familias, no pasa nada porque solo se trata de un desacuerdo y luego se vuelve a estar en armonía”.

"La quiero y ella me quiere"

“El problema con una serie de mil millones de dólares es que hay cientos de personas que quieren involucrarse”. Sobre su relación actual con Brown, Harbour afirma que “Millie y yo estamos trabajando en varios proyectos… Veréis más de Millie y de mí; 10 años no fueron suficientes. Hay un vínculo especial entre nosotros. La quiero. Y ella me quiere”.

También detalla un poco sus problemas mentales, y la forma en que esto pudo afectar a su trabajo en Stranger Things: “Sufro algunas cosas confusas. Creo que mucha gente tiene un amigo, un hermano o un compañero de trabajo que lidia con problemas de salud mental, y probablemente se sienten bastante confundidos cuando esa persona se deprime, se vuelve maníaca o tiene un episodio”.

“En momentos de estrés extremo, eso puede provocar un comportamiento un tanto errático, y me avergüenzo de ello. No es algo que yo elija, y no se lo desearía ni a mi peor enemigo. Siento que, para algunos de nosotros, nuestros dones están indisolublemente ligados a nuestras enfermedades”.

“Tener un sistema nervioso que reacciona al mundo de una forma demasiado delicada me permite vivir ese momento que tanto me gusta en DFT St. Louis en los columpios con Jason”, añade en referencia a una escena de su nueva serie (que aparece asimismo en el póster oficial). “Pero también puede obligarme, en momentos de estrés extremo, a actuar de forma un poco extraña”.

Fue en 2012 cuando se fundó A24, y desde entonces su transformación en un nombre de referencia para la cinefilia ha sido perfectamente paulatina.

Con el paso de los años este estudio independiente ha ido incrementando los presupuestos, y hoy por hoy incluso coquetea con la propiedad intelectual: en su calendario de futuros proyectos nos encontramos con adaptaciones de videojuegos del calibre de Death Stranding o Elden Ring, que dirigiría un viejo conocido del sello como es Alex Garland.

Garland, justamente, es el artífice de un film que en su día se llegó a ver como una cumbre para A24: Civil War costó 50 millones de dólares y se anunció prácticamente como un blockbuster en 2024.

Desde entonces, sin embargo, A24 se ha superado a sí misma, aumentando la apuesta y logrando medirse con las grandes factorías de Hollywood. No es descabellado asegurar que acaba de alcanzar su cima, gracias al fenómeno Backrooms.

Backrooms ha costado bastante menos que Civil War (unos 10 millones de dólares) pero va a ser uno de los hits del año. El film de terror está dirigido por un debutante que viene de YouTube y tiene poco más de 20 años, Kane Parsons: aparte de obtener grandes críticas se las ha apañado para liderar la taquilla en EEUU junto a otro youtuber (Curry Barker, responsable de Obsession), mientras ambos dejan muy atrás a una marca consolidada como es Star Wars.

The Mandalorian and Grogu no ha tenido nada que hacer contra Backrooms, que acaba de alcanzar los 216 millones de dólares a nivel mundial luego de haber sido el mejor estreno de la historia de A24.

Ahora mismo, con estos 216 millones, ya es sobradamente la película más taquillera jamás auspiciada por el estudio, y una prueba total de su consolidación comercial. En esta tesitura, pasarse a las franquicias IP parece el movimiento lógico (y parece evidente que Backrooms tendrá secuela), aunque de esperar que se esfuerce en mantener su identidad.

Esta identidad distintiva es la que ha convertido a A24 en una marca muy querida, y para comprobarlo no hay más que mirar cómo está ahora mismo su histórico de taquilla. Antes del fenómeno Backrooms, una película tan reciente como Marty Supreme había sido lo más lejos a lo que había podido llegar A24. El film de Timothée Chalamet, además de ser candidato a los Oscar, había recaudado 191 millones de dólares.

Hasta no hace mucho, la producción más taquillera de A24 había sido toda una ganadora del Oscar a Mejor película: Todo a la vez en todas partes, estrenada en 2022. Lo curioso es que el siguiente título en el ránking es otro film de 2026, constatando el momento dorado que vive la empresa.

El drama, con 130 millones de dólares, es la cuarta película más taquillera de toda la historia de A24. Cerrando el top 5, ahora sí, nos topamos con la citada Civil War, que hizo 127 millones inaugurando los presupuestos holgados de la compañía.

En la segunda mitad del top 10 nos topamos con otro film bastante reciente: Materialistas, que el verano pasado hiciera 105 millones de dólares. Luego tenemos dos películas de terror, Háblame con 92 millones y Hereditary con 90, y Lady Bird es el penúltimo gran título con 79 millones. El ránking se cierra con otro Oscar a Mejor película como es Moonlight: sus 66 millones fueron en su día bastante humildes, pero porque solo serían la antesala para algo mucho más grande.

Hoy por hoy, A24 es un estudio independiente tan capaz de ganar Oscars como millonadas que nada tienen que envidiarle a las majors.

La idea de un ser humano siendo tragado por una ballena es algo que nos retrotrae a la historia de Jonás en la Biblia o, en todo caso, a la odisea de Pinocho en los compases finales del cuento de Carlo Collodi.

Desde luego, no es algo que haya sido explotado por el terror, y no dejaba de ser curioso por todo lo que de inquietante y surrealista tiene el planteamiento: el agobio que puede llegar a inspirar, la claustrofobia. Esta curiosidad tan específica bien puede haber dado sus frutos, porque existe una película de terror cimentada por entero sobre la idea.

Nos referimos a Whalefall, una producción de 20th Century Studios que acaba de publicar su tráiler. Basada en la novela homónima de Daniel Kraus, Whalefall se levanta por entero sobre este planteamiento: qué pasaría si alguien fuera tragado por una ballena, cómo se las apañaría para escapar. El protagonista es Austin Abrams, quien cada vez va dejándose ver más por Hollywood: le recordamos originalmente de Euphoria, pero el verano pasado tuvo un papel secundario muy jugoso en Weapons y de hecho va a volver en breve a trabajar con su director.

Y es que Zach Cregger también le ha fichado como protagonista total de su adaptación de Resident Evil, que llegaría a cines el 18 de septiembre. El turno de Whalefall será algo más tarde, pues 20th Century Studios ha fijado su estreno en España para el 16 de octubre. La película está dirigida por Brian Duffield, que en calidad de guionista había obtenido cierto crédito gracias a escribir las dos entregas de The Babysitter. Como director hizo bastante ruido con la película de terror Nadie te salvará, que llegó al streaming en 2023 con el protagonismo de Kaitlyn Dever.

Junto a Abrams destaca en el elenco Josh Brolin, como el fallecido padre de su personaje. La sinopsis completa es la que sigue: “Tras la muerte de su padre, Jay Gardiner se sumerge en la costa central de California en busca de sus restos, pero es tragado por una ballena. Atrapado en su interior con solo una hora de oxígeno restante, Jay se da cuenta de que las lecciones que su padre le enseñó pueden ser la clave para escapar”.

A tenor del tráiler no hay por qué esperar una película cómica que saque partido de lo chocante del planteamiento, sino un drama de suspense claustrofóbico con todas las de la ley. Puedes verlo sobre estas líneas:

La barrera de los 1.000 millones de dólares es la más codiciada por cualquier blockbuster que se precie. Es cuando ya se deja atrás cualquier preocupación por rentabilizar el dinero invertido, y la película de turno puede aspirar a hacer historia en un ránking mundial que a día de hoy sigue presidiendo la Avatar de James Cameron.

La primera entrega de la franquicia mantiene el liderazgo histórico, aunque las secuelas posteriores tampoco lo han hecho mal y así ocurre que Avatar: Fuego y ceniza, aun siendo la que menos dinero ha hecho hasta ahora, puede presumir de haber alcanzado los 1.485 millones de dólares de recaudación.

Esto lo ha logrado después de su estreno a mediados de diciembre de 2025, de modo que técnicamente es el título más taquillero del presente año. No obstante, si nos ceñimos a estrenos de 2026, resulta que tenemos por fin otra película que haya superado los 1.000 millones de dólares.

Nos referimos a Super Mario Galaxy: La película, que ahora mismo lleva acumulados 428 millones de dólares a nivel doméstico, y 571 internacionalmente. Así que la marca es suya: es el primer film estrenado en 2026 que lo logra.

Aún le queda bastante para equipararse o superar al film previo, claro. En 2023, Super Mario Bros: La película fue la segunda película más taquillera del año por detrás de Barbie, presumiendo de 1.300 dólares.

Sea como sea, la marca de Super Mario gestionada por Nintendo e Illumination puede presumir de contar ahora con una de las franquicias animadas más taquilleras de la historia, dentro de un selecto grupo donde tenemos a Kung Fu Panda, Del revés o Madagascar. Ah, y también a Gru y Los Minions, claro. Sus seis películas combinadas (también producidas, al igual que Super Mario, por Illumination) suman 5.640 millones de dólares, una salvajada que parece difícil de superar.

Volviendo al cómputo anual, percibimos una severa dificultad para que las producciones de Hollywood se acerquen a los 1.000 millones. Super Mario Galaxy ha sido la primera en hacerlo mientras tiene a las espaldas a Michael, el biopic de Michael Jackson que con 889 millones de dólares recaudados no sería descabellado que pudiera alcanzar la ansiada marca.

Detrás de ambos títulos, a cierta distancia, nos topamos con Proyecto Salvación con 681 millones de dólares, y con El diablo viste de Prada 2 con 664 millones: parece bastante difícil que estas sí puedan llegar.

Acerca de las películas de Luca Guadagnino pueden decirse muchas cosas, para bien o para mal según los gustos de cada uno. Pero es innegable que el director de Call Me By Your Name se corta tan poco en sus fotogramas como a la hora de expresar sus opiniones, aunque estas impliquen poner a caldo a Tom Cruise.

Durante una charla en la Festa dell'Innovazione, un evento celebrado en Venecia por la publicación Il Foglio, Guadagnino ha dejado claro que eso de la nostalgia ochentera no va con él. Incluso si dicha nostalgia ha arrasado en taquilla reviviendo uno de los mayores mitos del cine ochentero, lleno todo él de cazas supersónicos y aviadores con Ray Ban (vía World of Reel).

"La gente estaba gritando"

Poniendo como ejemplo a Steven Spielberg y El día de la revelación, Guadagnino afirmó en su discurso que el Hollywood de hoy solo tiene un motor económico: la "economía de la nostalgia". "Toda imaginación está levantada a base de nostalgia: por ello, se trata de saber cómo remover dentro de nosotros el recuerdo de lo que creemos haber perdido y encontrarlo de nuevo".

Si este análisis de Guadagnino te parece muy filosófico, no te preocupes: el cineasta arremete acto seguido contra un ejemplo muy concreto. Uno titulado Top Gun: Maverick. "Recuerdo que fui a verla cuando estaba rodando Rivales a un cine abarrotado. Era enorme, para miles de personas, y era una película muy mala".

"Pero, pese a ello, la gente estaba gritando y tirando las palomitas al aire", recuerda Guadagnino. "Estaban felices porque la economía de la nostalgia parece la única mercancía que puede ser controlada por mercados de todo tipo".

Dirigida por Joseph Kosinski y estrenada en 2022, Top Gun: Maverick amasó 1.500 millones de dólares en taquilla, unas cifras que parecían imposibles en el cine posterior a la pandemia, y fue nominada a seis Oscar, de los que ganó mejor sonido. Aunque su predecesora de 1987 también fue un taquillazo y se llevó un premio de la Academia, su acogida por parte de la crítica fue mucho menos entusiasta.

Desde entonces, la industria nos ha inundado con secuelas, incluyendo nuevas entregas de Bitelchús, Los cazafantasmas y Scream. ¿Tiene razón Luca Guadagnino, y la única forma de atraer a las masas al cine es tentándolas con revivir aquello que ya han visto?

En 2010 David Fincher estrenó la que muchos consideran como una de las películas más relevantes del siglo XXI. Escribía Aaron Sorkin, protagonizaban Jesse Eisenberg, y su propósito era arrojar luz sobre una de las compañías más relevantes del presente occidental: Facebook, cuya turbulenta invención era el centro de La red social.

El film, galardonado al Oscar a Mejor guion, solo ha ganado relevancia con el tiempo, si bien es verdad que lo sucedido después con Zuckerberg y su empresa merecía algún tipo de secuela.

Sorkin no ha hecho oídos sordos a estas reclamaciones, y 16 años después se ha propuesto seguir contando la historia de Zuckerberg. Así es como de La red social pasamos a The Social Reckoning, habiendo perdido a Fincher por el camino (al parecer ha preferido encargarse de la secuela de Érase una vez en Hollywood protagonizada por Brad Pitt) mientras Sorkin se anima a dirigir además de firmar nuevamente el guion.

No es la primera vez, por suerte, que Sorkin se ve en esta tesitura, y así es que ha firmado en los últimos tiempos como director y director películas estilo Molly’s Game o El juicio de los 7 de Chicago.

No es el único gran cambio de The Social Reckoning con respecto a La red social. El paso del tiempo ha exigido un relevo interpretativo, y así es como de Eisenberg hemos pasado a Jeremy Strong. Aclamado intérprete de Succession que no hace mucho aspiraba al Oscar (por The Apprentice) y que aquí se pondrá en la piel de un Zuckerberg más veterano, haciendo frente a una dura investigación sobre los secretos de Facebook.

The Social Reckoning cuenta entonces la historia real de una exingeniera de Facebook, llamada Frances Haugen, que en compañía del periodista del Wall Street Journal Jeff Horwitz impulsó un reportaje donde se revelaba la cara más oscura de Facebook. En el film Haugen estará interpretada por toda una ganadora del Oscar, Mikey Madison (quien salió victoriosa en su día por Anora), mientras que Horwitz tiene el rostro de Jeremy Allen White (The Bear, Deliver Me From Nowhere).

Les acompañan en The Social Reckoning otra recentísima candidata al Oscar (Wunmi Mosaku, de Los pecadores), junto a Betty Gilpin, Bill Burr y Billy Magnussen. The Social Reckoning ya ha lanzado su primer tráiler (donde se deja oír parte de la música original de Trent Reznor y Atticus Ross, aun cuando en este film hayan sido sustituidos por Alexandre Desplat), y ha fijado su fecha de estreno para el 9 de octubre. Es decir, justo a tiempo para tener un rol clave en la carrera de premios.

No es ningún secreto que Pixar ha atravesado un extenso periodo de decadencia, pero todo apunta a que poco a poco lo está dejando atrás.

El tremebundo taquillazo de Del revés 2 fue una señal en 2024, y 2026 bien podría ser la cumbre de esta recuperación. No solo por el triunfo de crítica y público de Hoppers (un film que además cuenta una historia original, como tanta gente harta de secuelas ansía reivindicar), sino por lo que se viene con Toy Story 5. La nueva entrega de una franquicia que a estas alturas es un valor seguro para Pixar.

O así lo ha sido por regla general, si no contamos el pinchazo de Lightyear hace unos años. Sea como sea, Toy Story 5 viene a presumir de estar dirigida por Andrew Stanton (uno de los veteranos del estudio del flexo tras Bichos o Buscando a Nemo, aquí codirigiendo con McKenna Harris) y de una canción original de Taylor Swift, I Knew it, I Knew You. Y también de una reacciones muy entusiastas, que lo predisponen todo para que la película sea un éxito según se estrene el próximo 19 de junio.

Andrew J. Salazar, de Discussing Film, ha escrito en X: “Me hace feliz decir que Toy Story 5 es un genuino homerun. El protagonismo de Jessie le da una energía contagiosa, y el conflicto de juguetes y tecnología está más matizado de lo esperado. Además se posiciona firmemente en que la conexión humana como clave para los niños”. Luego añade que “la ha visto dos veces”, y que ha llorado todavía más la segunda vez.

Borys Kit, de Hollywood Reporter, cuenta que “al poco de empezar Toy Story 5 una mujer se giró a su amiga preguntándole ‘¿ya estás llorando?’, y ella respondió ‘sí’”. “Puedo confirmar que se derramaron muchas lágrimas, ellas… y todo el mundo”.

La cuenta de The Holo Files afirma que “Toy Story 5 es dulce, ingeniosa, graciosa, conmovedora, y cumple con todo lo que podrías desear de una película de Toy Story. Una película encantadora que explora temas de Toy Story 3 para contar una historia tan oportuna como atemporal. Una de las mejores películas del año”.

Mientras que Scott Menzel la describe como “un regreso maravilloso y lleno de corazón y un recordatorio de por qué la saga de Toy Story es una de las mejores jamás hechas”. “Está a la altura de las tres primeras películas, ofreciendo una mezcla perfecta de humor, corazón y la magia característica de Pixar”. Dice por último que “I Knew It, I Knew You de Taylor Swift tiene que estar nominada al Oscar a Mejor canción original”.

Clayton Davis de Variety explica a continuación que “Toy Story 5 demuestra que la franquicia todavía tiene mucho territorio emocional que explorar. Oportuna y sorprendentemente aguda en su visión de nuestro vínculo con la tecnología”.

Y por último German Lussier, de Gizmodo, se desmarca con una opinión algo más prudente: “Un poquito caótica al principio mientras construye varias líneas argumentales distintas, pero termina dando sus frutos con un tercer acto fenomenal, lleno de todo el corazón y el humor que esperas de Pixar. Reí, lloré, la amé”.